Театр в средневековой европе

В средневековой Европе большую популярность снискали гистрионы - народные актеры, бродившие по городам и собирающие на площадях и в рыцарских замках толпы народа. Это не были мастера одного искусства: они и рассказывали небылицы и истории, и пели, и играли на разнообразных инструментах, и жонглировали, и выполняли акробатические номера, разыгрывали смешные сценки, и даже выступали с дрессированными животными. Часто в своих выступлениях гистрионы потешались над теми, кто подавлял простых людей, чем вызвали недовольство и гонение со стороны церкви и феодалов.

Тщетно пытаясь запретить деятельность гистрионов и подавить интерес народа к их искусству, церковнослужители нашли способ заставить театр служить религиозным целям. Так, церковные службы стали сопровождаться сценками из жизни Христа и святых, которые разыгрывали переодетые священники. Примечательно, что для исполнения ролей обитателей ада привлекали лиц не духовного звания.

Так появилось главное направление в театральном искусстве средневековой Европы - церковный театр.

Жан Фуке. «Мученичество св. Аполлонии»

С начала IX в. во время общественного богослужения стали разыгрывать литургические драмы. Это были представления, показывающие самые драматические события из священного писания. В XIII в. их разыгрывали прямо перед храмом уже для гораздо большего числа людей. Эти представления получили название полулитургическая драма.

Во второй половине XIII в. возник еще один из жанров театрального искусства средневековой Европы, связанного с религией - мистерия. Как и в литургической драме, сюжет мистерии обычно брался из священного писания и дополнялся  комическими сценками.  Такие представления ставили не духовные служители, а рабочие люди. Следует отметить, что женские роли исполняли именно женщины, а не мужчины, как, например, в античном театре. Стоит ли говорить, что это зрелище было важным событием в жизни города. Люди начинали собираться, как только на площади появлялись первые декорации. Представления были очень правдоподомными и эффектными. Нередко зрители чувствовали себя участниками действа. Порой мистерия могла длиться от нескольких дней до нескольких недель.

Сюжет представления был весьма разнообразным: акробатические номера сменялись различными бытовыми комическими сценками, в которых угадывались народные обычаи и обряды. Такие сценки назвали "начинкой" мистерий или фаршем. Считается, что отсюда возникло слово фарс, которым позднее назвали отдельную форму спектакля средневекового театрального искусства.

Обретя независимость, именно фарс стал главным театральным событием в XVI в. Поистине, его можно считать самым демократичным стилем театра средневековой Европы: актеры показывали реальные картины быта и уклада своего времени.  Вместе с тем, каждая сценка была наполнена жизнерадостностью и не лишена юмора и сарказма. Наиболее успешным представлением в этом стиле был "Фарс об адвокате Пьере Патлене". Фарс был настолько популярным, что появились еще две его части, сложившиеся в трилогию об адвокате Патлене.

В XV и XVI вв. появился особый вид театрального искусства - моралите, главной темой которого были человеческие достоинства и пороки: любовь и ненависть, щедрость и скупость, великодушие и трусость. Эти произведения имеют явно выраженный аллегорический характер. Не трудно догадаться, что первоначальная цель моралите нравоучительная.

Таким образом, все вышеперечисленных формы средневекового театра оказали влияние на процесс формирования европейского театра.

При использовании данных материалов ссылка на блог - обязательна. Уважайте труд других!

Театр в Древней Греции и Риме

В 534 г. до н. э. в Афинах впервые была поставлена трагедия. В этой трагедии выступал всего один актер - он или рассказывал, или он отвечал на вопросы хора. Хор, который занимал главную роль в трагедии, своими песнями, ритмичными движениями, плясками задавал вопросы или откликался на рассказ актера. 

В каждом городе Древней Греции обязательно был свой театр, который обычно располагался под открытым небом. Афинский театр Диониса считался сравнительно небольшим - на 17 тысяч зрителей, а одиy из самых крупных театров был в Мегалополе - 44 тысячи зрителей. К середине V в. до н. э. в эпоху расцвета Афин сложилась целая церемония театральных представлений.

