Ионический ордер

Ионический ордер

Ионический ордер является одним из трех древнегреческих архитектурных ордеров, возникший в Ионии на северо-западном побережье Малой Азии у Эгейского моря. В V в. до н. э. получил широкое распространение на территории Древней Греции. 

От предшествующего дорического ордера отличается декором всех частей и легкостью пропорций.

Построенный архитектором Роикосом в 570 - 560 годах до н. э. храм Геры в Самосе считается первым из больших храмов ионического ордера, который вскоре был разрушен землетрясением. А самым выразительным представителем этого ордера стал храм Артемиды Эфесской, которыый попал в число "Семь чудес света".

Ионический ордер бывает двух вариантов: малоазийский - является основным и без фриза, аттический - появился позже и просто как модификация малоазийского ионического ордера.

Колонна ионического ордера отличается от дорического тем, чтоделится на три части: ствол, основание, капитель. База опирается на квадратный плинт (плита). Выпуклые полувалы или торусы базы, украшались орнаментальной порезкой или горизонтальными желобками,  похожими на каннелюры. Скоции (вогнутые элементы) обычно оставляли гладкими.

Ионическая капитель

Ионическая капитель отличается от дорической волютами. Волюты представляют из себя спиральные сдвоенные  орнаменты, которые вылепливаются на эхине по боковым сторонам капители и соединенны между собой валами, называемыми балюстры. Изначально волюты лепили в одной плоскости, а затем стали в четырёх плоскостях. Эта особенность ионического ордера сделала его устойчивым к критическим взглядам, высказывавшемся в IV веке до н. э., чем дорический ордер. Эхин в ионическом ордере находился под подушкой между волютами, как бы выглядывая из под них. Эхин и абака как правило украшались роскошной порезкой, более мелкой у абаки и крупной, в виде иоников, у эхина; они называются овы и представляют собой орнамент из яйцеобразных элементов, чередующихся обычно с стрелками и  листьями.

После непродолжительного экспериментирования с каннелюрами, их количество на стержне колонны было установлено в 24 шт. Такая стандартизация позволила сохранить пропорцию каннелюры по отношению к диаметру колонны не зависимо от масштаба, даже при завышенной высоты колонны. Каннелюры представляли собой половину окружности или эллипса, причем борозды разделялись между собой полосками цилиндрической образующей ствола, то есть дорожками. Расстояние между каннелюрами, в отличие от римской архитектуры, было очень маленьким, в результате чего они легко повреждались. Благодаря более глубоким бороздам и выраженным граням дорожек, ионический ордер выделялся своей игрой светотени, в отличие от дорического ордера.

Ионическая колонна всегда более стройна, чем дорическая: её высота в период архаики равнялась восьми диаметрам (1:8), а позднее превышала девять диаметров (1:9). Утончение ствола кверху также было меньше, чем например в дорическом ордере. Греческие зодчие расставляли колонны очень широко, стремясь таким образом к получению ощущения легкости и изящества.

В малоазийском ионическом ордере база почти не расширяется к низу, она отличается сложностью своей прорисовки. Её основу составляют две части: основание, близкое по форме к цилиндру, и торус. Иногда к ним добавлялось ещё одно основание базы, кроме плинта, которое состояло из трех элементов в виде двойного валика каждый, разделявшихся двумя скоциями. Такая база встречается чаще всего.

Антаблемент такой разновидности ионического ордера состоит из двух частей: архитрава и карниза. Архитрав зрительно выглядит легче дорического, за счет того, что небольшие горизонтальные уступы разделяют его на три гладкие, нависающие друг над другом полосы -фасции. Между архитравом и карнизом располагается пояс «сухариков». Венчающая часть -сима — украшалась очень богатой орнаментальной прорисовкой. Кровля малоазийского варианта чаще всего была плоской, что соответствовало основным архитектурно-строительным традициям региона.

Возникновение аттического ионического ордера было связано со строительством важнейших сооружений греческой культуры, например, ансамбля афинского Акрополя. Сильное влияние на процесс становления аттического ионического ордера оказал опыт традиций работы зодчих Аттики.

Аттическая база расширяется книзу, обозначая тем самым передачу давления от колонны на основание. База состоит из двух торусов, разделенных скоцией, причем именно форма скоции определяет расширение базы. Плинт в базе не считается обязательным элементом. Антаблемент состоит не из двух частей, как в малоазийском варианте, а из трех, как в дорическом ордере. Отличие аттического антаблемента заключается в том что фриз не разделён на триглифы и метопы, а огибает здание сплошной неразделённой полосой, гладкой или украшенной скульптурным рельефом.

Колонны аттического ионического ордера в целом не отличаются от малоазийского варианта. В небольших храмах существуют портики в которых колонны заменены статуями девушек. Но это лишь подвид аттических колонн. Кровля по своему устройству не отличается от дорического ордера.

Искусство Англии XVIII в.

Упоминание о первом знаменитом английском художнике уходит в далекий XVIII в. и касается оно Уильяма Хогарта  (1697 - 1764 г.г.) - блестящего портретиста, иллюстратора, автора острых сатирических гравюр.  Удивительно, что величественная Англия, опережавшая в своем развитии всю Европу, славилась выдающимися изобретателями, учеными и писателями, но была обделена яркими представителями изобразительного искусства вплоть доXVIII в.

Автопортрет Уильяма Хогарта. 1745

Уильям Хогарт вошел в историю не только английского, а и мирового искусства. Именно он и его творчество стали сильным связующим звеном между изобразительным искусством, театром и литературой. Его друзьями были писатели Свифт и Филдинг, а также знаменитые актеры того времени Дэвид Гаррик и Эдмунд Кин. 

