Питер Пауль Рубенс

Если любого бельгийского школьника спросить, кто самый великий соотечественник, он без колебаний ответит: «Рубенс». Этот художник жил почти четыре столетия назад во Фландрии, ныне входящей в состав Бельгии.

В годы нидерландской буржуазной революции конца XVI в. фламандскому народу, несмотря на героические усилия, не удалось освободиться от владычества монархической Испании. Но подъем, вызванный революционной борьбой, определил высокий расцвет фламандской культуры XVII в. Ведущую роль приобрела тогда живопись. Ее представители - Рубенс, его ученики и сподвижники ван Дейк, Снейдерс, Йорданс, Броувер и Тенирс - завоевали немеркнующую известность.

Всех фламандских художников объединяло стремление запечатлить реальную жизнь, полную движения и бесконечного разнообразия. Связанные в своем творчестве с заказами каталической церкви и знатных дворян, фламандские живописцы часто обращались к религиозным и мифологическим сюжетам. Они писали также многочисленные портреты и сцены народных празднеств, пейзажи и натюрморты. Причем все их полотна объединяет стремление к героичности образов, к широкому размаху композиций, сочной и звучной красочности. Фламандская живопись XVII в.— подлинный гимн силе и мужеству человека, богатству и красоте природы.

В творчестве Питера Пауля Рубенса все эти особенности искусства Фландрии проявились наиболее отчетливо и ярко. Круг его тем необычайно широк и созданные им образы составляют целый мир, наполненный борьбой и страстями. Великий русский художник И. Е. Репин, восхищавшийся Рубенсом, писал: «Трепет и блеск органической жизни никому другому не удалось вызвать на полотне с такой силой и яркостью красок, как Рубенсу».

Первые годы своей творческой жизни Рубенс провел в Италии, где быстро завоевал известность. Вернувшись в 1608 г. на родину, он стал придворным живописцем испанского наместника во Фландрии. Перегруженный заказами на украшение различных дворцов и церквей, он начинает работать с большой группой помощников-учеников. До сих пор сохранился в Антверпене дом (превращенный ныне в музей), который был мастерской и жилищем художника.

Рубенс был одним из самых образованных людей своей эпохи. Он глубоко знал и любил античную литературу и искусство, свободно владел несколькими современными и древними языками. Правители Фландрии, зная его выдающийся ум и блестящий дар слова, не раз давали ему дипломатические поручения. Но главным для Рубенса всегда было искусство. Известен такой любопытный рассказ современника. Однажды в Лондоне один придворный, увидев, что посол Фландрии Рубенс стоит за мольбертом, удивленно спросил: «Господин посол развлекается живописью?» На это Рубенс ответил: «Напротив, это скорее художник развлекается иногда ролью посла».

Рубенс много и увлеченно работал над большими, монументальными произведениями. Таков выполненный им в 1611 г. для Антверпенского собора алтарный образ «Воздвижение креста». На огромной картине изображен распятый Христос. Это сильный, мужественный человек, побежденный своими противниками. Мускулистые фигуры палачей, их энергичные движения придают всей сцене характер напряженной борьбы. Не евангельское повествование, а могучее дыхание жизни захватывает зрителей при взгляде на эту картину.

Питер Пауль Рубенс. Алтарный образ «Воздвижение Креста»

В многочисленных картинах, посвященных охоте на хищников Рубенс передает величайшее напряжение сил людей и животных, бурную динамику схватки.

Питер Пауль Рубенс. Охота на тигров и львов

Так же сильно и горячо, как человека, любил Рубенс природу. Он писал величественные пейзажи с горными далями, вздымающиеся скалы, стремительно несущиеся облака. Художник хотел передать в картинах борьбу сил природы, ее могущество.

Много у Рубенса и исторических произведений. Его знаменитая серия полотен «Жизнь Марии Медичи» представляет собой грандиозный декоративный ансамбл состоящий из 21-й большой картины. Здесь он вводит аллегорические образы и мифологические персонажи и в то же время изображает рядом с ними реальные исторические лица. С большой достоверностью воссоздана торжественная церемония в картине «Коронация Марии Медичи». Лица написаны с портретной точностью, костюмы исторически верны. Художник показал даже особенности архитектуры собора, где происходила коронация.

