Диего де Сильва Веласкес

Творчество Диего Веласкеса - вершина испанского искусства эпохи расцвета. Он сумел показать сложность и противоречивость натуры человека, его многогранность внешнего и внутреннего облика, он создал образы, проникнутые огромной жизненной силой. Один из друзей Диего Веласкеса писал: "каждый мазок - сама правда", настолько художник обладал мастерством колорита, яркой передачей характеров людей, передачей светотеней и это все поражало современников. Еще будучи юношей Диего Веласкес  написал в 1617 г. картину "Завтрак" и в 1620 г. картины "Продавец воды", "Старая кухарка", эти картины написаны еще в темной манере, с резкими контурами света и тени, художник обратился к жанровой живописи, с любовью изображая простых людей, исполненных спокойного достоинства.

Диего де Сильва Веласкес. "Завтрак"

Диего де Сильва Веласкес. "Продавец воды"

Диего де Сильва Веласкес. "Старая кухарка"

Когда Веласкесу исполнилось 23 года он стал придворным живописцем короля Филиппа IV, с того времени художник был навсегда привязан к королевскому двору, но ему удалось сохранить творческую свободу.  В мифологической картине "Вакх" (вакх - древнегреческий бог вина), которая была написана в 1628 - 1629 г. и хранится в мадридском музее Прадо, Веласкес изобразил гулянье крестьян под открытым небом. В этой картине еще остались некоторые детали от ранней темной манеры художника. В картине "Вакх" художник изобразил бога таким же равным как крестьяне, он сидит в виде молодого юноши, как будто из их среды и венчающим проходящего мимо солдата, принимая его в веселую компанию.

Диего де Сильва Веласкес. "Вакх"

В исторической картине "Сдача Бреды", Веласкес запечатлил победу, которую одержали над голландцами испанские войска. изображен эпизод, когда голландский полководец Нассау сдал крепость Бреда Спиноле. Так как произведения Веласкеса выделяются своим уважением к достоинству человека, в картине "Сдача Бреды" художник наделяет Спинолу благородием и великодушием. На картине Спинола изображен, положившим руку на плечо побежденного Нассау, как бы подбодряя его, облегчая его унизительный момент. В этой картине уже отсутствуют резкие контрасты света и тени, хорошо передана даль и пространство.

Диего де Сильва Веласкес. "Сдача Бреды"

Веласкес будучи придворным художником постоянно писал портреты короля, королевы, принцев и принцесс. Но Веласкес не хоте изменять своему реалистическому искусству, он умел в каждом человеке, кем бы он ни был, найти основные черты характера и передать их ярко и красиво. Так, например, в портрете, написанном в 1644 г., короля Филиппа IV, одетого в роскошную красновато-розовую одежду, Веласкес изобразил безвольным, вялым, болезненным человеком. Графа Оливареса - суровым всесильным министром.

Диего де Сильва Веласкес. Портрет короля Филиппа IV

Диего де Сильва Веласкес. Портрет графа Оливареса

Веласкес писал портреты не только знати, но и придворных шутов, которые были призваны забавлять королевский двор. Он сумел подчеркнуть характеры этих шутов: скромную сдержанность умного карлика Эль Примо, трагическую напряженность калеки Моро. Портреты всех этих шутов были написаны художником в 1640 - х г. и хранятся они в музее Прадо.

Диего де Сильва Веласкес. Портрет карлика Эль Примо

Диего ле Сильва Веласкес. Портрет карлика Моро

"Портрет папы Иннокентия X", написанный в 1650 г. в Риме, считается  вершиной мастерства портретного искусства Веласкеса. В этом портрете он сумел правдиво и ярко изобразить характер, показав за внешней грубостью  папы - жестокость, злобу, железную волю и упрямость. С большим мастерством Веласкес передал все оттенки багрового лица папы, блеск малинового шелка одежды, пены белых кружев. Еще никто и никогда из художников не осмеливался так правдиво показать характер главы католической церкви.

Диего де Сильва Веласкес. Портрет папы Иннокентия X

В последние годы своей жизни Веласкес написал две знаменитые картины - "Менины" в 1656 г и "Пряхи" в 1657 г.