Уильям Хогарт. Дэвид Гаррик в роли Ричарда III. 1745

С раннего детства имеющий способности к рисованию и блестящую память на детали, но не имея средств на образование, Хогарт, так и не доучившись в начальной школе, стал помощником у гравера по серебру. Там он познакомился с азами работы с металлом и открыл для себя стиль рококо. Позже, став единственным кормильцем в семье, художник занялся изготовлением мелких изделий - гербов и визиток. Разумеется, такая работа не доставляла удовольствия. Желая быть частью высокого искусства, он начал посещать уроки живописи в частной художественной академии Лондона, параллельно занимаясь самообразованием. 

В 1720 г. Хогарт открыл небольшую граверную мастерскую. Чуть позже, бросив академию, посещал школу живописи и рисунка, овладел искусством книжной иллюстрации.

Его серии картин "Карьера мота" (1732 - 1735 г.г., Музей Соуна, Лондон), "Модный брак" (1743 - 1745 г.г., Национальная галерея, Лондон) повествуют о судьбе и приключениях героев с блестящим юмором и поразительной проницательностью. К своему искусству Хогарт относился ответственно, вкладывая в свои творения глубокий смысл, конечной целью видя воспитание нравственности человека посредством искусства, и искоренение человеческих пороков тем же способом. Чтобы как можно больше людей ознакомились с его картинами, художник делал с них гравюры, которые были интереснее тех самых картин и раскупались еще быстрее. 

Серия картин Уильяма Хогарта "Карьера мота":

Сцена первая. Вступление в наследство

Сцена вторая. В богемном окружении

Сцена третья. В таверне

Сцена четвертая. Остановка из-за долгов

Сцена пятая. Женитьба на старой деве

Сцена шестая. В игорном доме

Сцена седьмая. В тюрьме

Сцена восьмая. В сумасшедшем доме

Серия картин Уильяма Хогарта "модный брак":

Сцена первая. Брачный контракт

Сцена вторая. Вскоре после свадьбы

Сцена третья. Визит к шарлатану

Сцена четвертая. Будуар графини

Сцена пятая. Дуэль и смерть графа

Сцена шестая. Смерть графини

Всю жизнь занимаясь написанием портретов, Хогарт блестяще и совершенно точно научился передавать характер человека. Это умение принесло художнику успех. Одна из его картин - "Девушка с креветками" (после 1750 г., Национальная галерея, Лондон) прославила его как одного из лучших портретистов мира, правда уже много позже. Художник с легкостью передал на полотне молодость, веселое настроение, восторг и радость, переходящие на зрителя заразительное веселье и задор девушки.

Уильям Хогарт. Девушка с креветками. после 1750

По праву портрет считался излюбленным жанром живописи в Англии. Не случайно до XVIII в. в Англию приглашались знаменитые портретисты - Ганс Гольбейн Младший и ван Дейк. А потом искусство портрета в Англии развилось до такого уровня, что именно английские художники стали получать приглашения в друге страны. Лучшая пора портрета связана с именами художников Джошуа Рейнольдса (1723 - 1792 г.г.) и Томаса Гейнеборо (1727 - 1788 г.г.). Будучи соперниками, оба творца сделали неоценимый вклад в искусство Англии.

Любимым персонажем портретов Рейнольдса, первого президента Королевской академии искусств, прирожденного лидера и блестящего оратора, был человек с сильным характером, пульсирующий активностью. Ему позировали политические деятели, знаменитые актеры, писатели и военачальники. Не удивительно, что в полотнах Рейнольдса преобладают тона красного и золотого. Объемы прорисованы уверенно и плотно. Все это отражает решительность и твердость характеров героев его картин.

Картины Гейнсборо, любителя музыки, напротив, наполнены утонченной поэтичностью. Художник, тонко чувствующий связь природы с человеком, обыгрывает образы в жемчужно-серых и серебристо-голубых тонах. Герои его картин - нежные, мечтательные и  утонченные личности. На первый план выходит состояние человека, его ощущения. Гейнсборо преуспел в написании портретов женщин и детей. Так, его картина "Голубой мальчик" (ок. 1770 г., галерея Хантингтон, Сан-Марино, США) может соперничать с портретами ван Дейка. Кажется, техника написания Гейнсборо пропитана музыкальной гармонией и еле уловимым волшебством.

Томас Гейнсборо. Голубой мальчик

Таким образом, золотой век английской живописи тесно связан с именами Хогарта, Рейнольдса и Гейнсборо, давшим жизнь живописи Англии и подарившими расцвет портретному искусству.

При использовании данных материалов ссылка на блог - обязательна. Уважайте труд других!

Английский театр эпохи Возрождения

Уильям  Шекспир

Формирование и становление английского театра происходило под влиянием творчества выдающегося английского поэта Уильяма Шекспира (1564 - 1616 г.г.). Творчество Шекспира является результатом всего предшествующего развития драматического искусства, кульминацией театрального стихотворного искусства мира, и дает перспективу дальнейшему развитию искусству театра. 

В раннем периоде своего творческого пути Шекспир в значительной мере  преуспел в написании светлых радостных комедий, а также исторических хроник. Наиболее известные плоды довольно жизнерадостного этапа творчества - романтические комедии "Сон в летнюю ночь", "Венецианский купец", "Много шума из нечего", "Как вам это понравится", "Двенадцатая ночь". 

Затем настал период трагедий, вызванный во многом историческими событиями, резко обнажившими противоречивость мира. На смену гуманистически идеальному образу человека, царившего в произведениях Шекспира, пришел новый герой - властолюбивый собственник, эгоистичный и корыстолюбивый.