Питер Пауль Рубенс. Коронация Марии Медичи

На всем протяжении своего творчества Рубенс работал и как портретист, хотя эта область искусства никогда не являлась для него основной. Лучшие его портреты — это не парадные изображения богатых заказчиков, а те, которые он писал с людей, близких ему или чем-либо особенно привлекших его внимание. К ним принадлежит хранящийся в Государственном Эрмитаже «Портрет камеристки» ок. 1625 — один из самых замечательных портретов XVII в. по своей одухотворенности и мастерству живописи.

Питер Пауль Рубенс. Портрет камеристики

На портрете изображена скромная девушка, камеристка испанской наместницы во Фландрии. Имя ее нам неизвестно. Рубенс с любовью написал ее большие зеленоватые глаза, искусно передал тонкую кожу лица, красивые очертания носа и рта, пряди рыжеватых волос. А сколько живости и ума, задумчивости и нежности в лице камеристки! Пленителен женский образ, созданный Рубенсом и на другой картине — «Портрет Елены Фоурмен с детьми» (ок. 1636).

Питер Пауль Рубенс. Портрет Елены Фоурмен с детьми

В сотнях рубенсовских картин встает перед нами яркий, красочный мир. Его герои — это люди мужественные и энергичные; красота была для художника неразрывно связана с силой и здоровьем. Он умел мастерски соединять на полотне многочисленные фигуры, находить красноречивые позы и жесты. Каждая деталь в его картинах связана с общим замыслом. В своей живописной технике Рубенс пользовался лессировкой, т. е. писал тонкими слоями полупрозрачных, жидко разведенных красок, просвечивающих одна из-под другой. Этим Рубенс достигал удивительного богатства оттенков, одновременно объединяя их общим золотистым колоритом. Все в его картинах чрезвычайно конкретно и почти осязаемо: гладкость человеческой кожи и шелковистость волос, различные ткани и блеск металла, прозрачная глубина воздуха и совсем иная прозрачность текущей воды.

На произведениях великого мастера учились и продолжают учиться многие поколения художников. Особенно велико было его влияние на современных ему фламандских живописцев.

При использовании данных материалов ссылка на блог - обязательна

Скульптура

Чтобы увидеть произведения скульптуры, не обязательно посещать музей или художественную выставку. Человек, идущий по городу, видит их повсюду,— это памятники на площадях, мемориальные доски и рельефы на стенах домов, фонтаны и лепные вазы в парках и скверах.

В отличие от живописи или графики, которые на плоскости создают иллюзорное впечатление пространства и объемности предметов, произведения скульптуры имеют реальный трехмерный объем и окружены реальным пространством.

Зато выбор сюжетов в скульптуре по сравнению с живописью ограничен — ведь средствами скульптуры трудно показать пейзаж или обстановку, окружающую человека. Главная тема скульптуры — человек; реже встречаются изображения анималистического жанра.

Скульптор может показать одну фигуру или несколько в определенных взаимоотношениях. В позе или движении человека, в выражении его лица скульптор может передать и порыв, и гнев, и радость, и горе, и даже холод и непогоду. Все это достигается расположением объемов в пространстве, их пропорциями, движением. Выразительности образа содействуют также пластика, моделировка, игра света и тени на поверхности скульптурного произведения, материал, из которого оно сделано: тяжелый суровый гранит, или белый с теплым оттенком мрамор, или легкий серо-серебристый с жесткой поверхностью алюминий.

Основные виды скульптуры — круглая скульптура и рельеф.

В круглой скульптуре полностью передается объем изображаемой фигуры или предмета. Ее можно обойти, рассмотреть с различных точек зрения, а это очень важно для восприятия скульптурного произведения. Ведь в зависимости от угла зрения меняются очертания и формы предмета, его контуры, силуэт изображения. Все это вносит новые эмоциональные и художественные оттенки в восприятие образа. Поэтому, создавая круглую скульптуру, художник рассчитывает или на круговой обход своего произведения — и тогда добивается выразительности со всех точек зрения, или на ограниченный обзор, а иной раз избирает один, главный аспект обозрения.

Афродита Милоская. Вид спереди и сзади

В рельефе выпуклое объемное изображение помещается на плоскости. В этом виде скульптуры можно показать многофигурные группы людей, передать, хотя и скупо, пейзажное и предметное окружение. Рельеф бывает низким — это барельеф и высоким — горельеф. В барельефе изображения обычно выступают над плоскостью меньше чем на половину своего объема. В горельефе фигуры выступают из плоскости больше чем на половину объема, а иной раз почти отрываются от плоскости, приближаясь к круглой скульптуре. Реже встречается углубленный рельеф, где изображение находится либо ниже плоскости плиты, либо на ее уровне.

