Искусство древней и средневековой Монголии

Бескрайние степи Монголии — зеленые и благоухающие летом, угрюмые зимой — полны неразгаданных тайн. То и дело встречаются курганы с каменными плитами и изваяниями, каменные стелы, разрушенные монастыри, древние крепости и города, окруженные земляными валами, с руинами дворцов, храмов, домов. Многие из них еще ждут археологов...

В позапрошлом веке раскопками в Монголии занялся русский ученый, языковед и этнограф В. В. Радлов. Особенно много загадок удалось разрешить монгольским ученым в содружестве с советской экспедицией под руководством археолога С. В. Киселева в 1948—1949 гг. Теперь известно, что Монголия не была страной, где бродили только орды диких кочевников, как думали раньше. На ее территории с давних времен существовали важные центры культуры.

Чтобы понять искусство Монголии, надо помнить, что она находится на пересечении торговых путей Центральной Азии, связывавших древние центры культуры: Индию, Среднюю Азию, Китай и Тибет. И естественно, искусство Монголии развивалось в связи, а иногда и под влиянием искусства этих стран.

Монгольские памятники древности рассказывают о разных эпохах и народах, населявших когда-то эту страну. Знаменитые оленные камни монголов, на которых вырезаны стремительно мчащиеся олени с ветвистыми рогами, сменяются гуннскими курганами.

Оленные камни монголов

Гунны, правившие на рубеже нашей эры Монголией и всей Центральной Азией, хоронили своих вождей — шаньюев в подземных бревенчатых склепах, задрапированных тканями и наполненных местными и привозными вещами из золота, серебра, нефрита, лака, янтаря. Такие курганы были раскопаны в горах Ноин-Улы русским путешественником и исследователем Центральной Азии П. К. Козловым, возглавившим в 1925—1926 гг. Монголо-Тибетскую экспедицию.

Каменная баба

После тюрков, создавших в VI—VIII вв. могущественную империю, в степях Монголии остались надгробные памятники: стелы, каменные бабы, изображения умерших, рядом с которыми лежат длинные ряды камней, обозначающие врагов, убитых захороненным здесь воином. Недавно археологам удалось найти еще одно замечательное произведение древнетюркского искусства — голову знаменитого тюркского хана Кюль-тегина. Ждет исследователей и Хара-Балгас — столица уйгурского государства (IX в.). Много непонятного еще в культуре киданей (XI — XII вв.) — народа, родственного монголам и создавшего свою, еще не расшифрованную письменность. Кидани оставили в Монголии великолепные образцы настенной росписи.

Голова тюркского хана Кюль-Тегина

Фламандский путешественник Биллем Рубрук еще в XIII в. описал, как выглядела столица монгольской империи Каракорум, основанная Чингисханом. Особенное впечатление произвел на него ханский дворец. В середине он напоминал корабль, а боковые его стороны были отделены двумя рядами колонн. У дворца находилось серебряное дерево с четырьмя серебряными львами у корней и змеями на ветвях.

Как свидетельствуют историки, дворец в Каракоруме строили пленники Чингисхана: венгры, англичане, французы и русские.

При недавних раскопках в Каракоруме нашли много вещей, сделанных ремесленниками: серебряные чаши и браслеты, изделия из металла, керамику.

Кончилась эпоха великих походов, монголы рассеялись по всему свету. Грабительская политика правителей гибельно отразилась на дальнейшей судьбе монгольского народа, задержав его развитие. В XVI в. в Монголию из Тибета приходит одна из ветвей буддийской религии — ламаизм, который повлиял на всю духовную жизнь Монголии. Искусство целиком подпадает под влияние этой религии. Страна покрывается сетью монастырей, приходится содержать колоссальную армию духовных наставников — лам.

Ламаистское учение принесло с собой из Тибета бесчисленный сонм божеств: добрых, помогающих праведникам, и грозных, карающих грешников. Злобных божеств изображали многорукими и многоногими, с ожерельями из человеческих голов и с чашами из черепов. Творчество монгольских художников было ограничено строгими религиозными канонами. Но, несмотря на эти строгие правила, в народном творчестве, кроме традиционных ламаистских божеств, появляются новые любимые аратами (так в Монголии называют тружеников-скотоводов) персонажи, например борец за правду богатырь Гэсер, или Белый Старец.

Наряду с монастырскими постройками, выполненными в тибетско-китайском стиле (см. сооб. «Искусство древнего и средневекового Китая»), возникает своеобразная монгольская архитектура. Ее формы напоминают обычную юрту. Для таких зданий характерны зеленая глазурованная черепица, позолоченные капители и резные украшения.

Дворец-музей Богдо-гэгэна. Улан-Батор

Народное творчество находило выражение в любовном украшении небогатого инвентаря кочевника. Монгольские мастера вырезали изделия из дерева и кости, чеканили серебряные блюда и украшения, занимались художественной вышивкой и аппликацией. Народные умельцы, сохранявшие древние традиции, считали, что цвета и орнаменты подобны буквам, и выражали с их помощью свои мысли и чувства. Так, чеканка на стремени передавала пожелание удачи всаднику, быстроты и неутомимости коню. Затейливая резьба на замке сундука и двери обозначала его несокрушимость и крепость.

Давно ушла в прошлое старая Монголия с ее разбросанными по всей стране 800 монастырями и 100 тысячами лам.

