Ионический ордер

Ионический ордер

Ионический ордер является одним из трех древнегреческих архитектурных ордеров, возникший в Ионии на северо-западном побережье Малой Азии у Эгейского моря. В V в. до н. э. получил широкое распространение на территории Древней Греции. 

От предшествующего дорического ордера отличается декором всех частей и легкостью пропорций.

Построенный архитектором Роикосом в 570 - 560 годах до н. э. храм Геры в Самосе считается первым из больших храмов ионического ордера, который вскоре был разрушен землетрясением. А самым выразительным представителем этого ордера стал храм Артемиды Эфесской, которыый попал в число "Семь чудес света".

Ионический ордер бывает двух вариантов: малоазийский - является основным и без фриза, аттический - появился позже и просто как модификация малоазийского ионического ордера.

Колонна ионического ордера отличается от дорического тем, чтоделится на три части: ствол, основание, капитель. База опирается на квадратный плинт (плита). Выпуклые полувалы или торусы базы, украшались орнаментальной порезкой или горизонтальными желобками,  похожими на каннелюры. Скоции (вогнутые элементы) обычно оставляли гладкими.

Ионическая капитель

Ионическая капитель отличается от дорической волютами. Волюты представляют из себя спиральные сдвоенные  орнаменты, которые вылепливаются на эхине по боковым сторонам капители и соединенны между собой валами, называемыми балюстры. Изначально волюты лепили в одной плоскости, а затем стали в четырёх плоскостях. Эта особенность ионического ордера сделала его устойчивым к критическим взглядам, высказывавшемся в IV веке до н. э., чем дорический ордер. Эхин в ионическом ордере находился под подушкой между волютами, как бы выглядывая из под них. Эхин и абака как правило украшались роскошной порезкой, более мелкой у абаки и крупной, в виде иоников, у эхина; они называются овы и представляют собой орнамент из яйцеобразных элементов, чередующихся обычно с стрелками и  листьями.

После непродолжительного экспериментирования с каннелюрами, их количество на стержне колонны было установлено в 24 шт. Такая стандартизация позволила сохранить пропорцию каннелюры по отношению к диаметру колонны не зависимо от масштаба, даже при завышенной высоты колонны. Каннелюры представляли собой половину окружности или эллипса, причем борозды разделялись между собой полосками цилиндрической образующей ствола, то есть дорожками. Расстояние между каннелюрами, в отличие от римской архитектуры, было очень маленьким, в результате чего они легко повреждались. Благодаря более глубоким бороздам и выраженным граням дорожек, ионический ордер выделялся своей игрой светотени, в отличие от дорического ордера.

Ионическая колонна всегда более стройна, чем дорическая: её высота в период архаики равнялась восьми диаметрам (1:8), а позднее превышала девять диаметров (1:9). Утончение ствола кверху также было меньше, чем например в дорическом ордере. Греческие зодчие расставляли колонны очень широко, стремясь таким образом к получению ощущения легкости и изящества.

В малоазийском ионическом ордере база почти не расширяется к низу, она отличается сложностью своей прорисовки. Её основу составляют две части: основание, близкое по форме к цилиндру, и торус. Иногда к ним добавлялось ещё одно основание базы, кроме плинта, которое состояло из трех элементов в виде двойного валика каждый, разделявшихся двумя скоциями. Такая база встречается чаще всего.

Антаблемент такой разновидности ионического ордера состоит из двух частей: архитрава и карниза. Архитрав зрительно выглядит легче дорического, за счет того, что небольшие горизонтальные уступы разделяют его на три гладкие, нависающие друг над другом полосы -фасции. Между архитравом и карнизом располагается пояс «сухариков». Венчающая часть -сима — украшалась очень богатой орнаментальной прорисовкой. Кровля малоазийского варианта чаще всего была плоской, что соответствовало основным архитектурно-строительным традициям региона.

Возникновение аттического ионического ордера было связано со строительством важнейших сооружений греческой культуры, например, ансамбля афинского Акрополя. Сильное влияние на процесс становления аттического ионического ордера оказал опыт традиций работы зодчих Аттики.

Аттическая база расширяется книзу, обозначая тем самым передачу давления от колонны на основание. База состоит из двух торусов, разделенных скоцией, причем именно форма скоции определяет расширение базы. Плинт в базе не считается обязательным элементом. Антаблемент состоит не из двух частей, как в малоазийском варианте, а из трех, как в дорическом ордере. Отличие аттического антаблемента заключается в том что фриз не разделён на триглифы и метопы, а огибает здание сплошной неразделённой полосой, гладкой или украшенной скульптурным рельефом.

Колонны аттического ионического ордера в целом не отличаются от малоазийского варианта. В небольших храмах существуют портики в которых колонны заменены статуями девушек. Но это лишь подвид аттических колонн. Кровля по своему устройству не отличается от дорического ордера.

Музыкальные жанры

Классическая музыка представляет собой огромное разнообразие жанров, различных по содержанию и по своим особенностями.

Жанры музыки делятся в зависимости от способа исполнения произведений. В первую очередь следует отметить вокальные жанры, в основе которых лежит переплетение голоса с лиричностью и эмоциональностью  слова. Именно вокальная музыка дала развитие инструментальным жанрам.

Таким образом, вокальная музыка представляет собой музыку, в которой главную роль исполняет голос, в сопровождении инструментов или "а капелла". Песня, романс, опера, оратория, кантата, и даже хор - все это вокальная музыка.