Афинский театр Диониса

Древнегреческий театр состоял из трех частей. Площадка, на которой происходила игра актера и хора, называется орхестра - в переводе с греческого означает"плясать". Орхестра строилась в виде круга и находилась у подножия холма или горы. Так было удобней строить театрон - место для зрителей, которое переводится как "смотреть". Театрон строился полукругом по склону холма или горы, как бы охватывая орхестру. Третьей частью была скена, которая предназначалась для переодевания актеров, и находилась она позади орхестры. Позднее ее стали оформлять колоннами как фасады дворцов и храмов.

Эсхил

Родившийся в 525 г. до н. э. известный греческий трагик Эсхил (проживший до 456 г. до н. э.) ввел второго актера, что привело к появлению диалога и оживлению трагедии, что придало больше действий в игре актеров. От Эсхила до нас дошло около 90 трагедий, таких как:

• "Семеро против Фив" - 467 год до н. э.; 
• "Персы" - 472 год до н. э.; 
• "Просительницы" - 470-х или 463 год до н.э.; 
• "Орестея" - 458 до н. э.; 
• "Агамемнон"; 
• "Хоэфоры" ("Жертва у гроба", "Плакальщицы"); 
• "Эвмениды" - 458 год до н. э.; 
• "Прометей" - около 415, 450-х или 440-х годов до н. э. 

  

  Софокл

Позже драматург Софокл (ок. 497-406 до н. э.) ввел третьего актера, каждый из этих актеров выполнял несколько ролей в том числе и женские. с появлением большего количества актеров роль хора постепенно стала уменьшаться, а на первое место стал выдвигаться актер, который раскрывал весь внутренний мир воплощаемого им героя.  Наиболее известными из дошедших до наших дней пьесами Софоклаявляются:

• "Аякс" другие названия "Эант", "Биченосцы" - между 455 - 445 г. до н. э.
• "Трахинянки" - около 450-435 г. до н. э.
• "Филоктет" - 409 г. до н. э. 
• " Эдип в Колоне" - 406 г. до н. э.
• "Электра" - ок. 415 г. до н. э.
• "Антигона" - ок. 442-441 г. до н. э.
• "Следопыты в Афинах" - постановка прошла в 406 г. до н. э.
• " Царь Эдип" или "Эдип - тиран" - ок. 429-426 г. до н. э.

Во время актерской игры для придания значительности и величавости своих героев актеры надевали обувь с очень высокой подошвой для увеличения своего роста - котурны, маски, которые напоминали шлемы и были с большими вырезами для глаз и рта, поверх масок надевали высокий головной убор и подкладывали что-нибудь под одежду.

Красивые движения актера оттенялись или подчеркивались танцами хора - то спокойным и величественным, то скорбным, то радостным. Музыкальное сопровождение на флейте или лире способствовало усилению трагического эффекта. Все действия происходящие на сцене направлялись на чувства зрителей, чтобы вызвать у них сострадание, радость или страх, помочь понять смысл жизни, что такое добро и истина, мудрость и доблесть. А для того, чтобы зрителей не вгонять в тоску, в тот же день после трех трагедий ставилась сатировская драма, которая давала необходимую разрядку после трагедии.

В начале V в до н. э. появилась комедия, которая стала частью программы праздника Диониса. В определенный день праздничных представлений соревновались трое поэтов, каждый с одной комедийной пьесой. Древнеаттическая комедия сохранила в себе черты народных обрядов, игр, которые были связаны с праздниками плодородия. У актеров комедии, также как и у трагиков, были маски, но они отличались растянутым ртом до у шей и приплюснутым носом. Условный карикатурный образ комического актера с его огромным брюхом и манерой держаться вызывали смех у зрителей. Народные обряды и игры принесли в комедию много беготни, криков с потасовками и драками, пляски с песнями и шутками, что очень разнообразило театральные выступления.