При использовании данного материала ссылка на блог - обязательна

Древнерусское искусство

Искусство Древней Руси охватывает несколько веков — от времен Ярослава Мудрого до эпохи Петра I.

У своих истоков древнерусское искусство было тесно связано с предшествовавшей ему культурой восточнославянских племен, которые, в свою очередь, унаследовали многие художественные традиции скифо-сарматского мира и античных колоний Северного Причерноморья. Искусство древних славян уже в первых веках нашей эры было очень разнообразно. Утварь, оружие, одежда украшались орнаментами; магические статуэтки отражали языческие верования, почитание сил природы — солнца, земли, стихий и животных. Славяне сооружали сложные комплексы жилых домов, крепости, храмы и погребальные постройки из дерева, камня, глины и земли. Велико было мастерство плотников и резчиков.

К X в. искусство славян достигло высоко совершенства. Киевская Русь была в это время мощным и богатым государством, центром русского ремесла и международной торговли. Рост новых городов, развитие феодального землевладения определили общий характер киевской культуры. Старая языческая религия славянах племен в 988-989 гг. уступила место единой государственной религии - христианству. Это содействовало сближению Киевской Руси с Византией и странами Западной Европы. Иноземную культуру русский народ перерабатывал в духе традиций своей культуры. Высшего расцвета искусство Киева достигло в годы правления Ярослава Мудрого (1019-1054). Широко ввернулось строительство, из дерева и камня вводились грандиозные монументальные сооружения (при раскопках обнаружены фундаменты обширных дворцовых построек). При Ярославе Мудром границы Киева были раздвинуты, сооружены новые земляные валы с каменными проездными башнями-воротами. Главным культовым и общественным зданием Киева был величественный Софийский собор (заложен в 1037 г.). Это храм, имеющий в плане крест, с пятью полукруглыми выступами - апсидами, увенчанный одним большим и 12 малыми куполами. К западным углам собора примыкают две могучие круглые башни с лестницами на хоры для князя и его свиты. Внутри собор отличается великолепием убранства: мозаикой, фресками, отделкой полированым и резным камнем, майоликой.

Украина. Киев. Софийский собор

Этот монументальный каменный собор XI в. олецетворял величественную силу Киевского государства и являлся единым ансамблем всех видов искусств. Роспись Софиевского собора прославляла торжество христианства и могущество власти государства.

Величественные каменные соборы с некоторыми местными отличиями в XI в. были созданы таккже в Чернигове (Спасо-Преображенский, заложен ок. 1036 г.), Полоцке (Софийский, вторая половина XI в.), Новгороде (Софийский, 1045-1050).

Украина. Чернигов. Спасо-Преображенский собор

Белорусь. Полацк. Софийский собор

Россия. Новгород. Софийский собор

Монументальная живопись Киева представлена фресками и мозаикой. Мозаики Михайловского Златоверхого моностыря, созданные константинопольскими мастерами при участии русских во второй повине XI в., поражают изяществом пропорцией фигур, красотой колорита. В более поздние эпохи мозаика уступила место фреске, техника которой допускала большую свободу художестнных решений.

Украина. Киев. Михайловский Златоверхний монастырь

Мозаика Михайловского Златоверхнего монастыря в Киеве

Мастера древнерусской живописи были стеснены религией и строгими правилами иконографии, и все-таки они сумели в условных формах создать образы, отражающие действительность, запечатлеть идеалы своего народа.

В Киевской Руси процветало прикладное искусство. Шитье, отделка оружия и доспехов, украшение утвари, окладов книг отмечены вкусом и мастерством исполнения. Успехи прикладного искусства объясняются высоким развитием всевозможных ремесел (В Киевской Руси их было свыше 60). Среди украшенных миниатюрами рукописей примечательны «Остромирово Евангелие» (1056-1057) и «Изборник Святослава» (1073).

Остромирово Евангелие

Изборник Святослава

Круглая скульптура не получила развития в Древней Руси, поскольку православная церковь считала это искусство языческим. Русские мастера отдавали предпочтение плоскому рельефу, они переносили в резьбу по камню навыки и приемы древнего народного искусства резьбы по дереву.

В XI - XII вв. усиливается феодальное дробление Руси. В отдельных городах и княжествах складываются местные художественные школы (Галич, Полоцк, Смоленск, Владимир, Новгород и др.).

В XII в. на основе киевского наследия блестящего расцвета достигает искусство Владимиро-Суздальского княжества. Характерно, что все виды искусства этого княжества - и живопись, и скульптура, и архитектура - пронизаны идеями преодоления феодальной раздробленности и объединения русских земель. Основные особенности владимиро-суздальского зодчества - сочетание гражданских и культовых зданий в одном комплексе, превосходное чувство пропорций, совершенство техники белокаменной кладки, широкое использование декоративных элементов (арочно-колончатые пояса, скульптурные маски, резные рельефы и т. д.).

В годы правления Андрея Боголюбского (1157-1174) столицей княжества стал город Владимир. В первые 7 лет своего княжения Боголюбский предпринял здесь обширное строительство, было сооружено много зданий и оборонительных валов с деревянными и белокаменными башнями. Одна из них — башня с проездной аркой, увенчанная надвратной церковью Золотые ворота (1164), сохранилась до наших дней. Центром городского ансамбля был Успенский собор (1158-1161; перестроен после пожара в 1185-1189 гг.). Это величественный шестистолпный храм стройных пропорций. Стены его украшены декоративными колонками, каменной резьбой и фресками. Среди доныне сохранившихся фресок можно увидеть работы замечательного художника Древней Руси Андрея Рублёва.