Шекспировские самоотверженно бросали вызов и вступали в борьбу с всесильными противниками. Недостатки и роковые ошибки героев, ломающие их судьбы и судьбы их любимых, изображенных в известных на весь мир трагедиях "Гамлет", "Отелло", "Король Лир", "Макбет", даже своей гибелью отстаивали и защищали идеи гуманизма, его идеалы, утверждая веру в человека в его светлое будущее. Критики считают этот период пиковым в творчестве Шекспира. 

Неудивительно, что будучи блестящим драматургом, Уильям Шекспир руководил театром. Театр "Глобус" был построен в 1599 году за чертой Лондона на южном берегу Темзы, так как власти были против зрелищ в городе. 

На верхушке здания располагалась небольшая вышка, на которой во время спектакля гордо развевался флаг.

Представление показывали под открытым небом -  простые люди стояли перед сценой, богатые же располагались поудобнее на рядах, тремя ярусами тянувшимися вдоль округлых стены театра. Сцена была разделена на три части: переднюю - просценариум, заднюю, накрытую соломенным навесом и отделенную двумя боковыми колоннами, на которых была расположена верхняя сцена - балкон. Саму сцену украшали коврами, а сверху вешали полотнище подходящего по случаю цвета: в комедиях - голубое, в трагедиях - черное. Деталями четко обозначалось место действия пьесы, например, наличие на сцене трона указывало на то, что действие разворачивается во дворце, а появление на сцене деревьев - что переносится в лес. Считается, что  Шекспировский театр был довольно вместительный - около 3000 зрительских мест.

Ричард Бербедж

Состав труппы был достаточно мал - от 8 до 12 человек, поэтому каждый актер исполнял три, а то и больше ролей за один спектакль. Женские роли приходилось играть миловидным юношам. Комедийными ролями прославились такие актеры как Ричард Тарлтон, который был любимым комиком Елизаветы I, и его преемник Уильям Кэмп. Знаменитыми трагическими актерами того времени были Эдуард Аллейн, особо полюбившийся зрителю в пьесах К. Марло, и Ричард Бербедж, друг и соратник Шекспира, блестяще исполнявший роли - Гамлета, Отелло, Лира, Ромео и Макбета.

Стоит отметить, что театр Шекспира был построен на деньги труппы актеров, участником которой был и сам Шекспир. Строительство театра велось с использованием конструкций из дерева на месте более раннего театра, называвшегося довольно незамысловато - "Театр". В 1613 году во время показа спектакля «Генрих VIII» театр "Глобус" сгорел. Но и на этом драматические события, связанные с театром не закончились. Отстроили театр после пожара в 1614 году, а в 1642, когда в Англии во всю уже набирала обороты буржуазная революция, "Глобус" был закрыт английскими протестантами (пуританами), а через два года и вовсе снесен. Тогда, в 1642 г. все театральные представления были под запретом специального указа парламента. Вновь возобновились массовые зрелища уже в 1660 г. после возрождения английской монархии. 

Открытие нового "Шекспировского театра "Глобус", состоялось уже в наше время, в 1995 году. Нынешний театр построен в 205 м. от его начального местоположения. Заслуживает внимания тот факт, что в современном "Глобусе" строители и архитекторы постарались сохранить дух того времени и воссоздать первоначальный вид театра: сцена, закрытая крышей, выступает в огромный груглый двор. Вокруг сцены - стоячие места для зрителей. Круглый двор окружен тремя наклоненными ярусами с сидячими местами. 

При использовании данных материалов ссылка на блог - обязательна. Уважайте труд других!

Испанский театр эпохи Возрождения

Испанцы первыми достигли высот драматической поэзии.

Первоначально театры в Испании создавались в гостиничных дворах, там, где сходились задние фасады нескольких домов - корралях. Окна служили ложами, а перед сценой размещалось несколько рядов скамей для знати; простые зрители толпились во дворе. Сценическая площадка была широкой. Посередине сцены висел занавес, разделяющий  ее на передний план и задний план. Балкон в зависимости от сюжета пьесы служил и башней, и окном, и горным уступом.

Открывался спектакль пением под аккомпанимент гитары, после чего произносился пролог. Затем разыгрывалась сама комедия. В антракте показывали небольшие танцевальные номера, пьесы, преимущественно комического характера, именуемые интермедиями, а также маленькие пьески в стихах с музыкой и плясками с двумя или тремя действующими лицами - сайнеты. Завершался спектакль танцевальным представлением с масками, песнями и шутками, в которые вовлекали и зрителей, - мохигангой.

Героями испанского театра бали люди сильные духом, с твердыми убеждениями, не допускающими поступков из корысти. Неудивительно, что в испанском драматическом искусстве власть королей, не следующих законам чести, осуждалась как форма деспотизма. 

Лопе де Руэда

Начало национальной истории испанского театра положил Лопе де Руэда (ок. 1510 г. - ок. 1565 г.), мастер комедии, бравший сюжеты для своих пьес прямо из жизни. Он был не только драматургом, но и блестящим актером, мастерски исполнявшим в одном спектакле несколько ролей, а также директором труппы, ставившей его пьесы в Севилье.

Свое творчество Лопе де Руэда в основном ориентировал на простых людей. Чтобы позабавить публику, в его пьесах всегда присутствуют острословные шуты и добродушные простаки. Именно Лопе де Руэда приписывают разделение пьес на акты.

Мигель де Сервантес
 Сааведра

Еще один выдающийся драматург того времени - всемирно известный Мигель де Сервантес Сааведра (1547 - 1616 г.г.), автор всемирно известного романа «Хитроумный идальго Дон Кихот Ламанчский». Свою литературную деятельность автор начал довольно поздно - в 38 лет. Всю свою жизнь Сервантес не прекращал писательской деятельности. Результатом его творчества стали остроумные интермедии, трагедийные пьесы, а также пьесы, воспевающие дух народного героизма и свободолюбия.