Аристофан

Хор в комедии носил костюмы и маски птиц, зверей и разных вымышленных фантастических зверей. Например, комедии Аристофана назывались по составу хора - "Облака", "Лягушки", "Птицы", "Осы". В лучших его комедиях ставились острые общественные и политические проблемы.

С IV в до н. э. постепенно из комедии начинают исчезать политические и общественные проблемы, грубые шаржи. Герои становятся более человечнее и проще, в сюжетах находят интересы, особенности характера и отношения человека. Такими были комедии Менандра.

В IV - III в. до н. э. в новоаттической комедии уже формируются устойчивые типы и маски героев: задира и болтун повар, ловкий раб-обманщик, льстивый подхалим, хвастливый и трусливый воин, милая девушка, злая богатая жена, влюбленный юноша, старик.

Хор почти исчезает и появляется только в небольших вставных сценках между действиями, а в центре внимания оказываются актеры.

В III - I в. до н. э. популярными становятся короткие постановки с бытовым содержанием, вокальные или драматические, буффонные или танцевальные - мимы. Мимы исполняли без масок, часто импровизируя, не имея сценария. Их исполняли не только мужчины, но и женщины. В то же время вместе с мимами получили распространение и пантомимы. Мимы с пантомимами исполнялись в домах перед гостями, на площадях.

Римляне продолжили традиции греческого театра, внеся некоторые особенности своих народных игр и обрядов.

Среди римлян популярными были короткие комедии с четырьмя постоянными персонажами, которые назывались ателлана: неудачливый медлительный дурачок Макк; жадный и богатый старикан Папп; обжора, болтун и сплетник Боккун; горбатый шарлатан и философ  Доссен.

Но самую большую популярность получили комедии паллиаты, названные так из-за плаща который носили герои комедии - паллиум. Это зрелище появилось из переделки новоаттической комедии, с добавлением элементов римских обрядов и игр.

В римском театре актеры принадлежали к бесправным низам общества и даже рабы могли играть на сцене, так как актеры не были связаны с религиозным культом, и поэтому не были в почете. Ведущий актер руководил труппой, состоящей из 3 - 5 человек.

Распространенными стилями игры на сцене были два вида. Первый - возвышенный, и облагороженный, связанный с театральной традицией Греции. Известным актером Рима в этом стиле был Эзоп. Второй стиль - комедийный, с чертами гротеска и буффонады. Известным актером в этом стиле был Росций.

Реконструкция архитектурного ансамбля театра Помпея

В Риме очень долго не было постоянного здания театра и только в середине I в. до н. э. известный политический деятель и полководец Помпей построил постоянное здание театра с общей вместимостью 17 580 человек. В конце того же века император Август закончил строительство своего театра с вместительностью 20 500 человек.

Особенно роскошными стали представления в эпоху Римской империи, но и в эту же эпоху театр был вытеснен гладиаторскими играми, и лишь небольшие бродячие труппы выступали на площадях, импровизируя веселые сценки.

При использовании данных материалов ссылка на блог - обязательна. Уважайте труд других!

Готика

Готический стиль стал завершающим этапом в развитии средневекового искусства стран Западной, Центральной и частично Восточной Европы. Термин "готика" введён в эпоху Возрождения как уничижительное обозначение всего средневекового искусства, считавшегося «варварским». С начала XIX в., когда для искусства X - XII вв. был принят термин романский стиль, были ограничены хронологические рамки готики, в ней выделили раннюю, зрелую (высокую) и позднюю фазы. Готика развивалась в странах, где господствовала католическая церковь, и под её эгидой феодально-церковные основы сохранялись в идеологии и культуре эпохи готики. Готическое искусство оставалось преимущественно культовым по назначению и религиозным по тематике: оно было соотнесено с вечностью, с «высшими» иррациональными силами. Для готики, характерны символико-аллегоричный тип мышления и условность художественного языка. От романского стиля готика унаследовала главенство архитектуры в системе искусств и традиционные типы зданий. Особое место в искусстве готики занимал собор - высший образец синтеза архитектуры, скульптуры и живописи (преим. витражей). Несоизмеримое с человеком пространство собора, вертикализм его башен и сводов, подчинение скульптуры динамичным архитурным ритмам, многоцветное сияние витражей оказывали сильное эмоциональное воздействие на верующих. 

