Искусство: искусство конца XVI

Показаны сообщения с ярлыком искусство конца XVI - XVIII в.. Показать все сообщения

пятница, 16 мая 2014 г.

Искусство Англии XVIII в.

Упоминание о первом знаменитом английском художнике уходит в далекий XVIII в. и касается оно Уильяма Хогарта (1697 - 1764 г.г.) - блестящего портретиста, иллюстратора, автора острых сатирических гравюр. Удивительно, что величественная Англия, опережавшая в своем развитии всю Европу, славилась выдающимися изобретателями, учеными и писателями, но была обделена яркими представителями изобразительного искусства вплоть доXVIII в.

Автопортрет Уильяма Хогарта. 1745

Уильям Хогарт вошел в историю не только английского, а и мирового искусства. Именно он и его творчество стали сильным связующим звеном между изобразительным искусством, театром и литературой. Его друзьями были писатели Свифт и Филдинг, а также знаменитые актеры того времени Дэвид Гаррик и Эдмунд Кин.

Уильям Хогарт. Дэвид Гаррик в роли Ричарда III. 1745

С раннего детства имеющий способности к рисованию и блестящую память на детали, но не имея средств на образование, Хогарт, так и не доучившись в начальной школе, стал помощником у гравера по серебру. Там он познакомился с азами работы с металлом и открыл для себя стиль рококо. Позже, став единственным кормильцем в семье, художник занялся изготовлением мелких изделий - гербов и визиток. Разумеется, такая работа не доставляла удовольствия. Желая быть частью высокого искусства, он начал посещать уроки живописи в частной художественной академии Лондона, параллельно занимаясь самообразованием.

В 1720 г. Хогарт открыл небольшую граверную мастерскую. Чуть позже, бросив академию, посещал школу живописи и рисунка, овладел искусством книжной иллюстрации.

Его серии картин "Карьера мота" (1732 - 1735 г.г., Музей Соуна, Лондон), "Модный брак" (1743 - 1745 г.г., Национальная галерея, Лондон) повествуют о судьбе и приключениях героев с блестящим юмором и поразительной проницательностью. К своему искусству Хогарт относился ответственно, вкладывая в свои творения глубокий смысл, конечной целью видя воспитание нравственности человека посредством искусства, и искоренение человеческих пороков тем же способом. Чтобы как можно больше людей ознакомились с его картинами, художник делал с них гравюры, которые были интереснее тех самых картин и раскупались еще быстрее.

Серия картин Уильяма Хогарта "Карьера мота":

Сцена первая. Вступление в наследство

Сцена вторая. В богемном окружении

Сцена третья. В таверне

Сцена четвертая. Остановка из-за долгов

Сцена пятая. Женитьба на старой деве

Сцена шестая. В игорном доме

Сцена седьмая. В тюрьме

Сцена восьмая. В сумасшедшем доме

Серия картин Уильяма Хогарта "модный брак":

Сцена первая. Брачный контракт

Сцена вторая. Вскоре после свадьбы

Сцена третья. Визит к шарлатану

Сцена четвертая. Будуар графини

Сцена пятая. Дуэль и смерть графа

Сцена шестая. Смерть графини

Всю жизнь занимаясь написанием портретов, Хогарт блестяще и совершенно точно научился передавать характер человека. Это умение принесло художнику успех. Одна из его картин - "Девушка с креветками" (после 1750 г., Национальная галерея, Лондон) прославила его как одного из лучших портретистов мира, правда уже много позже. Художник с легкостью передал на полотне молодость, веселое настроение, восторг и радость, переходящие на зрителя заразительное веселье и задор девушки.

Уильям Хогарт. Девушка с креветками. после 1750

По праву портрет считался излюбленным жанром живописи в Англии. Не случайно до XVIII в. в Англию приглашались знаменитые портретисты - Ганс Гольбейн Младший и ван Дейк. А потом искусство портрета в Англии развилось до такого уровня, что именно английские художники стали получать приглашения в друге страны. Лучшая пора портрета связана с именами художников Джошуа Рейнольдса (1723 - 1792 г.г.) и Томаса Гейнеборо (1727 - 1788 г.г.). Будучи соперниками, оба творца сделали неоценимый вклад в искусство Англии.