Лопе де Вега Карпио

Главенствующая роль в судьбе испанского театра принадлежит Лопе де Вега Карпио (1562 - 1635 г.г.). При нем испанский театр вышел на первое место среди европейских сцен конца XVI в. Сюжет его пьес выстроен таким образом, что событие, врывающееся в поток явлений,  нарушает спокойный ход действия, накаливая напряжение драматических переживаний до предела, выводя этот эмоциональный поток к осознанию строгой католической морали.

Педро Кальдерона
 де ла Барка

Лопе де Вега написал более 2000 пьес, из которых сохранились около 500. Его произведения - истинные "драмы чести", отстаивающие высокие идеи гуманизма и порицающие деспотизм и своеволие власть имущих. Лучшая его пьеса о крестьянской жизни - "Овечий источник", повествующая о восстании крестьян против феодала. Сюжет его поэтичных комедий о любви, так называемых комедий плаща и шпаги, полон запутанных обстоятельств и комичных хитростей героев. В этих комедиях утверждались главные идеи гуманизма: ценность человека в его личных достоинствах, в его уме и воле, силе духа и чистоте мотивов, а не в богатстве, власти и знатности рода.

Имя писателя Педро Кальдерона де ла Барка (1600 - 1681 г.г.) связано с завершающим и кризисным этапом "золотого века" испанского театра. В трагедиях, наполненных философским смыслом, также звучала вера в то, что человек и нравственность не разделимы, в то, что сила духа сможет побороть эгоизм и малодушие, в то, что человек способен жертвовать собой во имя высоких моральных идеалов и патриотических целей.

театр испании, испанский театр возрождения Лопе Лопе де вега овечий источник, золотой век испанского театра Кальдерона коррали интермедии мохиганг испанский театр в эпоху возрождения

При использовании данных материалов ссылка на блог - обязательна. Уважайте труд других!

Итальянский театр эпохи Возраждения

Итальянский театр эпохи Возрождения берет свое начало из народного искусства и тесно связан с философией гуманизма, зародившегося во время смены главенствующего класса феодалов новым классом - буржуазией. Люди, называвшие себя гуманистами, в центре своего внимания ставили человека, считая его высшей ценностью, тем самым поощряя всестороннее развитие его способностей.

Герои комедии дель арте: Бригелла, Панталоне, Доктор, Арлекино

Новизна, жизнерадостность и оптимистичность нового мировоззрения нашла свое отражение в шумных народных гуляньях. В Италии появились мастера импровизаций и лицедейства, поражавшие своими талантами и ловкими перевоплощениями на карнавалах, маскарадах и пиршествах. В Венеции полюбились изобретательные персонажи-маски:Бригелла,Арлекино, Панталоне и Доктор. Именно в то время родились маски персонажей первого европейского профессионального театра - комедии дель арте. Другое название этого итальянского народного театра - комедия масок. Каждое выступление - это импровизация актеров, одетых в маски, на основе сценария с краткой сюжетной линией. Слава о комедии масок, гремевшая по всей Европе, не миновала и далекую Россию.

Именно в спектаклях комедии дель арте берут свое начало законы театрального искусства. Уже тогда было зафиксировано, что главной особенностью сценического искусства является живое, ни на минуту не прекращающееся действие, а театральное искусство создается коллективно, т. е. посредством работы ансамбля.

В то же время в Италии существовал любительский гуманистический театр. Его аудитория - ученые и аристократия.

В XVI в. формируется такой жанр итальянской драматургии театра эпохи Возрождения как "ученая" комедия. Название говорит само за себя, что авторами таких комедий были люди с образованием. Наряду с веселыми и сатерическими "учеными" комедиями здесь перед зрителями разыгрывали потрясающие ужасами кровавые трагедии, а также поэтичные изящные пасторали с идеализированно изображенными придворными нравами под видом сцен из размеренной жизни пастухов.

Несомненно итальянская "ученая" комедия берет истоки у древнеримской комедии. Наиболее известные авторы этого жанра - Никколо Макиавелли, Пьетро Аретино, Джордано Бруно и другие.

Театр "Олимпико"

Стоит отметить, что именно в Италии эпохи Ренессанса архитекторы первыми в Европе стали строить театральные здания. Театр "Олимпико" - шедевральное творение архитектора Андреа Палладио, построенное в Виченце в конце XVI в., и сохранившееся до наших дней. Этот театр послужил прообразом для театров всего мира.

Архитектор Себастьяно Серлио разделил сцену на две части - переднюю, где играли актеры, и заднюю - для декораций. Каждому драматичекому стилю - свое декоративное оформление: трагедии - дворцовая площадь, комедии - улица города, для изображения мирной сельской жизни - поляна или лес. 

При использовании данных материалов ссылка на блог - обязательна. Уважайте труд других!

Театр в средневековой европе

В средневековой Европе большую популярность снискали гистрионы - народные актеры, бродившие по городам и собирающие на площадях и в рыцарских замках толпы народа. Это не были мастера одного искусства: они и рассказывали небылицы и истории, и пели, и играли на разнообразных инструментах, и жонглировали, и выполняли акробатические номера, разыгрывали смешные сценки, и даже выступали с дрессированными животными. Часто в своих выступлениях гистрионы потешались над теми, кто подавлял простых людей, чем вызвали недовольство и гонение со стороны церкви и феодалов.

Тщетно пытаясь запретить деятельность гистрионов и подавить интерес народа к их искусству, церковнослужители нашли способ заставить театр служить религиозным целям. Так, церковные службы стали сопровождаться сценками из жизни Христа и святых, которые разыгрывали переодетые священники. Примечательно, что для исполнения ролей обитателей ада привлекали лиц не духовного звания.

Так появилось главное направление в театральном искусстве средневековой Европы - церковный театр.