Церковь Элизабеткирхе в Марбурге

Развитие искусства готики отражало и кардинальные изменения в структуре средневекового общества: начало формирования централизованных государств, рост и укрепление городов, выдвижение светских сил - городских, торговых и ремесленных, а также придворно-рыцарских кругов. По мере развития общественного сознания, ремесла и техники ослабевали устои средневекового религиозно-догматического мировоззрения, расширялись возможности познания и эстетического осмысления реального мира; складывались новые архитектурные типы и тектонические системы. Интенсивно развивались градостроительство и гражданская архитектура. Городские архитектурные ансамбли включали культовые и светские здания, укрепления, мосты, колодцы. Главная городская площадь часто обстраивалась домами с аркадами, торговыми и складскими помещениями в нижних этажах. От площади расходились главные улицы; узкие фасады 2-, реже 3-этажных домов с высокими, фронтонами выстраивались вдоль улиц и набережных. Города окружались мощными стенами с богато украшенными проездными башнями. Замки королей и феодалов постепенно превращались в сложные комплексы крепостных, дворцовых и культовых сооружений. Обычно в центре города, господствуя над его застройкой, находился замок или собор, становившийся средоточием городской жизни. В нём наряду с богослужением устраивались богословские диспуты, разыгрывались мистерии, происходили собрания горожан. Собор мыслился своего рода сводом знания, символом Вселенной, а его художественный строй, сочетавший торжественное величие со страстной динамикой, изобилие пластических мотивов со строгой иерархичной системой их соподчинения, выражал не только идеи средневековой общественной иерархии и власти божественных сил над человеком, но и растущее самосознание горожан, творческое величие усилий человеческого коллектива.

Готика зародилась в Северной Франции в середине XII в. и достигла расцвета в 1-й половине XIII в. Каменные готические соборы получили во Франции свою классическую форму. Как правило, это 3-5-нефные базилики с поперечным нефом - трансептом и полу круговым обходом хора - "деамбулаторием", к которому примыкают радиальные капеллы - "венец капелл". Их высокий и просторный интерьер озарен цветным мерцанием витражей. Впечатление неудержимого движения ввысь и к алтарю создается рядами стройных столбов, мощным взлётом остроконечных стрельчатых арок, убыстренным ритмом аркад верхней галереи - трифория. Благодаря контрасту высокого главного и полутёмных боковых нефов возникает живописное богатство аспектов, ощущение беспредельности пространства. Конструктивная основа собора — каркас из столбов (в зрелой готике — пучка колонн) и опирающихся на них стрельчатых арок. Структура здания складывается из прямоугольных ячеек - травей, ограниченных 4 столбами и 4 арками, которые вместе с арками-нервюрами образуют остов крестового свода, заполненного облегчёнными небольшими сводами - распалубками. Боковой распор свода главного нефа передаётся с помощью опорных арок - арк­бутанов на наружные столбы - контрфорсы. Освобождённые от нагрузки стены в промежутках между столбами прорезаются арочными окнами. Нейтрализация распора свода за счёт вынесения наружу основных конструктивных элементов позволила создать ощущение лёгкости и пространственной свободы интерьера. 2-башенные западные фасады французских соборов с 3-мя "перспективными" порталами и узорным круглым окном ("розой") в центре сочетают устремление ввысь с ясной уравновешенностью членения. На фасадах варьируются стрельчатые арки и богатые архитектурно-пластические и декоративные детали - узорные вимперги, фиалы, краб6ы и т. д. Статуи на консолях перед колонками порталов и в их верхней арочной галерее, рельефы на цоколях и в тимпанах порталов, а также на капителях колонн образуют цельную сюжетную систему, в которую входят персонажи и эпизоды Священного писания, аллегорические образы. Лучшие произведения готической пластики - статуи фасадов соборов в Шартре, Реймсе, Амьене, Страсбуре проникнуты одухотворённой красотой, искренностью и благородством чувств. Декор ритмически организован и строго подчинён архитектурным членением фасада, что обусловило стройную тектонику и пропорции статуй, торжественность их поз и жестов. Другие части храмов также украшались рельефами, статуями, растительным орнаментом, изображениями фантастических животных; характерно обилие в декоре светских мотивов. Разнообразна и тематика витражей, в гамме которых преобладали красные, синие и жёлтые тона.