В картине "Менины" художник изобразил короля с королевой, которых видно только в смутном отражении зеркала, весящим на дальней стене. На этой картине художник избразил и себя, стоящим  с кисточкой и красками, как бы рисующим портрет короля и королевы, рядом с художником изображена принцесса Маргарита, окруженная своей свитой: придворными дамами, слугами и карликами. Все фигуры на картине расставлены в свободном порядке, но походу действия связаны друг с другом. Раскрытая дверь на заднем плане углубляет пространство, оттуда струится свет, наполняющий комнату, светом озарены светлые пушистые волосы девочки, переливы розовых, красных, золотистых тонов одежд всех присутствующих на картине. Действия этой картины происходят в одной из комнат дворца.

Диего де Сильва Веласкес. "Менины"

Сюжет картины "Пряхи" взят из рассказа древнеримского писателя Овидия о состязании простой греческой девушки Арахны с богиней Афиной в искусстве ткачества. На заднем плане картины можно увидеть висящий ковер на котором изображен этот миф Действия этой картины происходят уже не во дворце, а в королевской мануфактуре, где изготовляли тканные ковры. Но Веласкес выдвинул на первый план испанских женщин-работниц: показав труд Арахны, он перенес древний рассказ в современную ему жизнь.

При использовании данных материалов ссылка на блог - обязательна

Эль Греко

Автопортрет Эль Греко

Для работ в Эскориале король Филипп пригласил многих итальянских живописцев. Именно тогда в Мадрид приехал художник, грек по национальности, вошедший в историю искусства под именем Эль Греко. Однако настоящее имя его было Доменико Теотокопули. В поисках собственного пути художественного развития Греко учился у итальянских мастеров, проведя несколько лет в Италии - сначала в Риме, потом в Венеции. Художник старался изобразить душевные переживания человека, создавая взволнованные трагические образы людей, готовых ради душевного порыва отказаться от земных радостей. Святых на своих полотнах он изображал либо в состоянии глубокой задумчивости, либо в исступленном порыве. Тела их вытянуты и освещены мерцающим светом, цвет одежд напряженный, линии извилисты. Однако такое своеобразное искусство не понравилось королю. Эль Греко пришлось навсегда поселиться в городе, где обосновалась вся старая феодальная знать, которая не пришлась ко двору короля Филиппа - в городе Толедо. Именно здесь, в Толедо,  мастер создал свои лучшие произведения.

Эль Греко. "Вид Толедо"

Картина "Погребение графа Оргаса", написанная в 1586 г. в Толедо выделяется своей контрастностью, т. к. пространство полотна разделено на две части - землю и небо. Художник старался как можно ярче отобразить различия между двумя мирами. В верхней части картины изображены Христос, мадонна и святые рая. Расступившиеся облака готовы принять душу усопшего. "Верхний" мир будто изнутри наполнен бурным движением и небесной легкостью. Земной мир, напротив,  поражает своей реалистичностью. Внизу в центре святые Августин и Стефан в одеждах, горящих золотом  на фоне двадцати двух знатных дворян в черных траурных одеждах, опускают тело графа в гробницу. Также на картине Эль Греко изобразил своего сына Хорхе Мануэля (слева в нижней части картины). У правой руки Иисуса изображен портрет короля Филиппа.

Эль Греко. "Погребение графа Оргаса"

Очень интересны портреты Греко. Обычно придворные портретисты короля старались показать внешний облик человека, изображая его спокойно позирующим перед зрителем, то Греко напротив хотел раскрыть в картине смятенный, внутренний мир человека. В городе Толедо, в котором жил Эль Греко, художник создал целую галерею портретов служителей церкви, знати, поэтов, ученых и писателей, таких как: "Портрет монаха Гортензио Феликса Паравичино",  "Портрет поэта Эркилла-и-Заниха".

Эль Греко. "Портрет монаха Гортензио Феликса Паравичино"

Эль греко. "Портрет поэта Эркилла-и-Заниха"

По своей выразительности и яркости замечателен "Портрет инквизитора Ниньо де Гевара", который Греко написал в 1600 - 1601 г. Облаченный в малиновую одежду, инквизитор Ниньо де Гевара сидит на фоне золототканого ковра. Черные пронзительные глаза инквизитора смотрят в упор на зрителя. Беспощадная жестокость, недоверие, сильный характер подчеркнуты в этом образе. Эль Греко внес значительный вклад в живопись Испании своей своеобразной манерой, но немногие художники следовали его манере.