Не трудно догадаться, что самой простой и известной формой вокальной музыки является песня. Именно в песне лирический текст соединяется с незамысловатой мелодией. Нередко песня идет в паре с оркестикой или мимикой. Отличительной чертой песни является неоднократное повторение напева, причем главная мелодия одна и та же,  а окраску ей придает меняющийся текст. Также на выразительность мелодии влияет аккомпанемент. Наиболее простые аккорды аккомпанемента способны усилить красочность и образность текста. Так, например, в песне Глинки "Жаворонок" присутствует и звонкий птичий щебет, и искусные переливчатые трели. А в аккомпанементе музыкальной баллады Шуберта "Лесной царь" явно слышится скачка коня.

А. Вяльцева

Выразительным средством самой песни являются ритм, звук и мелодия, т. к. песня - музыкально-словесное искусство.

Н. Плевицкая

Наибольшую популярность в XIX в. получил романс - жанр, превосходящий по сложности песню. Само определение "романс" появилось в средневековой Испании и обозначало оно не духовную светскую песню на испанском языке. Как правило, это небольшое музыкальное сочинение на стихи любовно-романтического характера. Но все-таки романс зародился именно из песни. Настроение этого жанра держат и слова, и музыка. Расцвет романса в России наступил в начале XX в. Русские романсы были наполнены цыганскими мотивами. Наиболее прославленными исполнителями жанра были А. Вертинский, А. Вяльцева, Н. Плевицкая и др.

А. Вертинский

Несколько музыкальных произведений, концертов или альбомов, одинаковых по смыслу и форме, объединенных по стилю и характеру, идее и музыкальной тематике составляют музыкальный цикл. Например, фортепианный цикл П. И. Чайковского "Времена года", вокальный цикл Людвига ван Бетховена "К далекой возлюбленной".

Существуют и такие вокальные жанры, предназначенные для группы исполнителей - дуэты, трио, квартеты и т. д., а также для музыкального ансамбля или многочисленного музыкального коллектива - хоровые жанры. Хор может быть частью состава оперы, оратории, кантаты. Например, хор Половецких девушек из оперы А. П. Бородина "Князь Игорь". Руководит хором дирижер или хормейстер.

Кантата - произведение для солистов, хора или симфонического оркестра. Исполняется не только в концертах, а и в церквях, поэтому может содержать как светскую, так и духовную тему, быть лирической  или торжественной, скорбной или радостной, иметь философский смысл или просто повествовать о каком-либо событии. Наиболее известные кантаты начала XIX в. - произведения А. Н. Верстовского "Пир Петра Великого" на стихотворение А. С. Пушкина и "Последний день Помпеи" на либретто Ю. К. Арнольда.

Г. В. Свиридов

Оратория - большое музыкальное произведение для солистов, хора или оркестра. В отличие от кантаты сюжет оратории более разветвлен и драматичен, а сольные партии по сюжету принадлежат конкретным личностям. От оперы же отличается тем, что оратория исполняется без костюмов, декораций и без всякого сценического действия. Авторами ораторий являются такие знаменитые композиторы, как Бах, Бетховен, Моцарт, Гайдн и Мендельсон. Пик развития жанра в России пришелся на советское время. Самыми известными произведениями того времени являются "Патетическая оратория" Г. В. Свиридова и "На страже мира" С. С. Прокофьева.

Опера - поистине самый глубокий и многоликий жанр музыкально-драматического искусства. Опера изобилует красками. Этот жанр - настоящий калейдоскоп событий. Захватывающая дух драматургия и трогающая до глубины души поэзия, величественные декорации и яркие костюмы, завораживающая музыка и сложная хореография,  богатая живопись и выразительная мимика - опера способна поразить и пришедшего на представление впервые, и вновь изумить искушенного яркими зрелищами зрителя.

Почти всегда автор пишет оперу на литературный сюжет - либретто. Как правило, опера сочетает звучание оркестра, пение и речитатив. Речитатив - вокально-музыкальная форма, речь нараспев, певучий разговор. Начинается опера с увертюры - оркестровой пьесы, своеобразного вступления, в общих чертах описывающего все действие.

Зародилась опера в Италии из духовных представлений - мистерий. Именно в итальянской Венеции в 1637 г. был открыт первый публичный оперный театр. До этого опера была придворным развлечением. Некоторые историки полагают, что опера уходит корнями в античную трагедию.

Инструментальные жанры дают начало двум группам музыкальных произведений - камерной и симфонической.

Камерная музыка предназначена для исполнения солистом или малым количеством музыкантов в небольшом кругу слушателей. К камерным произведениям относятся: соната, сюита, ноктюрн, вариация, прелюдия, экспромт. Их исполняют как солирующие инструменты, так и музыкальные трио, квартеты и т. д.

П. И. Чайковский

Одной из первых и старых форм инструментальной музыки является тема с вариациями. Неудивительно, что основывается она на народном творчестве. Строится такая музыкальная форма путем видоизменения основного сюжета, первоначальной мелодии, именуемой темой. В теме меняются ритм, оттенок музыкального сопровождения, мелодические обороты. Тема мажет быть как оригинальной, так и позаимствованной (из народной песни). Пример таких вариаций можно найти в "Детском альбоме" П. И. Чайковского; а пьеса с названием "Русская песня" является производной русской народной песни "Голова ль ты моя, головушка".