часовня Сент-Шапель в Париже

Сложившаяся готическая каркасная система появилась в церкви аббатства Сен-Дени в 1137 - 44. К ранней готике относятся также соборы в Лане, Париже, Шартре. Богатством ритма, совершенством архитектурной композиции и скульптурного декора отличаются грандиозные соборы зрелой готики в Реймсе и Амьене, а также часовня Сент-Шапель в Париже (1243-48) с многочисленными витражами. С середины XIII в. величественные соборы строились в древних европейских странах - в Германии (Кельн), Нидерландах (Утрехт), Испании (Бургос), Великобритании (Вестминстерское аббатство в Лондоне), Швеции (Упсал), Чехии (хор и трансепт собора св. Вита в Праге), где готические строительные приёмы получили своеобразную местную интерпретацию. Крестоносцы донесли принципы готики до Родоса, Кипра и Сирии.

В конце XIII - начале XIV вв. строительство соборов во Франции переживало кризис: архитектурные формы стали суше, декор обильнее, статуи получили одинаковый подчёркнутый S-образный изгиб и черты куртуазности. С XIV в. большое значение приобрели городские и монастырские зальные церкви, замковые и дворцовые капеллы. Для поздней "пламенеющей" готики характерен прихотливый, напоминающий языки пламени узор оконных проемов церкви Сен-Маклу в Руане. В светском городском зодчестве использовались главным образом композиции и декоративные приёмы готики. На главной площади городов строились ратуши с обильным декором, нередко с башней (ратуша в Сен-Кантене, 1351-1509). Замки превращались в величественные дворцы с богатым внутренним убранством (комплекс папского дворца в Авиньоне), строились особняки богатых горожан.

В поздней готике получили распространение скульптурные алтари в интерьерах, объединяющие деревянную раскрашенную и позолоченную скульптуру и темперную живопись на деревянных досках. Сложился новый эмоциональный строй образов, отличающийся драматичной экспрессией, особенно в сценах страданий Христа и святых, переданных с беспощадной правдивостью. Появились росписи на светские сюжеты (в папском дворце в Авиньоне, 14—15 вв.). В миниатюрах наметилось стремление к одухотворённой человечности образов, к передаче пространства и объема. К лучшим образцам французского готического декоративного искусства принадлежат мелкая скульптура из слоновой кости, серебряные реликварии, лиможская эмаль, шпалеры и резная мебель.

В Германии расцвет готики относится к середине XIII в. (западный хор собора в Наумбурге). Здесь рано появились зальные церкви (Элизабеткирхе в Марбурге, 1235— 83); на юго-западе сложился тип 1-башенного собора (в Фрайбурге-ин-Брайсгау, Ульме); строились кирпичные церкви (монастырь в Корине, 1275—1334; Мариенкирхе в Любеке), в которых простота планов, объёмов и конструкций сочеталась с узорной кладкой, применением глазурованного и фигурного кирпича. Многообразны по типам, композиции и декору каменные, кирпичные и фахверковые светские постройки: городские ворота, ратуши, цеховые и складские здания, танцевальные залы. Скульптуру соборов (в Бамберге, Магдебурге, Наумбурге) отличают конкретность и монументальность образов, мощная пластичная экспрессия. Поздняя немецкая готика (конец XIV - начало XVI вв.) дала блестящие образцы зальных церквей (Анненкирхе в Аннаберг-Буххольце, 1499 - 1525) и дворцовых залов (Альбрехтсбург в Майсене) со сложными узорами сводов. Достигли расцвета алтарная скульптура и живопись. Готика получила распространение также в Австрии (готическая часть собора св. Стефана в Вене) и Швейцарии (собор в Берне).