Золотые ворота во Владимере

Успенский собор во Владимере

В 1158-1165 гг. создается дворцовый ансамбль в Боголюбове, а неподалеку, на реке Нерли, воздвигается в 1165 г. церковь Покрова Богородицы - один из лучших памятников русской архитектуры. Стройность, легкость и компактность, а также подчеркнутая вертикальность всех линий делают этот храм необычайно изящным и устремленным ввысь. Декоративные детали и резные украшения оживляют белокаменную поверхность стен.

Церковь Покрова Богородици на реке Нерли

В сходном по типу одноглавом четырех-столпном Дмитриевском соборе во Владимире (1193-1197) больше массивности. Собор входил некогда в состав княжеского дворца и торжественностью своего облика свидетельствовал о могуществе заказчика - князя Всеволода III (1176-1212). Стены собора богато украшены резными рельефами. Среди изображений святых, растений и зверей помещен портрет князя с сыновьями, есть и фольклорные образы. Все это сообщает облику здания земной, жизнеутверждающий характер. Композиция рельефов нередко напоминает народные вышивки, а их обработка - деревянную резьбу. Владимирские соборы - образец органического слияния скульптуры с архитектурой.

Дмитриевский собор был также расписан фресками. В иконах этой эпохи проявляется тонкое колористическое мастерство. Образы святых нередко наделяются чертами русских людей (иконы «Знамение», начало XIII в., «Дмитрий Солунскиий» конец XII - начало XIII в.).

Дмитриевский собор во владимере

В XIII в. татаро-монгольское нашествие прервало блестящее развитие владимиро-суздальского искусства, но его художественные достижения и вдохновлявшие его идеи объединения Руси подхвачены и развиты позднее искусством Москвы.

Совсем иным было искусство Новгорода и особенно новгородское зодчество начаала XII. В нем усиливается проявившее уже в новгородском соборе Софиии стремление к строгости и лаконизму форм. Собор Антониева монастыря (1117) и особенно суровый и мощный Георгиевский собор Юрьева монастыря (1119, мастер Петр) - характерные памятники новгородской школы.

Новгородский собор Софии

Собор Антониева монастыря в Новгороде

Георгиевский собор Юрьева монастыря в новгороде

В середине второй половины XII в. культура Новгорода, ставшего в 1136 г. феодальной республикой, делается более демократичной. В художественных вкусах новгородцев проявлялась их любовь ко всему строгому, простому, но сильному, мужественному и выразительному. В XII в. многочисленные каменные храмы сооружались обычно на средства городских общин, бояр или купцов. Это небольшие одноглавые постройки кубического типа с тремя апсидами. Новгородские строители не стремились к геометрической правильности. Кривизной линий, неровностью плоскостей они подчеркивали осязаемость стен, мощь массы. Монолитные объемы их построек достигают почти скульптурной пластичности. Внутри эти храмы предельно просты. Типичные постройки такого рода - церкви Георгия в Старой Ладоге (вторая половина XII в.) и Спаса на Нередице (1198). Фресковая роспись этих церквей примечательна суровой мощью образов.

Церковь Георгия в Старой Ладоге

Церковь Спаса на Нередице

Географическое положение Новгорода помогло ему в период татаро-монгольского нашествия избежать разорения и сохранить независимость, победа над шведами и ливонским орденом усилила его могущество.

Каменное строительство, приостановление военными событиями, оживляется в конце XIII в. Но храмы этого периода имеют уже иной вид, чем раньше. Во второй половине XIV в. складывается классический тип новгородского храма, представленный церквами Федора Стратилата (1360-1361) и Спаса на Ильине улице (1374), имеющими совершенно новый облик. Неоднократно перестраивался в XII-XIV вв. новгородский детинец (кремль). В 1335 г. началось строительство стен и башен внешнего пояса укреплений.

Церковь Федора Стратилата

Церковь Спаса на Ильине улице

Живопись в Новгороде достигла очень высокого подъема. Новгородские фрески XIV в. отличаются эмоциональной напряженностью, смелой трактовкой движения, свободой живописного исполнения. Примечательны по силе внутренней взволнованности фрески церкви Спаса на Ильине улице, выполненные обрусевшим уроженцем Византии Феофаном Греком (см. сооб. «Искусство Византии»), а также фрески церквей Федора Стратилата и Успения на Волотовом поле.

Фреска церкви Спаса на Ильине улице

Фреска Церкви Федора Стратилата

Фреска церкви Успения на Волотовом поле

Иконопись Новгорода пережила высший расцвет в XV в. Контрастное сопоставление чистых, ярких цветов, особенно красного и белого, придает колориту новгородских икон особую напряженность. Им присущи также лаконизм композиции, обобщенность и выразительность силуэтов. Иной раз в иконные композиции проникают живые реалистические сценки («Деисус с молящимися новгородцами», 1467), а в миниатюрах рукописей орнамент нередко сочетается с юмористическими и бытовыми изображениями.