Еще одна давно известная музыкальная форма - сюита, состоящая из нескольких небольших частей и имеющая циклическую форму.  Довольно часто сюита является музыкально-хореографическим произведением, состоящим из нескольких танцев. Таким образом она связана с песней и танцем, отличающимися по ритму, темпу и характеру. В отличие от сонаты и симфонии части сюиты более самостоятельны и независимы друг от друга. Правильную очередность частей сюиты определили в Германии в XVII в.:

1. Основная часть - умеренно-медленная немецкая аллеманда.

2. Быстрая стремительная французская куранта.

3. Медленная и торжественная испанская сарабанда.

4. Широко известный быстрый старинный танец жига.

Н. А. Римский-Корсаков

Для XVII - XVIII в.в. характерны танцевальные сюиты. В XVIII в. в сюиту добавили два танца: теперь между сарабандой и жигой были веселый менуэт, полонез, буррэ и др.Нетанцевальные сюиты для оркестра появились в XIX в. Самой известной, пожалуй, можно назвать "Шехерезада" Н. А. Римского-Корсакова, а также "Картинки с выставки" М. П. Мусоргского.

Соната - жанр инструментальной музыки, сложившийся в конце XVIII в. и ставший одним из самых любимых. Классические сонаты создавались композиторами для небольшого количества инструментов - одного или двух. Наиболее известные творцы XVIII в. - Моцарт, Бах, Гайдн. Их композиции в основном включали две-три части, отличавшиеся музыкальными образами.

Начиналась соната с динамично раскрывающейся первой части, основанной на развитии двух противоположных музыкальных тем, состоящей из: экспозиции - завязки, разработки - взаимодействия тем, репризы - повторения и коды - итога. Вторая часть - более мелодичная, нежная, плавная. Третья часть сонаты - финал, как в первой части энергичная музыка, но отличающаяся по характеру. Нередко лирической частью сонаты служил менуэт. Бетховен и вовсе сочинял сонаты в четырех частях, тогда вслед за лирической частью танцевальная пьеса менуэт или оживленное шутливое скерцо помещалось как отдельная часть сонаты.

Симфоническая музыка отличается от камерной тем, что предназначена для симфонического оркестра, является более глубокой, грандиозной, но вместе с тем доступной и понятной. Также симфоническими по содержанию, конструкции и композиционному развитию могут считаться и произведения для небольших ансамблей и отдельно солирующих инструментов.

Симфоническая музыка поражает многообразием музыкальных форм и жанров:

- увертюра - оркестровая пьеса, представляющая собой вступление к опере, балету или самостоятельное произведение. Рихард Вагнер и Иоганн Штраус-младший представляли свои программные (по самостоятельному сюжету или сюжету литературного произведения) увертюры, кратко повествующие о содержании предстоящей драмы;

- симфоническая фантазия - произведение свободной формы;

- программные произведения в одной части - симфонические поэмы;

- произведения в нескольких самостоятельных частях - симфонические сюиты.

Симфониявключает в себя ряд контрастирующих между собой музыкальных частей, обычно три или четыре. Такое произведение напоминает драматическую пьесу в нескольких актах. Классическими примерами являются симфонии Моцарта, "Богатырская симфония"А. П. Бородина.

Концерт - богатое и сложное произведение для солирующего инструмента в сопровождении оркестра. Исполнитель концерта без преувеличения должен быть  виртуозом. На сцене происходит своеобразное состязание: оркестр то замолкает, завороженный страстностью чувства и изяществом звуковых узоров в партии солиста, то перебивает его, спорит с ним, а потом, ликуя, подхватывает его тему.

Впервые появившись в XVI в., концерт тесно связан с именем великого Моцарта. Свой вклад в развитие исполнительного искусства своими концертами для разнообразных инструментов сделали также Бетховен, Шопен, Шуман, Дворжак, Григ, Рахманинов, Чайковский, Хачатурян, Кобалевский.

Бесспорно, симфоническая музыка является величайшим явлейнием мировой музыкальной культуры.  В бесконечно разнообразных сочетаниях музыкальных образов и в контрастном чередовании их ритмов, темпов и движений - быстрого, медленного, легкого танцевального и снова стремительно быстрого - создатели симфоний с большой художественной силой воссоздают различные стороны действительности.

Самым распространенным и любимым жанром XIX в. можно назвать романс. Мелодия романса намного сложнее песни, т. к. кроме широкого песенного склада бывает еще и напевно-декламационного

При использовании данных материалов ссылка на блог - обязательна. Уважайте труд других!

Искусство Англии XVIII в.

Упоминание о первом знаменитом английском художнике уходит в далекий XVIII в. и касается оно Уильяма Хогарта  (1697 - 1764 г.г.) - блестящего портретиста, иллюстратора, автора острых сатирических гравюр.  Удивительно, что величественная Англия, опережавшая в своем развитии всю Европу, славилась выдающимися изобретателями, учеными и писателями, но была обделена яркими представителями изобразительного искусства вплоть доXVIII в.

Автопортрет Уильяма Хогарта. 1745

Уильям Хогарт вошел в историю не только английского, а и мирового искусства. Именно он и его творчество стали сильным связующим звеном между изобразительным искусством, театром и литературой. Его друзьями были писатели Свифт и Филдинг, а также знаменитые актеры того времени Дэвид Гаррик и Эдмунд Кин. 