Эль Греко. "Портрет инквизитора Ниньо де Гевара"

В начале VII в. в Испании, особенно в торговых городах Валенсии и Севилье, начался мощный расцвет реалистического искусства. Художникам хотелось показывать образы простых людей из народа, о цельности и силе их характеров. Интерес к действительности побуждал выделить в самостоятельный вид живописи не только портрет, но и бытовой жанр и натюрморт. Даже в религиозных картинах изображались яркие, живые, реальные образы. Начало столетия подготовило появление великих мастеров Испании.

При использовании данных материалов ссылка на блог - обязательна

Испанское искусство XVI - XVII вв.

Конец XVI и XVII столетия - время наивысшего расцвета испанского искусства, когда жили прославленные мастера Испании: художник Эль Греко, Диего де Веласкес, Франсиско Сурбаран, Хусепе Рибера, Бартоломе Мурильо и  не менее известные писатели Сервантес и Лопе де Вега - это время испанцы назвали "Золотым веком".

Этому блестящему периоду предшествовал долгий, сложный и тернистый путь развития художественной культуры. Многовековая борьба народа с маврами (см. сооб. "Средневековое искусство Северной Африки и мавританской Испании"), раннее возникновение абсолютизма, церковь и инквизиция наложили свой отпечаток на искусство Испании. В сознании народа, ведущего долгую освободительную войну, складывался образ смелого и мужественного героя, защитника родины.

Художники средневековой Испании писали свои картины, как правило, на дереве и размещали их в особых сооружениях - ретабло, сделанных также из дерева либо же из алебастра. Помимо живописных картин в ретабло часто размещали ярко окрашенные скульптурные изображения, а также тонкую орнаментальную цветную резьбу.

Ретабло собора в Севилье

Мавританская культура оставила яркий след в архитектуре, орнаменте, музыке, языке и поэзии. Подковообразные арки, сдвоенные окна, мавританская звезда в сводах - так называемые восточные мотивы - придали своеобразие архитектуре средневековых соборов Испании.

В конце XV в. в Испании складывается абсолютивизм. Страна объединяется в единое государство, центром которого становится Кастилия.  Эти события способствовали развитию национальной культуры. В период царствования королей Фердинанда и Изабеллы строятся дворцы, церкви, госпитали, ратуши в характерном именно для Испании стиле. Этот стиль на зван по имени королевы Изабеллы изабеллино. В узоры вплетаются мавританские и готические мотивы, а также отдельные элементы декоративного искусства итальянского Возрождения. Яркий пример такого фасада - церковь Сан-Пабло.

Построенный примерно в 1480 - 1493 г. г. дворец герцогов Инфантадо в городе Гвадалахаре приковывает взгляд невообразимой красотой своих полумавританских арочек, балкончиков и несимметрично расположенными окнами разной величины.

Дворец герцогов Инфантадо

В начале XVI в., при Карле V, Испания налаживает более тесные связи со многими европейскими странами, в первую очередь с Италией, что очень сильно обогатило испанскую архитектуру. Теперь в украшении фасадов зданий больше элементов орнамента итальянского Возрождения - раковин, пальметок, медальонов, тоньше и строже стала обработка скульптурных деталей. Новый стиль, сменивший изабеллино, получил название платереско , отличающийся тонким, подобным ювелирному, украшением зданий. Знакомство с произведениями мастеров итальянского Возрождения обогатило знания испанских художников: они овладели перспективой (научной дисциплиной, изучающей закономерности изображения предметов в соответствии с их зрительным восприятием, что позволяет точно, реалистически изобразить пространство), анатомически более правильно стали изображать человеческую фигуру, научились использовать светотень для передачи объема, писать на холсте масляными красками. Однако в Испании - стране, где проявление свободной мысли сковывалось церковью и инквизицией,  идеи Возрождения и вера во всемогущество человека не могли быть поняты в полной мере.