Деисус с молящимися новгородцами

Новгородскому искусству во многом близка художественная школа Пскова, также избежавшего тягот татаро-монгольского ига. Для архитектуры Пскова, как и для архитектуры Новгорода, характерны простота форм, скромность украшений, тесная связь с народной традицией. Такова, например, церковь Василия на Горке (1413) и др.

Церковь Василия на Горке

Живописи псковских иконописцев XIII - XIV вв. свойственны фольклорное простодушие образов, яркие краски, динамика композиции. Среди монументальных росписей особенно значительны фрески собора Мирожского монастыря (ок. 1156), Снетогорского монастыря (1313) и церкви в Мелётове (1465).

Фреска Мирожского моностыря

Фреска Снетогорского моностыря

С конца XIV в. ведущая роль в художественной культуре переходит к Москве, возглавившей объединение русских земель и борьбу за освобождение от татаро-монгольского ига.

При Иване I Калите были возведены деревянные укрепления Московского Кремля и первые каменные соборы - Успенский и Архангельский (они не сохранились; церкви того же названия, которые находятся на их месте ныне, выстроены позднее). Особенно усилилось каменное строительство после победы в Куликовской битве (1380). Идеи объединения Руси, духовного единства русских людей, вера в человека вдохновляют в этот период гениального живописца Андрея Рублева.

С образованием централизованного мощного Московского княжества возрастает роль монументального искусства, прославляющего силу и величие государства. В Москве создается замечательный ансамбль Кремля. К его строительству привлекаются лучшие зодчие других городов, а также итальянские архитекторы. В 80-90-е годы XV в. артель русских мастеров, возглавляемых итальянцами М. Руффо и П. Солари, строит кремлевские крепостные стены с башнями (нынешние шатровые покрытия сделаны в XVII в.) и Грановитую палату. Аристотель Фиораванти возводит Успенский собор (1475-1479); Алевиз Новый сооружает Архангельский собор (1505-1509). Псковские мастера строят Благовещенский собор (1484-1489). Выстроенная в 1505 - 1508 гг. колокольня «Иван Великий» (архитектор Бон Фрязин; надстроена в 1600 г.) становится господствующим высотным сооружением Кремля и завершает его ансамбль.

Развивающаяся под влиянием искусства Андрея Рублева московская живопись XV - XVI вв. отличается утонченностью, красотой композиции, светлой радостной красочной палитрой (мастер Дионисий и его сыновья - Владимир и Феодосий).

По образцу Московского Кремля сооружались крепости других городов - Нижнего Новгорода (1500-1511), Коломны (1525-1531). Тулы (1514-1521). Развивается монастырское и гражданское каменное строительство. Примечательно решительное обращение к формам народного деревянного зодчества. Шатровые постройки из дерева послужили прототипами каменных зданий башнеобразной композиции с шатровым покрытием. Замечательные образцы таких зданий - церковь Вознесения в селе Коломенском (1532, ныне в черте Москвы) и всемирно известный храм Василия Блаженного на Красной площади в Москве (построен в 1555-1560 гг. в память взятия Казани; зодчие Бармд и Посник Яковлев).

Храм Василия Блаженного

В живописи XVI в.- фресках и иконах — развивается повествовательность, усиливаются жанровые моменты, интерес к бытовым деталям. В конце XVI в. складывается так называемая строгановская школа иконописи, отличающаяся ювелирной тщательностью письма, тонкостью рисунка. Ее заслуга - введение в иконы мотивов пейзажа.

В середине XVI в. печатники Иван Фёдоров и Петр Мстиславец создают первые печатные книги - «Евангелие» (1556), «Апостол» (1564), а вместе с ними и первые гравюры на дереве. Развиваются и все виды прикладного искусства - шитье, ювелирное дело, литье, чеканка и т. п.

XVII столетие в истории Русского государства ознаменовалось бурными историческими событиями. Вместе с тем XVII век был периодом интенсивного экономического развития Русского государства и ослабления влияния церкви. Растет национальное самосознание, развивается светская культура, расширяются знания и кругозор людей. В архитектуре появляется стремление к свободной планировке, живописности композиции и богатству убранства. Эти черты видны и в гражданской и в церковной архитектуре Москвы (Теремной дворец Московского Кремля, 1635-1636; церковь Троицы в Никитниках, 1628-1653, и др.), а затем и в архитектуре других городов, прежде всего богатых торговых центров - Ярославля, Костромы, Мурома.

Очень разнообразны и живописны декоративные элементы архитектуры - кокошники, наличники, порталы. Широко применяются резьба и цветные изразцы.

Монументальная живопись второй половины XVII в. (в церквах Ярославля,, Ростова Великого, Костромы) отличается сказочной занимательностью, пестротой и нарядностью красок, узорностью и свободой композиции.

Во всех видах изобразительного творчества этого периода усиливается тенденция к светской жизнерадостности, которая облегчает развитие новых реалистических форм искусства в эпоху петровских реформ, открывающих следующий этап нашей культуры (см. сооб. «Русское искусство XVIII в.»).