Уильям Хогарт. Дэвид Гаррик в роли Ричарда III. 1745

С раннего детства имеющий способности к рисованию и блестящую память на детали, но не имея средств на образование, Хогарт, так и не доучившись в начальной школе, стал помощником у гравера по серебру. Там он познакомился с азами работы с металлом и открыл для себя стиль рококо. Позже, став единственным кормильцем в семье, художник занялся изготовлением мелких изделий - гербов и визиток. Разумеется, такая работа не доставляла удовольствия. Желая быть частью высокого искусства, он начал посещать уроки живописи в частной художественной академии Лондона, параллельно занимаясь самообразованием. 

В 1720 г. Хогарт открыл небольшую граверную мастерскую. Чуть позже, бросив академию, посещал школу живописи и рисунка, овладел искусством книжной иллюстрации.

Его серии картин "Карьера мота" (1732 - 1735 г.г., Музей Соуна, Лондон), "Модный брак" (1743 - 1745 г.г., Национальная галерея, Лондон) повествуют о судьбе и приключениях героев с блестящим юмором и поразительной проницательностью. К своему искусству Хогарт относился ответственно, вкладывая в свои творения глубокий смысл, конечной целью видя воспитание нравственности человека посредством искусства, и искоренение человеческих пороков тем же способом. Чтобы как можно больше людей ознакомились с его картинами, художник делал с них гравюры, которые были интереснее тех самых картин и раскупались еще быстрее. 

Серия картин Уильяма Хогарта "Карьера мота":

Сцена первая. Вступление в наследство

Сцена вторая. В богемном окружении

Сцена третья. В таверне

Сцена четвертая. Остановка из-за долгов

Сцена пятая. Женитьба на старой деве

Сцена шестая. В игорном доме

Сцена седьмая. В тюрьме

Сцена восьмая. В сумасшедшем доме

Серия картин Уильяма Хогарта "модный брак":

Сцена первая. Брачный контракт

Сцена вторая. Вскоре после свадьбы

Сцена третья. Визит к шарлатану

Сцена четвертая. Будуар графини

Сцена пятая. Дуэль и смерть графа

Сцена шестая. Смерть графини

Всю жизнь занимаясь написанием портретов, Хогарт блестяще и совершенно точно научился передавать характер человека. Это умение принесло художнику успех. Одна из его картин - "Девушка с креветками" (после 1750 г., Национальная галерея, Лондон) прославила его как одного из лучших портретистов мира, правда уже много позже. Художник с легкостью передал на полотне молодость, веселое настроение, восторг и радость, переходящие на зрителя заразительное веселье и задор девушки.

Уильям Хогарт. Девушка с креветками. после 1750

По праву портрет считался излюбленным жанром живописи в Англии. Не случайно до XVIII в. в Англию приглашались знаменитые портретисты - Ганс Гольбейн Младший и ван Дейк. А потом искусство портрета в Англии развилось до такого уровня, что именно английские художники стали получать приглашения в друге страны. Лучшая пора портрета связана с именами художников Джошуа Рейнольдса (1723 - 1792 г.г.) и Томаса Гейнеборо (1727 - 1788 г.г.). Будучи соперниками, оба творца сделали неоценимый вклад в искусство Англии.

Любимым персонажем портретов Рейнольдса, первого президента Королевской академии искусств, прирожденного лидера и блестящего оратора, был человек с сильным характером, пульсирующий активностью. Ему позировали политические деятели, знаменитые актеры, писатели и военачальники. Не удивительно, что в полотнах Рейнольдса преобладают тона красного и золотого. Объемы прорисованы уверенно и плотно. Все это отражает решительность и твердость характеров героев его картин.

Картины Гейнсборо, любителя музыки, напротив, наполнены утонченной поэтичностью. Художник, тонко чувствующий связь природы с человеком, обыгрывает образы в жемчужно-серых и серебристо-голубых тонах. Герои его картин - нежные, мечтательные и  утонченные личности. На первый план выходит состояние человека, его ощущения. Гейнсборо преуспел в написании портретов женщин и детей. Так, его картина "Голубой мальчик" (ок. 1770 г., галерея Хантингтон, Сан-Марино, США) может соперничать с портретами ван Дейка. Кажется, техника написания Гейнсборо пропитана музыкальной гармонией и еле уловимым волшебством.

Томас Гейнсборо. Голубой мальчик

Таким образом, золотой век английской живописи тесно связан с именами Хогарта, Рейнольдса и Гейнсборо, давшим жизнь живописи Англии и подарившими расцвет портретному искусству.

При использовании данных материалов ссылка на блог - обязательна. Уважайте труд других!

Английский театр эпохи Возрождения

Уильям  Шекспир

Формирование и становление английского театра происходило под влиянием творчества выдающегося английского поэта Уильяма Шекспира (1564 - 1616 г.г.). Творчество Шекспира является результатом всего предшествующего развития драматического искусства, кульминацией театрального стихотворного искусства мира, и дает перспективу дальнейшему развитию искусству театра. 

В раннем периоде своего творческого пути Шекспир в значительной мере  преуспел в написании светлых радостных комедий, а также исторических хроник. Наиболее известные плоды довольно жизнерадостного этапа творчества - романтические комедии "Сон в летнюю ночь", "Венецианский купец", "Много шума из нечего", "Как вам это понравится", "Двенадцатая ночь". 

Затем настал период трагедий, вызванный во многом историческими событиями, резко обнажившими противоречивость мира. На смену гуманистически идеальному образу человека, царившего в произведениях Шекспира, пришел новый герой - властолюбивый собственник, эгоистичный и корыстолюбивый.