При короле Филиппе II, когда инквизиция была особенно свирепа, построена новая королевская резиденция Эскориал - одно из самых знаменитых зданий Испании XVI столетия, которое должно было служить дворцом, монастырем и усыпальницей королей. Автор проекта - Хуан Эррера (1530 - 1597), долго изучавший архитектуру современной ему Италии и Древнего Рима. Однако его Эскориал не был похож ни на итальянские  дворцы эпохи Возрождения, ни на архитектуру Древнего Рима, хотя в основу творения были положены симметрия и равновесие частей. Дворец получился чисто испанский: огромный, построенный из серого гранита, с обнаженными гладкими стенами и бесконечными сводчатыми коридорами. Посреди открытой пустынной долины он возвышался как неприступная скала. Своеобразное мрачное величие6 здания точно отразило союз церкви с абсолютивизмом Филиппа II.

Королевская резиденция Эскориал

Примечательно, что именно при дворе Филиппа II появилась национальная школа придворных портретистов. Принцы и принцессы, испанская знать изображались на портретах в соответствии с придворным этикетом в строгих неподвижных позах, спокойные и серьезные, с величием и достоинством. Такие портретисты как А. Санчес Коэльо (1532 - 1588) и Х. Пантоха де ла Крус (1551 - 1608) старательно и скрупулезно выписывали драгоценные украшения, орденские золотые цепи, орнаменты ткани, ровно как и лица передавали правдиво и без лести.

При использовании данных материалов ссылка на блог - обязательна

Ремрандт ван Рейн

Первое место среди многочисленных голландских художников XVII столетия, на века прославившихся своим мастерством, несомненно принадлежит Рембрандту ван Рейну. Он велик удивительной простотой и человечностью своего искусства. Средствами живописи он сумел, как никто до него, раскрыть внутренний мир человека, его сложные душевные переживания.

Родился Рембрандт в Лейдене в семье мельника Харменса ван Рейна. Очень рано обнаружилась у мальчика склонность к живописи. Недолго проучившись в Лейденском университете, молодой Рембрандт всецело отдался искусству. Три года пробыл он в мастерской живописца Сваненбурга, а затем несколько месяцев у амстердамского художника Питера Ластмана. Но больше, чем у них, учился Рембрандт у самой жизни: он пытливо всматривался в окружающий мир, наблюдал за мимикой и жестами людей, изучал эффекты освещения. Он писал жанровые и религиозные сцены, портреты близких, многочисленные автопортреты (так как собственное лицо казалось художнику удобным объектом для наблюдения и экспериментов). Рембрандт работал масляными красками, карандашом, тушью и пером.

В 1631 г. Рембрандт переехал в Амстердам и скоро завоевал там известность. Число заказчиков непрерывно росло. Подобно другим голландским художникам, Рембрандт умел живо написать человеческое лицо, воспроизвести мягкие складки тканей и холодный блеск металла. Уже в этот период он во многом превосходит по мастерству других художников.

Традиционная для голландского искусства тема группового портрета в картине Рембрандта «Урок анатомии доктора Тульпа» приобретает новый характер: единым чувством объединены слушатели доктора Тульпа; заинтересованные его словами, они сравнивают вскрытый труп с рисунками анатомической книги. Картина воспринимается не как тщательно продуманный по композиции портрет, а как убеждающий непосредственностью жизненный эпизод.

Рембрандт ван Рейн. "Урок анатомии доктора Тульпа"

Эта же черта присуща и «Автопортрет с Саскией на коленях», в котором Рембрандт изобразил себя со своей молодой женой. Поднимая бокал, он как бы обращается к тем, кто смотрит на картину, и предлагает разделить с ним его безмерную радость и счастье. Он делает зрителя невольным участником происходящей сцены. Потоки света, играющие отблесками на лицах и дорогих тканях одежд, и нежные переливы золотистых и красноватых тонов усиливают праздничное настроение картины.

Автопортрет Рембрандта ван Рейна с Саскией на коленях

Задачи, которые ставит перед собой Рембрандт, не похожи на устремления большинства других голландских художников. Рембрандт все чаще поражает современников смелостью и новизной своих замыслов. Стремясь ко все большей и большей одухотворенности образов, он жертвует внешними подробностями и декоративными эффектами, пренебрегая подчас и требованиями заказчиков. Показательна в этом отношении история с картиной, получившей впоследствии название «Ночной дозор». Эта большая картина должна была представлять собой групповой портрет членов стрелковой гильдии. Однако Рембрандт, отказавшись от принятого в ту пору равного расположения фигур и спокойного изображения всех участников, дал сцену, полную движения. Он остановился на моменте, когда по сигналу тревоги поспешно и беспорядочно выходят на площадь стрелки, на ходу поправляя оружие. Впереди группы торжественно выступают капитан Банинг Кок и его помощник. Неровный свет озаряет группу, усиливая впечатление подвижой толпы. В результате получился не обычный по типу групповой портрет, а полная жизненной убедительности сцена. Этого-то и не поняли заказчики, крайне недовольные тем, что одни лица видны хорошо, а другие почти скрыты от зрителя. Заказчики считали, что если они уплатили художнику равные суммы, то должны быть изображены им с равным вниманием. С годами непонимание амстердамскими бюргерами творческих устремлений Рембрандта усилилось. Все меньше получал он крупных официальных заказов.