Жан Фуке. «Мученичество св. Аполлонии»

С начала IX в. во время общественного богослужения стали разыгрывать литургические драмы. Это были представления, показывающие самые драматические события из священного писания. В XIII в. их разыгрывали прямо перед храмом уже для гораздо большего числа людей. Эти представления получили название полулитургическая драма.

Во второй половине XIII в. возник еще один из жанров театрального искусства средневековой Европы, связанного с религией - мистерия. Как и в литургической драме, сюжет мистерии обычно брался из священного писания и дополнялся  комическими сценками.  Такие представления ставили не духовные служители, а рабочие люди. Следует отметить, что женские роли исполняли именно женщины, а не мужчины, как, например, в античном театре. Стоит ли говорить, что это зрелище было важным событием в жизни города. Люди начинали собираться, как только на площади появлялись первые декорации. Представления были очень правдоподомными и эффектными. Нередко зрители чувствовали себя участниками действа. Порой мистерия могла длиться от нескольких дней до нескольких недель.

Сюжет представления был весьма разнообразным: акробатические номера сменялись различными бытовыми комическими сценками, в которых угадывались народные обычаи и обряды. Такие сценки назвали "начинкой" мистерий или фаршем. Считается, что отсюда возникло слово фарс, которым позднее назвали отдельную форму спектакля средневекового театрального искусства.

Обретя независимость, именно фарс стал главным театральным событием в XVI в. Поистине, его можно считать самым демократичным стилем театра средневековой Европы: актеры показывали реальные картины быта и уклада своего времени.  Вместе с тем, каждая сценка была наполнена жизнерадостностью и не лишена юмора и сарказма. Наиболее успешным представлением в этом стиле был "Фарс об адвокате Пьере Патлене". Фарс был настолько популярным, что появились еще две его части, сложившиеся в трилогию об адвокате Патлене.

В XV и XVI вв. появился особый вид театрального искусства - моралите, главной темой которого были человеческие достоинства и пороки: любовь и ненависть, щедрость и скупость, великодушие и трусость. Эти произведения имеют явно выраженный аллегорический характер. Не трудно догадаться, что первоначальная цель моралите нравоучительная.

Таким образом, все вышеперечисленных формы средневекового театра оказали влияние на процесс формирования европейского театра.

При использовании данных материалов ссылка на блог - обязательна. Уважайте труд других!

Готика

Готический стиль стал завершающим этапом в развитии средневекового искусства стран Западной, Центральной и частично Восточной Европы. Термин "готика" введён в эпоху Возрождения как уничижительное обозначение всего средневекового искусства, считавшегося «варварским». С начала XIX в., когда для искусства X - XII вв. был принят термин романский стиль, были ограничены хронологические рамки готики, в ней выделили раннюю, зрелую (высокую) и позднюю фазы. Готика развивалась в странах, где господствовала католическая церковь, и под её эгидой феодально-церковные основы сохранялись в идеологии и культуре эпохи готики. Готическое искусство оставалось преимущественно культовым по назначению и религиозным по тематике: оно было соотнесено с вечностью, с «высшими» иррациональными силами. Для готики, характерны символико-аллегоричный тип мышления и условность художественного языка. От романского стиля готика унаследовала главенство архитектуры в системе искусств и традиционные типы зданий. Особое место в искусстве готики занимал собор - высший образец синтеза архитектуры, скульптуры и живописи (преим. витражей). Несоизмеримое с человеком пространство собора, вертикализм его башен и сводов, подчинение скульптуры динамичным архитурным ритмам, многоцветное сияние витражей оказывали сильное эмоциональное воздействие на верующих. 

Церковь Элизабеткирхе в Марбурге

Развитие искусства готики отражало и кардинальные изменения в структуре средневекового общества: начало формирования централизованных государств, рост и укрепление городов, выдвижение светских сил - городских, торговых и ремесленных, а также придворно-рыцарских кругов. По мере развития общественного сознания, ремесла и техники ослабевали устои средневекового религиозно-догматического мировоззрения, расширялись возможности познания и эстетического осмысления реального мира; складывались новые архитектурные типы и тектонические системы. Интенсивно развивались градостроительство и гражданская архитектура. Городские архитектурные ансамбли включали культовые и светские здания, укрепления, мосты, колодцы. Главная городская площадь часто обстраивалась домами с аркадами, торговыми и складскими помещениями в нижних этажах. От площади расходились главные улицы; узкие фасады 2-, реже 3-этажных домов с высокими, фронтонами выстраивались вдоль улиц и набережных. Города окружались мощными стенами с богато украшенными проездными башнями. Замки королей и феодалов постепенно превращались в сложные комплексы крепостных, дворцовых и культовых сооружений. Обычно в центре города, господствуя над его застройкой, находился замок или собор, становившийся средоточием городской жизни. В нём наряду с богослужением устраивались богословские диспуты, разыгрывались мистерии, происходили собрания горожан. Собор мыслился своего рода сводом знания, символом Вселенной, а его художественный строй, сочетавший торжественное величие со страстной динамикой, изобилие пластических мотивов со строгой иерархичной системой их соподчинения, выражал не только идеи средневековой общественной иерархии и власти божественных сил над человеком, но и растущее самосознание горожан, творческое величие усилий человеческого коллектива.