Любимым персонажем портретов Рейнольдса, первого президента Королевской академии искусств, прирожденного лидера и блестящего оратора, был человек с сильным характером, пульсирующий активностью. Ему позировали политические деятели, знаменитые актеры, писатели и военачальники. Не удивительно, что в полотнах Рейнольдса преобладают тона красного и золотого. Объемы прорисованы уверенно и плотно. Все это отражает решительность и твердость характеров героев его картин.

Картины Гейнсборо, любителя музыки, напротив, наполнены утонченной поэтичностью. Художник, тонко чувствующий связь природы с человеком, обыгрывает образы в жемчужно-серых и серебристо-голубых тонах. Герои его картин - нежные, мечтательные и утонченные личности. На первый план выходит состояние человека, его ощущения. Гейнсборо преуспел в написании портретов женщин и детей. Так, его картина "Голубой мальчик" (ок. 1770 г., галерея Хантингтон, Сан-Марино, США) может соперничать с портретами ван Дейка. Кажется, техника написания Гейнсборо пропитана музыкальной гармонией и еле уловимым волшебством.

Томас Гейнсборо. Голубой мальчик

Таким образом, золотой век английской живописи тесно связан с именами Хогарта, Рейнольдса и Гейнсборо, давшим жизнь живописи Англии и подарившими расцвет портретному искусству.

При использовании данных материалов ссылка на блог - обязательна. Уважайте труд других!

воскресенье, 15 сентября 2013 г.

Барокко

Барокко в переводе с итальянского означает "странный", "причудливый". В конце XVI - середине XVIII в.в. это был самый распространенный стиль в архитектуре Европы. Этот стиль получил свое признание в тот момент, когда в Европе уже интенсивно складывались национальные государства с абсолютной монархией; наиболее популярен был в странах, которые образовались при феодально-католическом развитии. Стиль барокко всей своей пышностью и роскошностью, как бы прославлял и показывал богатство, власть и социальный статус аристократии и церкви. Но ограничивать барокко только рамками аристократии и церкви было бы не правильно, потому что, пусть и косвенно, но все же в этом искусстве нашли свое отражение национально-освободительные и антифеодальные движения народов. Барокко сменило гуманистическую художественную культуру эпохи Возраждения, принеся с собой новое воплощение представлений о многообразии, единстве и безграничности окружающего человека мира. Для искусства барокко характерны пышность, грандиозность и динамика, интенсивность чувств, патетическая приподнятость, пристрастие к эффектным зрелищам, сильным контрастам масштабов и ритмов, совмещению иллюзорного и реального, материалов и фактур, света и тени.

Большой Екатерининский дворец в Пушкине

Синтезу искусств в барокко, носящему всеобъемлющий характер и затрагивающему практически все слои общества (от государства и аристократии до городских низов и отчасти крестьянства), свойственно поражающее своим размахом, торжественное, пышное монументально-декоративное единство. Весь ансамбль города: улицы, парки, площади, усадьбы стали представляться перед зрителем как целая развивающаяся организованная художественная композиция. Роскошные церкви и дворцы барокко благодаря своей причудливой фасадной пластике, сложным очертаниям плана, игры светотени приобрели пышную динамичность, вливаясь в окружающее пространство. Здания украшались скульптурой, многоцветной лепкой, резьбой; зеркала и росписи интерьера визуально расширяли и увеличивали пространство, живопись потолков и плафонов создавала иллюзию разверзшихся сводов.

В барокко преобладали декоративные композиции мифологического, религиозного или аллегорического характера, парадные портреты, подчёркивающие привилегированный статус человека. Сочетание идеализации с бурной динамикой образов, неожиданные композиционные и оптические эффекты, религиозная аффектация - с подчёркнутой чувственностью, реальность - с фантазией, а нередко и с острой натуральностью и материальностью форм, граничащей с иллюзорностью.