Славу нидерландской готике принесли башни соборов в Антверпене и Мехелене, но особенно богато декорированные гражданские постройки: суконные ряды в Ипре, 1200 - 1304, Брюгге; ратуши в Брюсселе, Лёвене.

собор св. Кнуда в Оденсе

В Великобритании предпосылки готики возникли раньше, чем на Европейском континенте, но её развитие, прерывавшееся внутренними историческими потрясениями, было замедленным. Английские соборы, большей частью монастырские, обычно представляют собой невысокий, вытянутый в длину объём с прямоугольным завершением хора и башней над средокрестием. Строгая геометрическая простота объёмов как бы компенсируется богатством и сложностью узоров на фасаде и сводах. По формам декора различают стили: ранний "ланцетовидный" (собор в Солсбери), "украшенный" близкий к "пламенеющей" готике (собор в Эксетере, между 1275—1375) и "перпендикулярный", отличающийся дробным ритмом вертикалей на стенах и окнах и прихотливым плетением нервюр на сводах и потолках (капелла Кингс-колледжа в Кембридже, 1446-1515). С готикой связан расцвет английской книжной миниатюры, резьбы по алебастру и дереву, вышивки. Влияния английской, французской и немецкой кирпичной готики сказались на готическом зодчестве Норвегии (собор в Тронхейме, готические части - 1180 - 1320), Дании (собор св. Кнуда в Оденсе, около 1300 - 15 в.), Швеции (церковь в Вадстене, 1369—1430).

В Испании обширные городские соборы (в Севилье) имели обычно чётко расчлененные декором на ярусы плоскости стен и небольшие окна. Интерьер разделялся надвое за алтарным образом (ре табло) со скульптурой и живописью. На готическую архитектуру Каталонии и Южной Испании оказало влияние мавританское искусство (1-нефный позднеготический собор в Жероне, 1325 - 1607). Крупные сводчатые залы создавались в светских зданиях (биржа в Пальме на о-ве Мальорка, 1426—51). В XVI в. готические конструкции были перенесены в испанские колонии в Америке.

В Италии в XIII - XIV вв. элементы готики включались в романскую по духу архитектуру храмов. Стрельчатые готические своды и декор сочетались со статичностью архитектурных масс, пропорциональной ясностью просторных интерьеров, мраморной полихромной облицовкой фасадов и интерьеров (собор в Сиене, церковь Санта-Мария Новелла во Флоренции). Наиболее ярко готика в Италии проявилась в гражданском строительстве - ратушах (Палаццо Публико в Сиене, Палаццо дель Подеста во Флоренции) и дворцах (Дворец дожей в Венеции). Их суровый (в Сиене, Флоренции) или изящный (в Венеции) декор контрастировал с монолитной кладкой стен. Воздействие венецианской готики сказалось на архитектуре Далмации (Хорватия), Греции, Крита, Кипра. В изобразительном искусстве Италии развитие готики было ограничено ранним сложением культуры Возрождения. Готическим постройкам Восточной Европы нередко присущи крепостные черты, лаконизм и внешняя суровость форм, контрастирующие с нарядным декором окон, башен, порталов. В Венгрии готика распространилась в конце XIII - XV вв. (церковь св. Михаила в Шопроне, замок в Вишеграде). Расцвет чешской готики относится к XIV XV вв. (собор св. Вита и Карлов мост в Праге, зальный храм св. Барбары в Кут-на-Горе, зальные церкви Юж. Чехии). Готика распространилась также в Словакии, Словении, Трансильвании. В Польше готика развивалась в XIII - XV вв. Войны с Тевтонским орденом стимулировали крепостное строительство, а развитие городов способствовало расцвету светской архитектуры (ратуша в Торуни, городские укрепления с барбаканами в Кракове и Варшаве. Ягеллонский университет в Кракове). На юге Польши костёлы строились из камня и кирпича (костёл Девы Марии в Кракове), на севере - из кирпича (костёл Девы Марии в Гданьске). В Латвии переход к готике произошёл в XIII - XIV вв. (Домская церковь в Риге; замок в Цесисе, 13—16 вв.). В южной Эстонии в XIV в. строились кирпичные готические церкви (церковь Яани в Тарту). Готический облик Таллина определился в XIV - XV вв. (Вышгород и бюргерская часть города с ратушей, церковь Олевисте). К XIV - XV вв. относятся раннеготические памятники Литвы (замок в Тракае), в XV - XVI вв. богатый кирпичный декор получают церковь Онос в Вильнюсе и дом Перкуно в Каунасе.