Готика зародилась в Северной Франции в середине XII в. и достигла расцвета в 1-й половине XIII в. Каменные готические соборы получили во Франции свою классическую форму. Как правило, это 3-5-нефные базилики с поперечным нефом - трансептом и полу круговым обходом хора - "деамбулаторием", к которому примыкают радиальные капеллы - "венец капелл". Их высокий и просторный интерьер озарен цветным мерцанием витражей. Впечатление неудержимого движения ввысь и к алтарю создается рядами стройных столбов, мощным взлётом остроконечных стрельчатых арок, убыстренным ритмом аркад верхней галереи - трифория. Благодаря контрасту высокого главного и полутёмных боковых нефов возникает живописное богатство аспектов, ощущение беспредельности пространства. Конструктивная основа собора — каркас из столбов (в зрелой готике — пучка колонн) и опирающихся на них стрельчатых арок. Структура здания складывается из прямоугольных ячеек - травей, ограниченных 4 столбами и 4 арками, которые вместе с арками-нервюрами образуют остов крестового свода, заполненного облегчёнными небольшими сводами - распалубками. Боковой распор свода главного нефа передаётся с помощью опорных арок - арк­бутанов на наружные столбы - контрфорсы. Освобождённые от нагрузки стены в промежутках между столбами прорезаются арочными окнами. Нейтрализация распора свода за счёт вынесения наружу основных конструктивных элементов позволила создать ощущение лёгкости и пространственной свободы интерьера. 2-башенные западные фасады французских соборов с 3-мя "перспективными" порталами и узорным круглым окном ("розой") в центре сочетают устремление ввысь с ясной уравновешенностью членения. На фасадах варьируются стрельчатые арки и богатые архитектурно-пластические и декоративные детали - узорные вимперги, фиалы, краб6ы и т. д. Статуи на консолях перед колонками порталов и в их верхней арочной галерее, рельефы на цоколях и в тимпанах порталов, а также на капителях колонн образуют цельную сюжетную систему, в которую входят персонажи и эпизоды Священного писания, аллегорические образы. Лучшие произведения готической пластики - статуи фасадов соборов в Шартре, Реймсе, Амьене, Страсбуре проникнуты одухотворённой красотой, искренностью и благородством чувств. Декор ритмически организован и строго подчинён архитектурным членением фасада, что обусловило стройную тектонику и пропорции статуй, торжественность их поз и жестов. Другие части храмов также украшались рельефами, статуями, растительным орнаментом, изображениями фантастических животных; характерно обилие в декоре светских мотивов. Разнообразна и тематика витражей, в гамме которых преобладали красные, синие и жёлтые тона.

часовня Сент-Шапель в Париже

Сложившаяся готическая каркасная система появилась в церкви аббатства Сен-Дени в 1137 - 44. К ранней готике относятся также соборы в Лане, Париже, Шартре. Богатством ритма, совершенством архитектурной композиции и скульптурного декора отличаются грандиозные соборы зрелой готики в Реймсе и Амьене, а также часовня Сент-Шапель в Париже (1243-48) с многочисленными витражами. С середины XIII в. величественные соборы строились в древних европейских странах - в Германии (Кельн), Нидерландах (Утрехт), Испании (Бургос), Великобритании (Вестминстерское аббатство в Лондоне), Швеции (Упсал), Чехии (хор и трансепт собора св. Вита в Праге), где готические строительные приёмы получили своеобразную местную интерпретацию. Крестоносцы донесли принципы готики до Родоса, Кипра и Сирии.

В конце XIII - начале XIV вв. строительство соборов во Франции переживало кризис: архитектурные формы стали суше, декор обильнее, статуи получили одинаковый подчёркнутый S-образный изгиб и черты куртуазности. С XIV в. большое значение приобрели городские и монастырские зальные церкви, замковые и дворцовые капеллы. Для поздней "пламенеющей" готики характерен прихотливый, напоминающий языки пламени узор оконных проемов церкви Сен-Маклу в Руане. В светском городском зодчестве использовались главным образом композиции и декоративные приёмы готики. На главной площади городов строились ратуши с обильным декором, нередко с башней (ратуша в Сен-Кантене, 1351-1509). Замки превращались в величественные дворцы с богатым внутренним убранством (комплекс папского дворца в Авиньоне), строились особняки богатых горожан.

В поздней готике получили распространение скульптурные алтари в интерьерах, объединяющие деревянную раскрашенную и позолоченную скульптуру и темперную живопись на деревянных досках. Сложился новый эмоциональный строй образов, отличающийся драматичной экспрессией, особенно в сценах страданий Христа и святых, переданных с беспощадной правдивостью. Появились росписи на светские сюжеты (в папском дворце в Авиньоне, 14—15 вв.). В миниатюрах наметилось стремление к одухотворённой человечности образов, к передаче пространства и объема. К лучшим образцам французского готического декоративного искусства принадлежат мелкая скульптура из слоновой кости, серебряные реликварии, лиможская эмаль, шпалеры и резная мебель.

В Германии расцвет готики относится к середине XIII в. (западный хор собора в Наумбурге). Здесь рано появились зальные церкви (Элизабеткирхе в Марбурге, 1235— 83); на юго-западе сложился тип 1-башенного собора (в Фрайбурге-ин-Брайсгау, Ульме); строились кирпичные церкви (монастырь в Корине, 1275—1334; Мариенкирхе в Любеке), в которых простота планов, объёмов и конструкций сочеталась с узорной кладкой, применением глазурованного и фигурного кирпича. Многообразны по типам, композиции и декору каменные, кирпичные и фахверковые светские постройки: городские ворота, ратуши, цеховые и складские здания, танцевальные залы. Скульптуру соборов (в Бамберге, Магдебурге, Наумбурге) отличают конкретность и монументальность образов, мощная пластичная экспрессия. Поздняя немецкая готика (конец XIV - начало XVI вв.) дала блестящие образцы зальных церквей (Анненкирхе в Аннаберг-Буххольце, 1499 - 1525) и дворцовых залов (Альбрехтсбург в Майсене) со сложными узорами сводов. Достигли расцвета алтарная скульптура и живопись. Готика получила распространение также в Австрии (готическая часть собора св. Стефана в Вене) и Швейцарии (собор в Берне).