На всем протяжении своего сложного и длительного развития - с X до конца XVII столетия -древнерусское искусство было тесно связано с историческими судьбами народа, с его борьбой за независимость, с укреплением его национального самосознания. Даже в условных символических образах и формах религиозного искусства художники Древней Руси сумели воплотить идеалы и мечты своего народа. Их произведения запечатлели народные представления о добре и справедливости, о достоинстве человека и красоте природы. Различные стороны русской жизни, различные исторические моменты отражены и в нарядных белокаменных храмах Владимира и Суздаля, и в суровой мощи крепостных сооружений Новгорода и Пскова, и в духовном горении святых отшельников Феофана Грека, и в просветленном спокойствии рублевских ангелов. Искусство Древней Руси - блестящая страница летописи нашей национальной культуры.

При использовании данного материала ссылка на блог - обязательна

Венецианские художники

Беллини, Джорджоне, Тициан, Веронезе, Тинторетто

На берегу Адриатического моря, в заливе, тесно прижались друг к другу низкие острова. В IV— VI вв. здесь возник город мореплавателей и торговцев — Венеция, которую уже в X столетии стали называть «царицей Адриатики». Сюда стекались сокровища Востока и всех средиземноморских стран. Город рос, его украшали прекрасными сооружениями, облицованными мрамором, выложенными мозаикой, на площадях воздвигали каменные колонны, привезенные из далеких стран скульптурные памятники. В богатом торговом городе широко развивалось искусство. Наибольшего расцвета достигло оно в XV—XVI вв.

Венецианские живописцы XV в. получали заказы на картины главным образом от церкви. Чаще всего они изображали мадонну, торжественно восседающую на троне в окружении ангелов и святых. Яркие ткани с крупными восточными узорами широкими складками ниспадали с застывших, симметрично расставленных фигур. Полоса золотой парчи свешивалась за фигурой мадонны, служа ей фоном. Иногда в глубине картины виднелся далекий пейзаж группы деревьев и горы на горизонте.

Алые и сапфирово-синие краски венецианских картин сверкали, поражая своей яркостью и свежестью. В Венеции раньше, чем в других городах Италии, стали применять масляные краски. Это было большим событием в живописи. Ведь масляные краски позволяют передавать свет, влажность, блеск так, как с помощью других красок, например темперы, этого сделать не удавалось (см. сооб. «Живопись»). Во второй половине ХV в. самым крупным художником Венеции был Джованни Беллини. Фигуры людей на его картинах написаны объемно, позы их естественны и в то же время неизменно величавы. При изображении неба ему удавалось передать глубину пространства, воздушность дали.

Но ученики Беллини — Джорджоне из Кастельфранко и Тициан Вечеллио оставили учителя далеко позади, открыв перед живописью своего времени новые возможности. В своем родном городе Джорджоне создал для церкви картину, известную под названием «Мадонна Кастельфранко» (ок. 1505. Картина осталась в алтаре капеллы собора в Кастельфранко, для которого была заказана в память о погибшем юноше). На первый взгляд картина кажется похожей на работы других учеников Беллини: мадонна изображена в центре на возвышении, внизу — двое святых (один из них — монах, другой — молодой воин в блестящих латах). Но главное в картине — ее эмоциональность, выразительность; все в ней подчинено грустному настроению. Мадонна, чуть придерживая на коленях младенца, задумчиво глядит на саркофаг у подножия трона. Выражение сдержанной печали объединяет неподвижные фигуры. Светлый и жизнерадостный пейзаж, виднеющийся вдали, оттеняет задумчивость фигур.

Джорджоне. Мадонна Кастельфранко

К началу XVI в. европейские художники научились уже подмечать особенности родной природы, однако пейзаж по-прежнему служил главным образом фоном для фигур. В картине «Гроза» Джорджоне отвел пейзажу главную роль показал определенное состояние природы — момент надвигающейся грозы: потемневшее небо пересекает молния. И что особенно важно — взволнованная природа находится в соответствии с душевным состоянием людей, изображенных на картине. В дальнейшем живописцы постянно, чтобы подчеркнуть уныние, тревогу радость человека, передавали в своих картинах ненастье, бурю или сияние солнца.

Джорджоне. Гроза 

В эпоху Возрождения нередко изображали Юдифь — героиню древнего сказания — как символ героизма, подвига. Рискуя жизнью, она проникла в лагерь врагов и отрубила голову их предводителю. Джорджоне в своей картине «Юдифь» подчеркнул уверенность молодой женщины в собственной правоте, придав облику своей героини женственную прелесть и спокойствие. Лицо Юдифи освещено еле заметной нежной улыбкой, взор опущен; ее развевающаяся одежда, выделяясь на голубовато-зеленом фоне далекого пейзажа, переливается различными красками, от золотисто-розовой до вишнево-красной. Джорджоне передает переходы и оттенки цвета, чистые и глубокие тона тени. Богатство красок, их сочетаний, т. е. богатство колорита, характерное для венецианских живописцев, усиливает выразительность произведения.

Джорджоне. Юдифь

В 1510 г. Джорджоне, еще молодой, погиб от чумы. Незаконченной осталась его картина «Спящая Венера». В образе богини, спящей в тени холма, воплощено представление людей Возрождения об идеальной красоте. Работу погибшего друга закончил один из величайших мастеров Возрождения Тициан.

Джорджоне. Спящая Венера

Тициан Вечеллио (1477 или 1485—1576) прожил долгую жизнь. Произведения позднего периода его творчества сильно отличаются от ранних. Между 1500 и 1516 г. он написал ряд картин на евангельские, мифологические, аллегорические сюжеты. Их роднит энергия и сила цвета, тонкая и живая передача обнаженного тела, теплое сияние солнечного света.