Шекспировские самоотверженно бросали вызов и вступали в борьбу с всесильными противниками. Недостатки и роковые ошибки героев, ломающие их судьбы и судьбы их любимых, изображенных в известных на весь мир трагедиях "Гамлет", "Отелло", "Король Лир", "Макбет", даже своей гибелью отстаивали и защищали идеи гуманизма, его идеалы, утверждая веру в человека в его светлое будущее. Критики считают этот период пиковым в творчестве Шекспира. 

Неудивительно, что будучи блестящим драматургом, Уильям Шекспир руководил театром. Театр "Глобус" был построен в 1599 году за чертой Лондона на южном берегу Темзы, так как власти были против зрелищ в городе. 

На верхушке здания располагалась небольшая вышка, на которой во время спектакля гордо развевался флаг.

Представление показывали под открытым небом -  простые люди стояли перед сценой, богатые же располагались поудобнее на рядах, тремя ярусами тянувшимися вдоль округлых стены театра. Сцена была разделена на три части: переднюю - просценариум, заднюю, накрытую соломенным навесом и отделенную двумя боковыми колоннами, на которых была расположена верхняя сцена - балкон. Саму сцену украшали коврами, а сверху вешали полотнище подходящего по случаю цвета: в комедиях - голубое, в трагедиях - черное. Деталями четко обозначалось место действия пьесы, например, наличие на сцене трона указывало на то, что действие разворачивается во дворце, а появление на сцене деревьев - что переносится в лес. Считается, что  Шекспировский театр был довольно вместительный - около 3000 зрительских мест.

Ричард Бербедж

Состав труппы был достаточно мал - от 8 до 12 человек, поэтому каждый актер исполнял три, а то и больше ролей за один спектакль. Женские роли приходилось играть миловидным юношам. Комедийными ролями прославились такие актеры как Ричард Тарлтон, который был любимым комиком Елизаветы I, и его преемник Уильям Кэмп. Знаменитыми трагическими актерами того времени были Эдуард Аллейн, особо полюбившийся зрителю в пьесах К. Марло, и Ричард Бербедж, друг и соратник Шекспира, блестяще исполнявший роли - Гамлета, Отелло, Лира, Ромео и Макбета.

Стоит отметить, что театр Шекспира был построен на деньги труппы актеров, участником которой был и сам Шекспир. Строительство театра велось с использованием конструкций из дерева на месте более раннего театра, называвшегося довольно незамысловато - "Театр". В 1613 году во время показа спектакля «Генрих VIII» театр "Глобус" сгорел. Но и на этом драматические события, связанные с театром не закончились. Отстроили театр после пожара в 1614 году, а в 1642, когда в Англии во всю уже набирала обороты буржуазная революция, "Глобус" был закрыт английскими протестантами (пуританами), а через два года и вовсе снесен. Тогда, в 1642 г. все театральные представления были под запретом специального указа парламента. Вновь возобновились массовые зрелища уже в 1660 г. после возрождения английской монархии. 

Открытие нового "Шекспировского театра "Глобус", состоялось уже в наше время, в 1995 году. Нынешний театр построен в 205 м. от его начального местоположения. Заслуживает внимания тот факт, что в современном "Глобусе" строители и архитекторы постарались сохранить дух того времени и воссоздать первоначальный вид театра: сцена, закрытая крышей, выступает в огромный груглый двор. Вокруг сцены - стоячие места для зрителей. Круглый двор окружен тремя наклоненными ярусами с сидячими местами. 

При использовании данных материалов ссылка на блог - обязательна. Уважайте труд других!

Испанский театр эпохи Возрождения

Испанцы первыми достигли высот драматической поэзии.

Первоначально театры в Испании создавались в гостиничных дворах, там, где сходились задние фасады нескольких домов - корралях. Окна служили ложами, а перед сценой размещалось несколько рядов скамей для знати; простые зрители толпились во дворе. Сценическая площадка была широкой. Посередине сцены висел занавес, разделяющий  ее на передний план и задний план. Балкон в зависимости от сюжета пьесы служил и башней, и окном, и горным уступом.

Открывался спектакль пением под аккомпанимент гитары, после чего произносился пролог. Затем разыгрывалась сама комедия. В антракте показывали небольшие танцевальные номера, пьесы, преимущественно комического характера, именуемые интермедиями, а также маленькие пьески в стихах с музыкой и плясками с двумя или тремя действующими лицами - сайнеты. Завершался спектакль танцевальным представлением с масками, песнями и шутками, в которые вовлекали и зрителей, - мохигангой.

Героями испанского театра бали люди сильные духом, с твердыми убеждениями, не допускающими поступков из корысти. Неудивительно, что в испанском драматическом искусстве власть королей, не следующих законам чести, осуждалась как форма деспотизма. 

Лопе де Руэда

Начало национальной истории испанского театра положил Лопе де Руэда (ок. 1510 г. - ок. 1565 г.), мастер комедии, бравший сюжеты для своих пьес прямо из жизни. Он был не только драматургом, но и блестящим актером, мастерски исполнявшим в одном спектакле несколько ролей, а также директором труппы, ставившей его пьесы в Севилье.

Свое творчество Лопе де Руэда в основном ориентировал на простых людей. Чтобы позабавить публику, в его пьесах всегда присутствуют острословные шуты и добродушные простаки. Именно Лопе де Руэда приписывают разделение пьес на акты.