Антонис ван Дейк

В XVI в. на родине барокко, в Италии, появились первые его признаки в монументальной живописи Корреджо, демократическом бунтарстве творчества Караваджо, скульптуре Джамболоньи, постройках Дж. Виньолы. В творчестве скульптора и архитектора Джованни Лоренцо Бернини, архитектора Франческо Борромини, живописца Пьетро да картоны нашел свое наиболее яркое и полное воплощение стиль барокко. Позднее итальянское барокко перешло к фантастичным постройкам архитектора Гварино Гварини, живописи А. Маньяско и С. Розы, головокружительной лёгкости росписей Джованни Баттиста Тьеполо. Нидерландская живопись Рубенса и его учеников ван Дейка, Снейдерса, Йорданса, Броувера и Тенирса, рождённая Нидерландской буржуазной революцией 1566-1602, внесла в искусство барокко мощные жизнеутверждающие реалистические и подчас народные начала. В Испании в XVII в. некоторые черты барокко проступали в архитектуре Хуана де Эрреры, в реалистической живописи Франсиско Сурбарана и Хусепы Риберы, скульптуре Монтаньеса. В XVIII в. в архитектуре Чурригеры формы барокко достигали необычайной сложности и декоративной изощрённости, но ещё большей изощренности достигли в странах Латинской Америки в "ультрабарокко". Архитекторы Фишер фон Эрлах и Хильдебрандт и живописец Маульберч - в Австрии, архитекторы и скульпторы Нёйман, Пёппельман, Шлютер, семья архиткторов Динценхофер братья Азам - в Германии и других странах Западной Европы смогли объединить стиль барокко с тенденциями рококо. Во Франции, где ведущим стилем в XVII в. стал классицизм, барокко оставалось до середины века побочным течением, но с полным торжеством абсолютизма оба направления слились в единый помпезный, так называемый, "большой стиль". Понятие "барокко" иногда ошибочно распространяли на всю художественную культуру XVII в., в том числе и на явления, которые были далеки по стилевому содержанию от барокко, например, "московское барокко" или нарышкинское барокко, в русском зодчестве конца XVII в. Во многих странах Европы в XVII в. сложились и яркие национальные реалистические школы, опиравшиеся как на приёмы караваджизма, так и на местные художественные традиции реализма. Они наиболее ярко выразились в неповторимо своеобразном творчестве великих мастеров Диего де Сильва Веласкеса в Испании, Вермера Делфтского, Халса, Рембрандта ван Рейна в Голландии и др., принципиально отличном, а порой и сознательно противопоставленном художественным концепциям барокко. В России развитие искусства барокко, отразившего рост и укрепление дворянской абсолютной монархии, приходится на первую половину XVIII в. Стиль барокко в России был свободен от экзальтации и мистицизма, что характерно для искусства католических стран и обладал рядом национальных особенностей. Русская архитектура барокко, достигшая величественного размаха в городских и усадебных ансамблях Петербурга, Петергофа, Царского Села и др., отличается торжественной ясностью и цельностью композиции зданий и архитектурных комплексов архитекторов Земцова, Растрелли, Ухтомского и Чевакинского. Эпоха барокко отмечена повсеместно подъёмом монументальной живописи и декоративно-прикладного искусства, тесно взаимосвязанных с архитектурой. В первой половине XVIII в. барокко эволюционирует к грациозной лёгкости стиля рококо, сосуществует и переплетается с ним, а с 1770-х гг. повсеместно вытесняется классицизмом.

При использовании данных материалов ссылка на блог - обязательна. Уважайте труд других!

понедельник, 18 июня 2012 г.

Французские художники XV - XVIII. Часть III

Никола Пуссен

Никола Пуссен. Автопортрет

XVII век в Европе ознаменовался как столетие победы и господство разума человека, подъема науки. Именно в этот период практически повсеместно в европейских странах ученые сделали фундаментальное открытия. Важнейшие из них принадлежат таким ученым: итальянскому астроному и философу Галилео Галилею, английскому физику и математику Исааку Ньютону, голландскому философу - рационалисту Спинозе, французскому математику Рене Декарту. безмерное стремление к торжеству человеческого разума выражено в суждении, бросившем вызов вечности: "Я мыслю, следовательно, я существую" (Р. Декарт). Тем временем во французском искусстве зараждается новое направление - классицизм. Все виды искусства - и живопись, и архитектура, и литература пропитаны идеями героизма, мужества и отваги, преданности своему государству, однако влияние на разум и кисти художников этого столетия все же оказывает искусство античности.