1517—1530 годы — время когда талант Тициана достигал зрелости, а слава его выходила за пределы Италии. Жизнерадстный дух, свойственный искусству Возрождения, в этот период пронизывает произведения Тициана. Художник свободно обращается с сюжетами, которые избирает. В «Празднике Венеры» на лужайке резвится толпа маленьких амуров с голубыми крылышками: одни пускают стрелы друг в друга, другие дерутся или уплетают румяные яблоки.

Тициан Вечеллио. Праздник Венеры

В произведениях на религиозные сюжеты также свободно проявилось поэтическое воображение художника. Громадная картина «Ассунта» («Вознесение Марии») изображает вознесение мадонны на небо. Однако фигура Марии ярко воплощает человеческие чувства: в закинутой голове, в восторженно поднятых руках выражены торжество, радость, сила и вдохновение. Энергичные, насыщенные цвета ее одежды на фоне светлого, сияющего неба создают настроение радостного торжества. Тициан в совершенстве владел искусством выражать чувства и настроения человека в сочетаниях красок.

Тициан Вечеллио. Ассунта (Вознесение Марии)

Много сил отдавал художник портретной живописи. Окруженный почетом и восхищением современников, он жил богато и независимо. Венецианская знать, германский император и испанский король добивались согласия Тициана работать для них. Но он выполнял лишь те заказы, которые были ему по душе. В портретах Тициан не только добивался внешнего сходства, но и смело раскрывал черты характера. Угрюмым и недоверчивым выглядит на его портрете папа Павел III, мрачными суровым — император Карл V. В портрете ученого Тициан подчеркивает одухотворенное выражение глаз, а в портретах знатных дам с таким же вниманием передает все складки и шитье, с каким относились к своим нарядам эти красавицы.

Тициан Вечеллио. Портрет папы ПавлаIII

Тициан Вечеллио. Портрет императора Карла V

В середине XVI в. Италия переживала тяжелые времена. Правда, Венеция, где жил Тициан, не подвергалась нападению чужеземцев, ее почти не коснулась и церковная реакция. Но художник не был равнодушен к судьбе других городов страны, — работы старого Тициана все сильнее выдают его скорбь и глубокую тревогу.

К 60-м годам XVI в. относится картина «Кающаяся Магдалина». Сюжет заимствован из легенды об отшельнице, оплакивающей грехи своей юности. Но у Тициана она превращается в своеобразное воплощение человеческого горя. Сдержанные, неяркие краски отвечают настроению глубокой скорби, охватившей женщину. Уверенное мастерство художника позволяет ему с величайшей убедительностью передать ее заплаканные глаза и застилающую их влажную пелену слез, блеск волнистых волос, сверкание стеклянной вазы в полумраке.

Тициан Вечеллио. Кающаяся Магдалина

Необычным для той эпохи было произведете поздней поры творчества Тициана — «Св. Себастьян». Согласно легенде, римский воин Себастьян принял христианство, за что и подвергся мучениям. Тело привязанного к дереву героя, в которое вонзаются стрелы врагов, как бы сливается с темными красками фона. Неважно — деревья, кусты или клубы дыма изображены там. Потоки краски, густой в свету и легкой, тающей в тени, передают движение, напряжение и в большей мере, чем страдальческое выражение лица, раскрывают трагический смысл события. На произведениях Тициана учились не только его младшие современники, они оказывали величайшее воздействие на европейскую живопись в течение столетий.

Тициан Вечеллио. Св. Себастьян

Крупнейшими художниками Венеции второй половины XVI в. были также Паоло Веронезе Якопо Тинторетто.

Паоло Веронёзе — великий мастер декоративной живописи, создатель громадных эффектных картин, украшающих потолки стены Дворца дожей. Эти картины имеет аллегорические и мифологические сюжеты.

В своей колоссальной картине «Брак в Кане Галилейской» Веронезе, воспользовавшись евангельским сюжетом в качестве предлога, изобразил пышный пир, красочную толпу нарядных гостей, музыкантов, слуг — все это на фоне великолепных архитектурных сооружений.

Паоло Веронезе. Брак в Кане Галилейской

Живопись Веронезе отличается живостью и жизнерадостностью, гибкостью фантазии, яркой, сверкающей красочностью, тонким ощущением света. Впрочем, на поздних этапах творчества и в его искусство проникают тревожные, сумрачные настроения.

Вольное обращение с евангельскими сюжетами, свойственное Веронезе, в 70-х годах заставило насторожиться церковников: его даже вызывали в папский трибунал, требуя изменений в картине «Тайная вечеря», переименованной затем в «Пир в доме Левия».

Паоло Веронезе. Пир в доме Левия

Якопо Тинторетто в юности сделал своим девизом слова: «рисунок Микеланджело, колорит Тициана». Сверкающая красочность роднит его живопись с искусством других венецианцев. Но у Тинторетто много оригинальных особенностей. В картине «Битва архангела Михаила с сатаной» действие перенесено в воздух; все пространство заполнено струящимися потоками розовато-пепельных тонов. В своих поздних произведениях, по большей части сумрачных и взволнованных, Тинторетто передает оттенки трагических настроений своих героев, изображает толпызахваченные порывом бурного чувства.