Мигель де Сервантес
 Сааведра

Еще один выдающийся драматург того времени - всемирно известный Мигель де Сервантес Сааведра (1547 - 1616 г.г.), автор всемирно известного романа «Хитроумный идальго Дон Кихот Ламанчский». Свою литературную деятельность автор начал довольно поздно - в 38 лет. Всю свою жизнь Сервантес не прекращал писательской деятельности. Результатом его творчества стали остроумные интермедии, трагедийные пьесы, а также пьесы, воспевающие дух народного героизма и свободолюбия.

Лопе де Вега Карпио

Главенствующая роль в судьбе испанского театра принадлежит Лопе де Вега Карпио (1562 - 1635 г.г.). При нем испанский театр вышел на первое место среди европейских сцен конца XVI в. Сюжет его пьес выстроен таким образом, что событие, врывающееся в поток явлений,  нарушает спокойный ход действия, накаливая напряжение драматических переживаний до предела, выводя этот эмоциональный поток к осознанию строгой католической морали.

Педро Кальдерона
 де ла Барка

Лопе де Вега написал более 2000 пьес, из которых сохранились около 500. Его произведения - истинные "драмы чести", отстаивающие высокие идеи гуманизма и порицающие деспотизм и своеволие власть имущих. Лучшая его пьеса о крестьянской жизни - "Овечий источник", повествующая о восстании крестьян против феодала. Сюжет его поэтичных комедий о любви, так называемых комедий плаща и шпаги, полон запутанных обстоятельств и комичных хитростей героев. В этих комедиях утверждались главные идеи гуманизма: ценность человека в его личных достоинствах, в его уме и воле, силе духа и чистоте мотивов, а не в богатстве, власти и знатности рода.

Имя писателя Педро Кальдерона де ла Барка (1600 - 1681 г.г.) связано с завершающим и кризисным этапом "золотого века" испанского театра. В трагедиях, наполненных философским смыслом, также звучала вера в то, что человек и нравственность не разделимы, в то, что сила духа сможет побороть эгоизм и малодушие, в то, что человек способен жертвовать собой во имя высоких моральных идеалов и патриотических целей.

театр испании, испанский театр возрождения Лопе Лопе де вега овечий источник, золотой век испанского театра Кальдерона коррали интермедии мохиганг испанский театр в эпоху возрождения

При использовании данных материалов ссылка на блог - обязательна. Уважайте труд других!

Итальянский театр эпохи Возраждения

Итальянский театр эпохи Возрождения берет свое начало из народного искусства и тесно связан с философией гуманизма, зародившегося во время смены главенствующего класса феодалов новым классом - буржуазией. Люди, называвшие себя гуманистами, в центре своего внимания ставили человека, считая его высшей ценностью, тем самым поощряя всестороннее развитие его способностей.

Герои комедии дель арте: Бригелла, Панталоне, Доктор, Арлекино

Новизна, жизнерадостность и оптимистичность нового мировоззрения нашла свое отражение в шумных народных гуляньях. В Италии появились мастера импровизаций и лицедейства, поражавшие своими талантами и ловкими перевоплощениями на карнавалах, маскарадах и пиршествах. В Венеции полюбились изобретательные персонажи-маски:Бригелла,Арлекино, Панталоне и Доктор. Именно в то время родились маски персонажей первого европейского профессионального театра - комедии дель арте. Другое название этого итальянского народного театра - комедия масок. Каждое выступление - это импровизация актеров, одетых в маски, на основе сценария с краткой сюжетной линией. Слава о комедии масок, гремевшая по всей Европе, не миновала и далекую Россию.

Именно в спектаклях комедии дель арте берут свое начало законы театрального искусства. Уже тогда было зафиксировано, что главной особенностью сценического искусства является живое, ни на минуту не прекращающееся действие, а театральное искусство создается коллективно, т. е. посредством работы ансамбля.

В то же время в Италии существовал любительский гуманистический театр. Его аудитория - ученые и аристократия.

В XVI в. формируется такой жанр итальянской драматургии театра эпохи Возрождения как "ученая" комедия. Название говорит само за себя, что авторами таких комедий были люди с образованием. Наряду с веселыми и сатерическими "учеными" комедиями здесь перед зрителями разыгрывали потрясающие ужасами кровавые трагедии, а также поэтичные изящные пасторали с идеализированно изображенными придворными нравами под видом сцен из размеренной жизни пастухов.

Несомненно итальянская "ученая" комедия берет истоки у древнеримской комедии. Наиболее известные авторы этого жанра - Никколо Макиавелли, Пьетро Аретино, Джордано Бруно и другие.

Театр "Олимпико"

Стоит отметить, что именно в Италии эпохи Ренессанса архитекторы первыми в Европе стали строить театральные здания. Театр "Олимпико" - шедевральное творение архитектора Андреа Палладио, построенное в Виченце в конце XVI в., и сохранившееся до наших дней. Этот театр послужил прообразом для театров всего мира.

Архитектор Себастьяно Серлио разделил сцену на две части - переднюю, где играли актеры, и заднюю - для декораций. Каждому драматичекому стилю - свое декоративное оформление: трагедии - дворцовая площадь, комедии - улица города, для изображения мирной сельской жизни - поляна или лес. 

При использовании данных материалов ссылка на блог - обязательна. Уважайте труд других!