Основателем классицизма во французской живописи является Никола Пуссен (1594 - 1665), долгое время живший и работающий в Риме. Отдавая предпочтения античному искуссиву, сам художник восхищался работами Рафаэля Санти и Тициана Вечеллио. Картины Пуссена приковывают своей рассудительностью и рациональностью построения, все было продумано и выверено до мельчайших деталей: размещение героев полотен, геометрическая точность чертежей. Вместе с тем, вопреки такой педантичности в произведениях Пуссена отсутствуют элементы нудной и рассудочной конфигурации.

В первых известных картинах уже обнаруживаются все его качества. Эти картины были написаны им около 1630 г. для римского кардинала Барберини - "Смерть Германика" и "Разрушение Иерусалима".

Никола Пуссен. "Смерть Германика"

Никола Пуссен. "Разрушение Иерусалима"

Наиболее известными картинами Пусена написанными в период творческой жизни в Риме являются: "Похищение Сабинянок", "Сбор манны", "Нахождение Моисея", "Парнас", написанная в духе Рафаэля, "Преследование Сиринги паном".

Никола Пуссен. "Похищение Сабинянок"

Никола Пуссен. "Сбор манны"

Никола Пуссен. "Нахождение Моисея"

Никола Пуссен. "Парнас"

Никола Пуссен. "Преследование Сиринги паном"

Не смотря на огромное количество картин, относящихся к последнему периоду жизни в Риме, наибольший резонанс вызвало изображение Тайной Вечери в виде римского триклиниума с возлежащеми гостями из второй серии "Св. Даров". Полотно с Диогеном, бросающим чашу. Также незамеченными не остались изысканные произведения мастера "Аркадские пастухи", и "Завещание Эвдамида", реалистичная и нежная история Орфея и Эвридики

Никола Пуссен. "Тайная Вечеря"

Никола Пуссен. "Аркадские пастухи"

Никола Пуссен. "Орфей и Эвридика"

Антуан Ватто

Портрет Антуана Ватто

Отсутствие сильной страсти у героев, любовь к галантным сценам, беззаботного времяпрепровождения в тенистых парках и одновременно с этим тонкое проникновение в человеческую психологию, неподдельная поэзия - это все характерные черты искусства французского живописца Антуана Ватто.

Художник родился во фламандском городе Валансьене, захваченным королем Людовиком XIV не задолго до его рождения. Первым учителем Ватто был Жак-Альбер Герен.

Приблизительно в 1702 году художник перебрался в Париж, где был копиистом, копировал в основном произведения Рубенса, Ван Дейка и др. фламандских живописцев. В следуещем году продолжил дальнейшее свое обучение у Клода Жило и Клода Одрана до 1709 г. Обучение у этих художников пробудило интерес к театру и декоративному искусству. В 1717 стал академиком Королевской академии живописи и скульптуры. Умер знаменитый художник в 18 июля 1721 г. в городе Ножан-сюр-Ман.

Ватто отличало от его многих подражателей и модных, на то время, мастеров рококо, присущее живописное мастерство да еще своеобразная лиричность.

Одни из лучших картин художник посвятил театру. Актеры, которых он писал, были со сложным внутренним миром, ему удается передать раздвоенность актера между его душевной настроенность и ролью на сцене театра.

Антуан Ватто. "Жиль"

Антуан Ватто. "Музыкальное парти в летнем театре"

Антуан Ватто. "Любовная гамма"

Антуан Ватто. "Диана у ручья"

Антуан Ватто. "Капризница"

Антуан Ватто. "Прибытие на остров Киферу"

Антуан Ватто. "Актеры французского театра"

Антуан Ватто. "Танец"

Читать часть I

Читать часть II

При использовании данного материала ссылка на блог - обязательна

пятница, 11 мая 2012 г.