Костёл Девы Марии в Гданьске

В позднеготическую эпоху накопление эмпирических знаний, рост интереса к реальности, к наблюдению и изучению натуры, возросшая роль творческой индивидуальности подготовили почву для ренессансной системы мировосприятия. Этот процесс проявился в XIV - нач. XVI вв. во французской и бургундской миниатюре, в скульптуре (Клаус Слютер) и живописи (Мельхиор Брудерлам и др.) немецкой, чешской. польской декоративной пластике (Пётр Парлерж), в алтарной скульптуре и живописи (мастер Теодорик и др.). В XV - XVI вв. он был ускорен влиянием итальянского Возрождения и нидерландского Возрождения. На протяжении XVI в. готика почти повсеместно сменилась ренессансной культурой.

век готики Готическое искусство эпоха готики архитектура готики готика в архитектуре готический стиль готика средневековья 

При использовании данных материалов ссылка на блог - обязательна. Уважайте труд других!

Барокко

Барокко в переводе с итальянского означает "странный", "причудливый". В конце XVI - середине XVIII в.в. это был самый распространенный стиль в архитектуре Европы. Этот стиль получил свое признание в тот момент, когда в Европе уже интенсивно складывались национальные государства с абсолютной монархией; наиболее популярен был в странах, которые образовались при феодально-католическом развитии. Стиль барокко всей своей пышностью и роскошностью, как бы прославлял и показывал богатство, власть и социальный статус аристократии и церкви. Но ограничивать барокко только рамками аристократии и церкви было бы не правильно, потому что, пусть и косвенно, но все же в этом искусстве нашли свое отражение национально-освободительные и антифеодальные движения народов. Барокко сменило гуманистическую художественную культуру эпохи Возраждения, принеся с собой новое воплощение представлений о многообразии, единстве и безграничности окружающего человека мира. Для искусства барокко характерны пышность, грандиозность  и динамика, интенсивность чувств, патетическая приподнятость, пристрастие к эффектным зрелищам, сильным контрастам масштабов и ритмов, совмещению иллюзорного и реального, материалов и фактур, света и тени.

Большой Екатерининский дворец в Пушкине

Синтезу искусств в барокко, носящему всеобъемлющий характер и затрагивающему практически все слои общества (от государства и аристократии до городских низов и отчасти крестьянства), свойственно поражающее своим размахом, торжественное, пышное монументально-декоративное единство. Весь ансамбль города: улицы, парки, площади, усадьбы стали представляться перед зрителем как целая развивающаяся организованная художественная композиция. Роскошные церкви и дворцы барокко благодаря своей причудливой фасадной пластике, сложным очертаниям плана, игры светотени приобрели пышную динамичность, вливаясь в окружающее пространство. Здания украшались скульптурой, многоцветной лепкой, резьбой; зеркала и росписи интерьера визуально расширяли и увеличивали пространство, живопись потолков и плафонов создавала иллюзию разверзшихся сводов.