Якопо Тинторетто. Битва архангела Михаила с сатаной

* * *

XVI век был периодом последнего высоког взлета итальянского искусства. Это, однако, не значит, что в последующие столетия оно не развивалось и не принесло мировой художественной культуре никаких ценностей. На рубеже XVI — XVII вв. большую роль в развитии европейской живописи сыграл Микеланджело Меризи да Караваджо. Большой известностью пользовались итальянские живописцы XVII—XVIII вв. Доменико Фётти, Алессандро Маньяско и Джузеппе Мария Крёспи. Традиции монументально-декоративной живописи итальянского Возрождения продолжал в XVIII столетии венецианец Джованни Баттиста Тьёполо.

В развитии европейской архитектуры и скульптуры большую роль сыграли мастера итальянского барокко, работавшие в XVII в. в основном в Риме. Центральной фигурой здесь был Джованни Лоренцо Бернини.

В XVII—XVIII вв. Италия уже не имела того влияния на другие европейские страны, какое имела она в эпоху Ренессанса. Но традиции ренессансной культуры помогали итальянским мастерам создавать памятники высокого значения.

При использовании данного материала ссылка на блог - обязательна

Андрей рублев

Искусство Андрея Рублёва — гениального художника Древней Руси — одно из высших достижений русского и всего мирового искусства. Творчество Рублева пронизано идеями патриотической борьбы русского народа против татар, стремлением к объединению Руси. В своей живописи Рублев воплотил эстетические и этические идеалы народа, его представление о красоте, достоинстве и нравственном совершенстве человека. В традициопных образах религиозных легенд (апостолы, святые, ангелы) Рублев воплотил реальные черты характера своих современников, отстоявших независимость Руси в битве на Куликовом поле.

Рублев был монахом, долго жил в Троице-Сергиевом монастыре — одном из крупных культурных центров Руси той поры, а позднее — в Андрониковом монастыре в Москве.

Успенский собор во Владимере

В 1405 г. вместе с замечательными иконописцами Феофаном Греком и Прохором из Городца Рублев участвовал в росписи благовещенского собора Московского Кремля. Некоторые иконы этогоо собора в сохранившемся до наших дней иконостасе обнаруживают руку Рублева. Ему вписываются также и миниатюры рукописи «Евангелия Хитрово» (названо по имени владельца), среди которых особенно выделяется мастерством рисунка и изысканностью красок изображение ангела. В 1408 г. вместе со своим старшим другом иконописцем Даниилом Черным Рублев расписал Успенский собор во Владимере. Сохранились фрески на тему «страшного суда», который, по евангельскому преданию, ждет всех людей после смерти. Здесь Рублев отказался от традиционного устрашающего истолкования «страшного суда» как наказания человека за грехи. Созданные им образы апостолов полны снисхождения и любви к людям. Особенно выразительно приветливое русское лицо апостола Петра, ведущего праведников в рай. Необычайно изящны и одухотворенны изображения трубящих ангелов. Иконостас собора сделан Рублевым также в содружестве с Даниилом Черным и другими мастерами.

Фрески на тему "страшный суд"

Для звенигородского собора Успения «на Городке» Рублев выполнил так называемый Звенигородский чин: иконы Спаса, архангела Михаила и апостола Павла.

Икона Спаса. Андрей Рублев

Икона Архангела Михаила. Андрей Рублев

Икона апостола Павла. Андрей Рублев

Вершина творчества Рублева — созданная около 1411 г. икона «Троица». Прекрасны задумчивые фигуры трех ангелов, сидящих за трапезой. Склонясь друг к другу, они как будто ведут тихую беседу. Религиозная символика иконы («троица» означает единство божества в трех лицах) не затемняет ее реального содержания. Мир, согласие, единодушие, — вот к чему призывает художник своих соотечественников. Это содержание «Троицы» отражало стремление русских людей к объединению Руси и к единодушному отпору врагам.

Икона «Троица». Андрей Рублев

Круговая композиция расположения ангелов, тонкая продуманность ритма плавных повторяющихся линий, изысканная грация силуэтов фигур сообщают у той иконе необычайную гармоничность. Очень красивы и чисты ее краски, особенно звонкий и нежный «голубец». В сочетании с золотистыми тонами она как будто повторяет цвет синего неба. Эта икона была создана Рублевым в зрелую пору творчества, и в ней воплотились лучшие достижения русской живописи той эпохи.

После 1422 г. Рублев расписал фресками Троицкий собор в Загорске (эти фрески не сохранились) и вместе со своими учениками создал его иконостас.

Последние годы жизни Андрей Рублев и Даниил Черный были монахами Андроникова монастыря в Москве. Они вместе расписали фресками церковь Спаса этого монастыря, которые, к сожалению, не сохранились, — а это была последняя работа Андрея Рублева. Здесь, в этом московском монастыре, умер великий художник. Здесь он и погребен,

В 1947 г. в бывшем Андрониковом монастыре организован Музей имени Андрея Рублева. В нем собраны и изучаются произведения древнерусского искусства.

При использовании данного материала ссылка на блог - обязательна

Рафаэль Санти

Самым светлым и радостным художником эпохи Возрождения был Рафаэль Санти из города Урбино.

Всем своим творчеством Рафаэль говорил: человек должен быть прекрасен — у него должно быть красивое и сильное тело, всесторонне развитый ум, добрая и отзывчивая душа. Таких людей изображал Рафаэль в своих картинах. Таким человеком был он сам.