Славу нидерландской готике принесли башни соборов в Антверпене и Мехелене, но особенно богато декорированные гражданские постройки: суконные ряды в Ипре, 1200 - 1304, Брюгге; ратуши в Брюсселе, Лёвене.

собор св. Кнуда в Оденсе

В Великобритании предпосылки готики возникли раньше, чем на Европейском континенте, но её развитие, прерывавшееся внутренними историческими потрясениями, было замедленным. Английские соборы, большей частью монастырские, обычно представляют собой невысокий, вытянутый в длину объём с прямоугольным завершением хора и башней над средокрестием. Строгая геометрическая простота объёмов как бы компенсируется богатством и сложностью узоров на фасаде и сводах. По формам декора различают стили: ранний "ланцетовидный" (собор в Солсбери), "украшенный" близкий к "пламенеющей" готике (собор в Эксетере, между 1275—1375) и "перпендикулярный", отличающийся дробным ритмом вертикалей на стенах и окнах и прихотливым плетением нервюр на сводах и потолках (капелла Кингс-колледжа в Кембридже, 1446-1515). С готикой связан расцвет английской книжной миниатюры, резьбы по алебастру и дереву, вышивки. Влияния английской, французской и немецкой кирпичной готики сказались на готическом зодчестве Норвегии (собор в Тронхейме, готические части - 1180 - 1320), Дании (собор св. Кнуда в Оденсе, около 1300 - 15 в.), Швеции (церковь в Вадстене, 1369—1430).

В Испании обширные городские соборы (в Севилье) имели обычно чётко расчлененные декором на ярусы плоскости стен и небольшие окна. Интерьер разделялся надвое за алтарным образом (ре табло) со скульптурой и живописью. На готическую архитектуру Каталонии и Южной Испании оказало влияние мавританское искусство (1-нефный позднеготический собор в Жероне, 1325 - 1607). Крупные сводчатые залы создавались в светских зданиях (биржа в Пальме на о-ве Мальорка, 1426—51). В XVI в. готические конструкции были перенесены в испанские колонии в Америке.

В Италии в XIII - XIV вв. элементы готики включались в романскую по духу архитектуру храмов. Стрельчатые готические своды и декор сочетались со статичностью архитектурных масс, пропорциональной ясностью просторных интерьеров, мраморной полихромной облицовкой фасадов и интерьеров (собор в Сиене, церковь Санта-Мария Новелла во Флоренции). Наиболее ярко готика в Италии проявилась в гражданском строительстве - ратушах (Палаццо Публико в Сиене, Палаццо дель Подеста во Флоренции) и дворцах (Дворец дожей в Венеции). Их суровый (в Сиене, Флоренции) или изящный (в Венеции) декор контрастировал с монолитной кладкой стен. Воздействие венецианской готики сказалось на архитектуре Далмации (Хорватия), Греции, Крита, Кипра. В изобразительном искусстве Италии развитие готики было ограничено ранним сложением культуры Возрождения. Готическим постройкам Восточной Европы нередко присущи крепостные черты, лаконизм и внешняя суровость форм, контрастирующие с нарядным декором окон, башен, порталов. В Венгрии готика распространилась в конце XIII - XV вв. (церковь св. Михаила в Шопроне, замок в Вишеграде). Расцвет чешской готики относится к XIV XV вв. (собор св. Вита и Карлов мост в Праге, зальный храм св. Барбары в Кут-на-Горе, зальные церкви Юж. Чехии). Готика распространилась также в Словакии, Словении, Трансильвании. В Польше готика развивалась в XIII - XV вв. Войны с Тевтонским орденом стимулировали крепостное строительство, а развитие городов способствовало расцвету светской архитектуры (ратуша в Торуни, городские укрепления с барбаканами в Кракове и Варшаве. Ягеллонский университет в Кракове). На юге Польши костёлы строились из камня и кирпича (костёл Девы Марии в Кракове), на севере - из кирпича (костёл Девы Марии в Гданьске). В Латвии переход к готике произошёл в XIII - XIV вв. (Домская церковь в Риге; замок в Цесисе, 13—16 вв.). В южной Эстонии в XIV в. строились кирпичные готические церкви (церковь Яани в Тарту). Готический облик Таллина определился в XIV - XV вв. (Вышгород и бюргерская часть города с ратушей, церковь Олевисте). К XIV - XV вв. относятся раннеготические памятники Литвы (замок в Тракае), в XV - XVI вв. богатый кирпичный декор получают церковь Онос в Вильнюсе и дом Перкуно в Каунасе.

Костёл Девы Марии в Гданьске

В позднеготическую эпоху накопление эмпирических знаний, рост интереса к реальности, к наблюдению и изучению натуры, возросшая роль творческой индивидуальности подготовили почву для ренессансной системы мировосприятия. Этот процесс проявился в XIV - нач. XVI вв. во французской и бургундской миниатюре, в скульптуре (Клаус Слютер) и живописи (Мельхиор Брудерлам и др.) немецкой, чешской. польской декоративной пластике (Пётр Парлерж), в алтарной скульптуре и живописи (мастер Теодорик и др.). В XV - XVI вв. он был ускорен влиянием итальянского Возрождения и нидерландского Возрождения. На протяжении XVI в. готика почти повсеместно сменилась ренессансной культурой.

век готики Готическое искусство эпоха готики архитектура готики готика в архитектуре готический стиль готика средневековья 

При использовании данных материалов ссылка на блог - обязательна. Уважайте труд других!