Театр в средневековой европе

В средневековой Европе большую популярность снискали гистрионы - народные актеры, бродившие по городам и собирающие на площадях и в рыцарских замках толпы народа. Это не были мастера одного искусства: они и рассказывали небылицы и истории, и пели, и играли на разнообразных инструментах, и жонглировали, и выполняли акробатические номера, разыгрывали смешные сценки, и даже выступали с дрессированными животными. Часто в своих выступлениях гистрионы потешались над теми, кто подавлял простых людей, чем вызвали недовольство и гонение со стороны церкви и феодалов.

Тщетно пытаясь запретить деятельность гистрионов и подавить интерес народа к их искусству, церковнослужители нашли способ заставить театр служить религиозным целям. Так, церковные службы стали сопровождаться сценками из жизни Христа и святых, которые разыгрывали переодетые священники. Примечательно, что для исполнения ролей обитателей ада привлекали лиц не духовного звания.

Так появилось главное направление в театральном искусстве средневековой Европы - церковный театр.

Жан Фуке. «Мученичество св. Аполлонии»

С начала IX в. во время общественного богослужения стали разыгрывать литургические драмы. Это были представления, показывающие самые драматические события из священного писания. В XIII в. их разыгрывали прямо перед храмом уже для гораздо большего числа людей. Эти представления получили название полулитургическая драма.

Во второй половине XIII в. возник еще один из жанров театрального искусства средневековой Европы, связанного с религией - мистерия. Как и в литургической драме, сюжет мистерии обычно брался из священного писания и дополнялся  комическими сценками.  Такие представления ставили не духовные служители, а рабочие люди. Следует отметить, что женские роли исполняли именно женщины, а не мужчины, как, например, в античном театре. Стоит ли говорить, что это зрелище было важным событием в жизни города. Люди начинали собираться, как только на площади появлялись первые декорации. Представления были очень правдоподомными и эффектными. Нередко зрители чувствовали себя участниками действа. Порой мистерия могла длиться от нескольких дней до нескольких недель.

Сюжет представления был весьма разнообразным: акробатические номера сменялись различными бытовыми комическими сценками, в которых угадывались народные обычаи и обряды. Такие сценки назвали "начинкой" мистерий или фаршем. Считается, что отсюда возникло слово фарс, которым позднее назвали отдельную форму спектакля средневекового театрального искусства.

Обретя независимость, именно фарс стал главным театральным событием в XVI в. Поистине, его можно считать самым демократичным стилем театра средневековой Европы: актеры показывали реальные картины быта и уклада своего времени.  Вместе с тем, каждая сценка была наполнена жизнерадостностью и не лишена юмора и сарказма. Наиболее успешным представлением в этом стиле был "Фарс об адвокате Пьере Патлене". Фарс был настолько популярным, что появились еще две его части, сложившиеся в трилогию об адвокате Патлене.

В XV и XVI вв. появился особый вид театрального искусства - моралите, главной темой которого были человеческие достоинства и пороки: любовь и ненависть, щедрость и скупость, великодушие и трусость. Эти произведения имеют явно выраженный аллегорический характер. Не трудно догадаться, что первоначальная цель моралите нравоучительная.

Таким образом, все вышеперечисленных формы средневекового театра оказали влияние на процесс формирования европейского театра.

При использовании данных материалов ссылка на блог - обязательна. Уважайте труд других!

Театр в Древней Греции и Риме

В 534 г. до н. э. в Афинах впервые была поставлена трагедия. В этой трагедии выступал всего один актер - он или рассказывал, или он отвечал на вопросы хора. Хор, который занимал главную роль в трагедии, своими песнями, ритмичными движениями, плясками задавал вопросы или откликался на рассказ актера. 

В каждом городе Древней Греции обязательно был свой театр, который обычно располагался под открытым небом. Афинский театр Диониса считался сравнительно небольшим - на 17 тысяч зрителей, а одиy из самых крупных театров был в Мегалополе - 44 тысячи зрителей. К середине V в. до н. э. в эпоху расцвета Афин сложилась целая церемония театральных представлений.

Афинский театр Диониса

Древнегреческий театр состоял из трех частей. Площадка, на которой происходила игра актера и хора, называется орхестра - в переводе с греческого означает"плясать". Орхестра строилась в виде круга и находилась у подножия холма или горы. Так было удобней строить театрон - место для зрителей, которое переводится как "смотреть". Театрон строился полукругом по склону холма или горы, как бы охватывая орхестру. Третьей частью была скена, которая предназначалась для переодевания актеров, и находилась она позади орхестры. Позднее ее стали оформлять колоннами как фасады дворцов и храмов.

Эсхил

Родившийся в 525 г. до н. э. известный греческий трагик Эсхил (проживший до 456 г. до н. э.) ввел второго актера, что привело к появлению диалога и оживлению трагедии, что придало больше действий в игре актеров. От Эсхила до нас дошло около 90 трагедий, таких как:

• "Семеро против Фив" - 467 год до н. э.; 
• "Персы" - 472 год до н. э.; 
• "Просительницы" - 470-х или 463 год до н.э.; 
• "Орестея" - 458 до н. э.; 
• "Агамемнон"; 
• "Хоэфоры" ("Жертва у гроба", "Плакальщицы"); 
• "Эвмениды" - 458 год до н. э.; 
• "Прометей" - около 415, 450-х или 440-х годов до н. э. 