Французские художники XV - XVIII вв. Часть II

Жак Калло

В начале XVII в. в искусстве Франции появляются новые персонажи и новые сюжеты. Оно выходит за пределы дворцов и начинает интересоваться не только жизнью придворных. В гравюрах Жака Калло можно встретить солдат, цыганей, бродячих актеров, нищих.

Автопортрет Жака Калло

Родился знаменитый французский художник в 1592 г. в городе-коммуне Нанси региона Лотарингия, в многодетной семье Жана Колло. Уже с детства Жак Калло проявлял большой интерес и талант к рисованию, рисуя все что видел. По одной из версий будущий знаменитый художник в возрасте десяти лет отправился пешком в Рим с бродячими цыганями это было в 1602 г.. В Италии он освоил искусство офорта, которому он учился у знаменитого гравера Антонио Темпеста. С 1611 г. Жак Калло работал и учился во Флоренции, а учился он в мастерской Джулио Париджи. Благодаря своему мастерству и искусству, Калло завоевывает большую популярность и он начинает работать при дворе Медичи. В 1617 г. Калло существенно изменяет и усовершенствует технику гравирования, открыв новый вид кислотоупорного лака.

После смерти Козимо II Медичи в 1621 г., Калло возвращается из Флоренции во Францию. В 1627 г. он уезжает путешествовать в Нидерланды, а спустя два года возвращается на родину. С 1629 г. жил в Париже. Умер великий французский мастер офорта в 1695 г. в родном Ненси.

Для Калло война была особой темой и поэтому он создал серию листов "Большие бедствия войны". В этой серии на офорте "Повешение" художник показал символ страданий и ужасов войны в виде дуба, у которого вместо плодов трупы повешенных.

Жак Калло. "Дерево с повешенными" ("Повешение")

Конечно же он рисовал не только про войну. В некоторых своих работах художник отображал циркачей, циганей, нищих и виды родной Лотарингии, Франции и Италии.

Вот некоторые работы Жака Калло:

Жак Калло. "Вид Лувра". Из серии "Большие виды Парижа"

Жак Калло. "Большая мельница". Из серии "10 итальянских пейзажей"

Жак Калло. "Слепец с собакой". Из серии "Нищие"

Жак Калло. "Дама в маленькой шляпке". Из серии "Лотарингское дворянство"

Братья Антуан, Матье и Луи Ленен

Знаменитые французские братья родились в городе Лане. В основном они писали портреты и картины из жизни бедноты, крестьян и мелких буржуа. Из-за того что они подписывали свои работы одной фамилией и писали в одной манере - трудно различить их работы. Но все же различия есть, например, Луи Ленену принадлежит большая часть картин из жизни крестьян, Антуану Ленену - миниатюры, а Матье Ленену - портреты.

В 1629 году братья переезжают в Париж и поселяются в Сен Жермене, где открывают свою мастерскую, в которой главным стал самый старший из братьев Антуан.

Через три года после создания мастерской в 1632 г Антуан договорился с Парижской муниципальной галереей о создании группового портрета и в это же время получает заказ на создание декораций в церкви Богоматери де Птиз-Опостэн. К сожалению из 6 созданных композиций сохранились лишь 4 из них.

В 1648 г Антуана и его брата Луи приняли в Королевскую академию живописи и скульптуры, но в этом же году они оба скончались. Про Антуана мало, что известно, но возможно что именно он раскрыл талант к живописи у своих младших братьев и обучал их этому мастерству.

Луи Ленен наиболее популярный из братьев. Большая часть его работ содержит сюжеты из крестьянской жизни.

В картинах Луи Ленена вы не найдете дорогих вещей, богатой обстановки, роскошной одежды, напыщенных богачей или распирающих от власти королей. В его картинах можно увидеть только крестьян, которым приходится тяжело работать, чтобы прокормить себя и свою семью.

Луи Ленен. "Визит к бабушке"

Но художник старался изобразить крестьян не замученных от работы, а их обыденную жизнь. Как в картине "Визит к бабушке", в которой он изобразил, скорей всего, ее внуков, пришедших проведать свою бабушку, а один из них играет на флейте, чтобы порадовать ее. В этой картине Луи показывает насколько крепки семейные узы крестьян, что они имеют уважение к старшим.