Рафаэль родился в 1483 г. Первые уроки рисования и живописи он получил у своего отца — художника и поэта Джованни Санти. В семнадцать лет Рафаэль приехал в город Перуджа и стал учеником художника Перуджино. Одна из картин Рафаэля этого времени — «Сон рыцаря» (конец XV в.). Юноша уснул на распутье. И во сне ему явились две прекрасные женщины: одна, с цветами в руках, олицетворяет Наслаждение, другая, с мечом и книгой,— Доблесть. Которой из них отдаст предпочтение юноша, вступающий в жизнь, какой путь он изберет? Таков глубокий символический смысл картины.

Рафаэль Санти. Сон рыцаря

В 1504 г. Рафаэль приехал во Флоренцию — город, где в то время жили и работали величайшие художники Италии Леонардо да Винчи и Микеланджело. Здесь есть у кого учиться. И Рафаэль начал учится, учится и работать. Более всего его привлекает в это время образ мадонны с ребенком. Нежной и юной матерью изображает Рафаэль мадонну, он прославляет в ней гармоничного человека, прекрасного душою и телом. Мадонны Рафаэля полны такой прелести, что счастливый владелец одной из этих картин, герцог Тосканский, приобретший свою картину почти через 300 лет после ее создания, никогда не расставался с ней и даже возил с собой в путешествия. (Речь идет о «Мадонне Грандуке», ок. 1505—1506.) «Периодом мадонн» называют флорентийский период творчества Рафаэля.

Леонардо да Винчи. Мадонна Литта (Мадонна с ребенком)

Рафаэль Санти. Мадонна Грандуке

Написанный Рафаэлем в эти годы автопортрет совершенно естественно входит в галерею прекрасных образов, созданных им: так обаятелен, изящен и приветлив молодой художник, изображенный на картине.

Автопортрет Рафаэля Санти

В 1508 г. папа Юлий II вызвал Рафаэля в Рим и одновременно с другими художниками поручил ему роспись станц — парадных залов Ватиканского дворца. Вскоре Юлий II приказал рассчитать всех художников и оставил одного Рафаэля. С 1509 по 1517 г. было расписано три зала, лучший из них «зал Подписи» — станца делла Сеньятура. Каждую из четырех стен этого зала занимает огромная фреска. Это — «Поэзия», «Богословие», «Правосудие» и «Философия» («Афинская школа»). На фреске «Афинская школа» (1509—1511) изображен просторный, залитый солнцем храм. У его входа беседуют знаменитые греческие философы и их ученики. Над ними возвышаются две статуи: Аполлона — бога красоты и Афины — богини мудрости. В светлом проеме арки храма выделяются высокие фигуры двух величайших мыслителей Древней Греции — Аристотеля и Платона.

Рафаэль Санти. Росписи Станцы делла синьятура (справа - фреска "Философия" ("Афинская шлола"), слево - "Поэзия" ("Парнас"). 1509 - 1511.  Ватикан. Рим

Создавая образы идеальных, рожденных его творческим вдохновением прекрасных людей, Рафаэль рисовал и портреты современников. Он умел остро передать в портрете характер человека, умел выявить его лучшие черты и сохранить при этом поразительное сходство. О портрете Юлия II младший современник художника историк искусства Вазари говорит: «Он исполнил еще маслом портрет папы Юлия так живо и правдоподобно, что было жутко на него глядеть, словно бы и в самом деле он сидел перед нами живой...»

Умевший так точно передать в портрете неповторимую внешность, неповторимую духовную жизнь человека, Рафаэль совсем по-другому работал над образами мадонн. Художник говорил, что, рисуя мадонну, он вспоминает всех красавиц, виденных им в жизни. Обаятельный образ женщины создал Рафаэль в прославленной картине «Сикстинская мадонна». Она идет по облакам навстречу своей страшной судьбе, зная, что для счастья людей должна отдать смерти самое дорогое, что у нее есть,— сына. Обычный религиозный сюжет превращается в прославление величия человека, способного во имя высшего долга идти навстречу мукам и смерти. Красоте этого подвига соответствует внешняя красота мадонны — это высокая, стройная, сильная женщина, полная женственной прелести.

Рафаэль Санти.  Сикстинская Мадонна

Рафаэль был не только великим живописцем, но и превосходным архитектором. Он строил дворцы, виллы, церкви, небольшие часовни. В 1514 г. папа Лев X поставил Рафаэля во главе строительства величайшего в мире купольного храма — собора св. Петра. Рафаэль должен был изменить проект, созданный Браманте, и продолжить строительство. «Но в мечтах своих,— писал Рафаэль,— я думаю о будущем! Я желал бы воскресить чудные формы античных сооружений...» Он мечтал о «воскрешении Древнего Рима» — титаническом предприятии, достойном художника Возрождения. По раскопкам, обмерам и книгам древнеримского архитектора Витрувия Рафаэль хотел представить себе облик «Вечного города», составить его описание и сделать большую картину.

Собор св. Петра. Ватикан. Рим

Смерть прервала эту работу Рафаэля. 6 апреля 1520 г., в возрасте 37 лот, он умер. Его похоронили в одном из красивейших зданий Рима - в Пантеоне, который стал усыпальницей великих людей Италии.

Пантеон

При использовании данного материала ссылка на блог - обязательна