  

  Софокл

Позже драматург Софокл (ок. 497-406 до н. э.) ввел третьего актера, каждый из этих актеров выполнял несколько ролей в том числе и женские. с появлением большего количества актеров роль хора постепенно стала уменьшаться, а на первое место стал выдвигаться актер, который раскрывал весь внутренний мир воплощаемого им героя.  Наиболее известными из дошедших до наших дней пьесами Софоклаявляются:

• "Аякс" другие названия "Эант", "Биченосцы" - между 455 - 445 г. до н. э.
• "Трахинянки" - около 450-435 г. до н. э.
• "Филоктет" - 409 г. до н. э. 
• " Эдип в Колоне" - 406 г. до н. э.
• "Электра" - ок. 415 г. до н. э.
• "Антигона" - ок. 442-441 г. до н. э.
• "Следопыты в Афинах" - постановка прошла в 406 г. до н. э.
• " Царь Эдип" или "Эдип - тиран" - ок. 429-426 г. до н. э.

Во время актерской игры для придания значительности и величавости своих героев актеры надевали обувь с очень высокой подошвой для увеличения своего роста - котурны, маски, которые напоминали шлемы и были с большими вырезами для глаз и рта, поверх масок надевали высокий головной убор и подкладывали что-нибудь под одежду.

Красивые движения актера оттенялись или подчеркивались танцами хора - то спокойным и величественным, то скорбным, то радостным. Музыкальное сопровождение на флейте или лире способствовало усилению трагического эффекта. Все действия происходящие на сцене направлялись на чувства зрителей, чтобы вызвать у них сострадание, радость или страх, помочь понять смысл жизни, что такое добро и истина, мудрость и доблесть. А для того, чтобы зрителей не вгонять в тоску, в тот же день после трех трагедий ставилась сатировская драма, которая давала необходимую разрядку после трагедии.

В начале V в до н. э. появилась комедия, которая стала частью программы праздника Диониса. В определенный день праздничных представлений соревновались трое поэтов, каждый с одной комедийной пьесой. Древнеаттическая комедия сохранила в себе черты народных обрядов, игр, которые были связаны с праздниками плодородия. У актеров комедии, также как и у трагиков, были маски, но они отличались растянутым ртом до у шей и приплюснутым носом. Условный карикатурный образ комического актера с его огромным брюхом и манерой держаться вызывали смех у зрителей. Народные обряды и игры принесли в комедию много беготни, криков с потасовками и драками, пляски с песнями и шутками, что очень разнообразило театральные выступления.

Аристофан

Хор в комедии носил костюмы и маски птиц, зверей и разных вымышленных фантастических зверей. Например, комедии Аристофана назывались по составу хора - "Облака", "Лягушки", "Птицы", "Осы". В лучших его комедиях ставились острые общественные и политические проблемы.

С IV в до н. э. постепенно из комедии начинают исчезать политические и общественные проблемы, грубые шаржи. Герои становятся более человечнее и проще, в сюжетах находят интересы, особенности характера и отношения человека. Такими были комедии Менандра.

В IV - III в. до н. э. в новоаттической комедии уже формируются устойчивые типы и маски героев: задира и болтун повар, ловкий раб-обманщик, льстивый подхалим, хвастливый и трусливый воин, милая девушка, злая богатая жена, влюбленный юноша, старик.

Хор почти исчезает и появляется только в небольших вставных сценках между действиями, а в центре внимания оказываются актеры.

В III - I в. до н. э. популярными становятся короткие постановки с бытовым содержанием, вокальные или драматические, буффонные или танцевальные - мимы. Мимы исполняли без масок, часто импровизируя, не имея сценария. Их исполняли не только мужчины, но и женщины. В то же время вместе с мимами получили распространение и пантомимы. Мимы с пантомимами исполнялись в домах перед гостями, на площадях.

Римляне продолжили традиции греческого театра, внеся некоторые особенности своих народных игр и обрядов.

Среди римлян популярными были короткие комедии с четырьмя постоянными персонажами, которые назывались ателлана: неудачливый медлительный дурачок Макк; жадный и богатый старикан Папп; обжора, болтун и сплетник Боккун; горбатый шарлатан и философ  Доссен.

Но самую большую популярность получили комедии паллиаты, названные так из-за плаща который носили герои комедии - паллиум. Это зрелище появилось из переделки новоаттической комедии, с добавлением элементов римских обрядов и игр.

В римском театре актеры принадлежали к бесправным низам общества и даже рабы могли играть на сцене, так как актеры не были связаны с религиозным культом, и поэтому не были в почете. Ведущий актер руководил труппой, состоящей из 3 - 5 человек.

Распространенными стилями игры на сцене были два вида. Первый - возвышенный, и облагороженный, связанный с театральной традицией Греции. Известным актером Рима в этом стиле был Эзоп. Второй стиль - комедийный, с чертами гротеска и буффонады. Известным актером в этом стиле был Росций.

Реконструкция архитектурного ансамбля театра Помпея

В Риме очень долго не было постоянного здания театра и только в середине I в. до н. э. известный политический деятель и полководец Помпей построил постоянное здание театра с общей вместимостью 17 580 человек. В конце того же века император Август закончил строительство своего театра с вместительностью 20 500 человек.

Особенно роскошными стали представления в эпоху Римской империи, но и в эту же эпоху театр был вытеснен гладиаторскими играми, и лишь небольшие бродячие труппы выступали на площадях, импровизируя веселые сценки.

При использовании данных материалов ссылка на блог - обязательна. Уважайте труд других!