Барокко

Барокко в переводе с итальянского означает "странный", "причудливый". В конце XVI - середине XVIII в.в. это был самый распространенный стиль в архитектуре Европы. Этот стиль получил свое признание в тот момент, когда в Европе уже интенсивно складывались национальные государства с абсолютной монархией; наиболее популярен был в странах, которые образовались при феодально-католическом развитии. Стиль барокко всей своей пышностью и роскошностью, как бы прославлял и показывал богатство, власть и социальный статус аристократии и церкви. Но ограничивать барокко только рамками аристократии и церкви было бы не правильно, потому что, пусть и косвенно, но все же в этом искусстве нашли свое отражение национально-освободительные и антифеодальные движения народов. Барокко сменило гуманистическую художественную культуру эпохи Возраждения, принеся с собой новое воплощение представлений о многообразии, единстве и безграничности окружающего человека мира. Для искусства барокко характерны пышность, грандиозность  и динамика, интенсивность чувств, патетическая приподнятость, пристрастие к эффектным зрелищам, сильным контрастам масштабов и ритмов, совмещению иллюзорного и реального, материалов и фактур, света и тени.

Большой Екатерининский дворец в Пушкине

Синтезу искусств в барокко, носящему всеобъемлющий характер и затрагивающему практически все слои общества (от государства и аристократии до городских низов и отчасти крестьянства), свойственно поражающее своим размахом, торжественное, пышное монументально-декоративное единство. Весь ансамбль города: улицы, парки, площади, усадьбы стали представляться перед зрителем как целая развивающаяся организованная художественная композиция. Роскошные церкви и дворцы барокко благодаря своей причудливой фасадной пластике, сложным очертаниям плана, игры светотени приобрели пышную динамичность, вливаясь в окружающее пространство. Здания украшались скульптурой, многоцветной лепкой, резьбой; зеркала и росписи интерьера визуально расширяли и увеличивали пространство, живопись потолков и плафонов создавала иллюзию разверзшихся сводов.

В барокко преобладали декоративные композиции мифологического, религиозного  или аллегорического характера, парадные портреты, подчёркивающие привилегированный статус человека. Сочетание идеализации с бурной динамикой образов, неожиданные композиционные и оптические эффекты, религиозная аффектация - с подчёркнутой чувственностью, реальность - с фантазией, а нередко и с острой натуральностью и материальностью форм, граничащей с иллюзорностью.

Антонис ван Дейк

В XVI в. на родине барокко, в Италии, появились первые его признаки в монументальной живописи Корреджо, демократическом бунтарстве творчества Караваджо, скульптуре Джамболоньи, постройках Дж. Виньолы. В творчестве скульптора и архитектора Джованни Лоренцо Бернини, архитектора Франческо Борромини, живописца Пьетро да картоны нашел свое наиболее яркое и полное воплощение стиль барокко. Позднее итальянское барокко перешло к фантастичным постройкам архитектора Гварино Гварини, живописи А. Маньяско и С. Розы, головокружительной лёгкости росписей Джованни Баттиста Тьеполо. Нидерландская живопись Рубенса и его учеников  ван Дейка, Снейдерса, Йорданса, Броувера и Тенирса, рождённая Нидерландской буржуазной революцией 1566-1602, внесла в искусство барокко мощные жизнеутверждающие реалистические и подчас народные начала. В Испании в XVII в. некоторые черты барокко проступали в архитектуре Хуана де Эрреры, в реалистической живописи Франсиско Сурбарана и Хусепы Риберы, скульптуре Монтаньеса. В XVIII в. в архитектуре Чурригеры формы барокко достигали необычайной сложности и декоративной изощрённости, но ещё большей изощренности достигли в странах Латинской Америки в "ультрабарокко". Архитекторы Фишер фон Эрлах и Хильдебрандт и живописец Маульберч - в Австрии, архитекторы и скульпторы Нёйман, Пёппельман, Шлютер, семья архиткторов Динценхофер братья Азам - в Германии и других странах Западной Европы смогли объединить стиль барокко с тенденциями рококо. Во Франции, где ведущим стилем в XVII в. стал классицизм, барокко оставалось до середины века побочным течением, но с полным торжеством абсолютизма оба направления слились в единый помпезный, так называемый, "большой стиль". Понятие "барокко" иногда ошибочно распространяли на всю художественную культуру XVII в., в том числе и на явления, которые были далеки по стилевому содержанию от барокко, например, "московское барокко" или нарышкинское барокко, в русском зодчестве конца XVII в. Во многих странах Европы в XVII в. сложились и яркие национальные реалистические школы, опиравшиеся как на приёмы караваджизма, так и на местные художественные традиции реализма. Они наиболее ярко выразились в неповторимо своеобразном творчестве великих мастеров Диего де Сильва Веласкеса в Испании,  Вермера Делфтского, Халса, Рембрандта ван Рейна в Голландии и др., принципиально отличном, а порой и сознательно противопоставленном художественным концепциям барокко. В России развитие искусства барокко, отразившего рост и укрепление дворянской абсолютной монархии, приходится на первую половину XVIII в. Стиль барокко в России был свободен от экзальтации и мистицизма, что характерно для искусства католических стран и обладал рядом национальных особенностей. Русская архитектура барокко, достигшая величественного размаха в городских и усадебных ансамблях Петербурга, Петергофа, Царского Села и др., отличается торжественной ясностью и цельностью композиции зданий и архитектурных комплексов архитекторов Земцова, Растрелли, Ухтомского и Чевакинского. Эпоха барокко отмечена повсеместно подъёмом монументальной живописи и декоративно-прикладного искусства, тесно взаимосвязанных с архитектурой. В первой половине XVIII в. барокко эволюционирует к грациозной лёгкости стиля рококо, сосуществует и переплетается с ним, а с 1770-х гг. повсеместно вытесняется классицизмом.

При использовании данных материалов ссылка на блог - обязательна. Уважайте труд других!