Рембрандт ван Рейн. "Ночной дозор"

В год создания «Ночного дозора» художник пережил большое личное горе - умерла его любимая жена Саския, он остался один с годовалым сыном Титусом. Рембрандт много писал его в разных возрастах, отмечая с большой теплотой растущую вдумчивость и пытливость мальчика. В красочной гамме на картинах художника в 40-ые годы начинают преобладать золотисто-коричневые тона, удивительно богатые оттенками. Образы становятся глубже и задушевнее.

В картине Рембрандта «Святое семейство», написанной в 1645 г. и хранящейся в Эрмитаже, в образах героев евангельской легенды - Марии, младенца Христа и Иосифа - воплощены самые обычные и прекрасные в своей искренности и чистоте человеческие чувства: нежность матери, ощущения домашнего покоя и уюта, во все времена понятные и дороги людям.

Рембрандт ван Рейн. "Святое семейство"

Огромное место в творчестве художника занимает портрет. Он оставил нам вереницу лиц - мужских и женских, молодых и старых, но почти всегда серьезных и сосредоточенных.

Замечателен «Портрет старушки», написана в 1654 г. и предполагают, что это жена брата Рембрандта. Свет выделяет в картине лицо старой женщины, ее скорбный взгляд приковывает внимание зрителя безысходностью горя, глубиной мысли, заставляет задуматься над смыслом существования. Рембрандт показывает чистоту души, доброту и душевность ничем не знаменитого человека. Душевная красота делает привлекательным усталое, морщинистое лицо женщины, как бы преображая его.

Рембрандт ван Рейн. "Портрет старушки"

Вершиной в развитии голландского группового портрета написанная Рембрандтом картина  «Синдики», в  1661-1662 гг.Старшины цеха суконщиков изображены в момент обсуждения каких-то важных вопросов. Как различны их лица, хотя все они, кажется, охвачены какой-то одной мыслью, одним устремлением. Возникает такое впечатление потому, что художник придал общее направление взглядам. Оно подкрепляется еще и удивительно красочным единством коричневато-красных тонов, светом и воздухом, которые, наполняя всю картину, объединяют разные детали произведения в одно неразрывное целое.

Рембрандт ван Рейн. "Синдики"

К последним и наиболее замечательным картинам художника принадлежит большое полотно, хранящееся в Эрмитаже, - «Возращение блудного сына», написана между 1663 - 1668 гг. Евангельская притча о юноше, который ушел из родительского дома, растратил свое состояние и жалким, униженным вернулся к отцу, вырастает у Рембрандта в большую общечеловеческую тему. И до сих пор, несмотря на прошедшие века, нельзя смотреть без внутреннего волнения на лицо полуслепого отца, его дрожащие старческие руки и фигуру сына, выражающую безмолвное и искреннее раскаяние.

Рембрандт ван Рейн. "Возвращение блудного сына"

Рембрандт был не только живописцем, но и выдающимся мастером офорта (см. сооб. «Графика»). Его офорты на самые различные темы отличаются смелостью и разнообразием художественных приемов. Он добивается в них замечательного богатства светотени, исключительной выразительности и лаконизма линий. В офортах Рембрандт создавал такие же сложные, глубоко реалистические образы, как и в своих великолепных живописных произведениях.

Богатые голландские бюргеры — основные заказчики Рембрандта — не поняли и не оценили гениального художника. Трагически одиноким, почти нищим умер Рембрандт в 1669 г. Художника похоронили на кладбище для бедняков на общественные средства. Но справедливость восторжествовала: Рембрандта высоко чтут потомки, им гордится не только его родина, но и все человечество.

При использовании данных материалов ссылка на блог - обязательна