В барокко преобладали декоративные композиции мифологического, религиозного  или аллегорического характера, парадные портреты, подчёркивающие привилегированный статус человека. Сочетание идеализации с бурной динамикой образов, неожиданные композиционные и оптические эффекты, религиозная аффектация - с подчёркнутой чувственностью, реальность - с фантазией, а нередко и с острой натуральностью и материальностью форм, граничащей с иллюзорностью.

Антонис ван Дейк

В XVI в. на родине барокко, в Италии, появились первые его признаки в монументальной живописи Корреджо, демократическом бунтарстве творчества Караваджо, скульптуре Джамболоньи, постройках Дж. Виньолы. В творчестве скульптора и архитектора Джованни Лоренцо Бернини, архитектора Франческо Борромини, живописца Пьетро да картоны нашел свое наиболее яркое и полное воплощение стиль барокко. Позднее итальянское барокко перешло к фантастичным постройкам архитектора Гварино Гварини, живописи А. Маньяско и С. Розы, головокружительной лёгкости росписей Джованни Баттиста Тьеполо. Нидерландская живопись Рубенса и его учеников  ван Дейка, Снейдерса, Йорданса, Броувера и Тенирса, рождённая Нидерландской буржуазной революцией 1566-1602, внесла в искусство барокко мощные жизнеутверждающие реалистические и подчас народные начала. В Испании в XVII в. некоторые черты барокко проступали в архитектуре Хуана де Эрреры, в реалистической живописи Франсиско Сурбарана и Хусепы Риберы, скульптуре Монтаньеса. В XVIII в. в архитектуре Чурригеры формы барокко достигали необычайной сложности и декоративной изощрённости, но ещё большей изощренности достигли в странах Латинской Америки в "ультрабарокко". Архитекторы Фишер фон Эрлах и Хильдебрандт и живописец Маульберч - в Австрии, архитекторы и скульпторы Нёйман, Пёппельман, Шлютер, семья архиткторов Динценхофер братья Азам - в Германии и других странах Западной Европы смогли объединить стиль барокко с тенденциями рококо. Во Франции, где ведущим стилем в XVII в. стал классицизм, барокко оставалось до середины века побочным течением, но с полным торжеством абсолютизма оба направления слились в единый помпезный, так называемый, "большой стиль". Понятие "барокко" иногда ошибочно распространяли на всю художественную культуру XVII в., в том числе и на явления, которые были далеки по стилевому содержанию от барокко, например, "московское барокко" или нарышкинское барокко, в русском зодчестве конца XVII в. Во многих странах Европы в XVII в. сложились и яркие национальные реалистические школы, опиравшиеся как на приёмы караваджизма, так и на местные художественные традиции реализма. Они наиболее ярко выразились в неповторимо своеобразном творчестве великих мастеров Диего де Сильва Веласкеса в Испании,  Вермера Делфтского, Халса, Рембрандта ван Рейна в Голландии и др., принципиально отличном, а порой и сознательно противопоставленном художественным концепциям барокко. В России развитие искусства барокко, отразившего рост и укрепление дворянской абсолютной монархии, приходится на первую половину XVIII в. Стиль барокко в России был свободен от экзальтации и мистицизма, что характерно для искусства католических стран и обладал рядом национальных особенностей. Русская архитектура барокко, достигшая величественного размаха в городских и усадебных ансамблях Петербурга, Петергофа, Царского Села и др., отличается торжественной ясностью и цельностью композиции зданий и архитектурных комплексов архитекторов Земцова, Растрелли, Ухтомского и Чевакинского. Эпоха барокко отмечена повсеместно подъёмом монументальной живописи и декоративно-прикладного искусства, тесно взаимосвязанных с архитектурой. В первой половине XVIII в. барокко эволюционирует к грациозной лёгкости стиля рококо, сосуществует и переплетается с ним, а с 1770-х гг. повсеместно вытесняется классицизмом.

При использовании данных материалов ссылка на блог - обязательна. Уважайте труд других!