Делая рельеф различной высоты, можно добиться ощущения известной глубины и прост-ранственности композиции. Так как рельефы неотрывно связаны с плоскостью, они широко применяются для украшения стен зданий.

В единстве с зодчеством нередко выступает и круглая скульптура. Например, статуи юных девушек, так называемые кариатиды, поддерживают крышу портика храма Эрехтейон в афинском Акрополе. Могучие атланты держат на своих плечах портик входа в ленинградский Эрмитаж. Скульптурные группы украшают фронтоны античных храмов и современных театров.

Кариатиды храма Эрехтейон.

Итак, вы узнали, что скульптура бывает круглая и в виде рельефов. Однако скульптурные произведения делятся еще по назначению, по содержанию и т. д.

В зависимости от своего содержания, размеров и назначения скульптура делится на монументальную и станковую.

Произведения скульптуры, связанные с архитектурой или пейзажем, называются монументальной скульптурой. Такие произведения выражают большие общественные, гражданственные идеи. Содержание их обычно героическое, возвышенное.

Монументальная скульптура рассчитана на длительное существование и поэтому выполняется из прочных материалов: камня, металла. При выборе места памятника учитывают, что он должен восприниматься с дальних расстояний, поэтому необходимы крупные, обобщенные формы и выразительный силуэт.

Разновидность монументальной скульптуры — декоративная скульптура. Она предназначена для украшения зданий, парков, городских улиц, площадей. Это кариатиды, атланты, скульптура, украшающая фонтаны, мосты.

Скульптурные произведения, по своему назначению не связанные с архитектурой или пейзажем, существующие независимо от них, называются станковой скульптурой. Их можно перемещать с места на место, устанавливать внутри здания и на открытом воздухе. Станковой скульптуре более свойственны тонкая психологическая характеристика образов и тщательная передача формы, что не обязательно для произведений монументального искусства, рассчитанных на рассмотрение со значительного расстояния. К станковой скульптуре примыкает скульптура «малых форм», имеющая декоративно-прикладное назначение.

Наиболее полно свойства скульптуры как особого вида искусства выражает круглая скульптура. Она может изображать одну фигуру или несколько, может изображать фигуру человека целиком или фрагментами.

Общественные идеи обычно воплощают в монументальной статуе или группе. Станковая скульптура больше подходит для жанровых сюжетов и для портретов.

Скульптурный портрет царицы Нефертити

Композиция в скульптуре может быть статичной или динамичной, как в «Марсельезе» Рюда. При этом динамика может быть выражена не только резким физическим движением, но и духовным напряжением образа, как, например, в «Давиде» Микеланджело. Большую роль в скульптуре играет ритм. Ритм проявляется в повторяемости, чередовании или сопоставлении тех или иных композиционных элементов: объемов тел, мотивов их движения, линий и складок одежды и т. д.

Ф. Рюд. "Марсельеза"

Скульптура Микеланджело Буонарроти "Давид"

Созданию скульптурного образа помогают выразительность контура и пластичность, выявление объемности форм. Большое значение имеет освещение скульптурного произведения. Скульптор должен учитывать характер освещения того места, где будет находиться его работа. Он может использовать игру света и тени на поверхности скульптурного произведения, создавая контрасты выпуклых и вогнутых, затененных мест. Скульптура чаще всего одноцветна. Но скульпторы пользуются эффектами естественной окраски материала или иной раз окрашивают свои произведения. Так, скульптуру из дерева народные мастера часто пестро раскрашивали и золотили.

Очень важны для образной выразительности материал скульптуры и техника ее исполнения. Один из методов работы скульптора — пластика, лепка, т. е. создание формы из мягкой вязкой массы. При этом методе объем наращивается путем постепенного добавления материала. Другой метод — ваяние — заключается в высекании объемной формы из каменной глыбы путем отделения от нее лишних объемов. Лепка и высекание — основные виды техники скульптуры. Лепка из мягкого материала используется обычно при работе с натуры, исполнении эскиза или для изготовления небольшой модели. Техникой отливки изготовляется и скульптура из металла.

Лепит скульптор всегда сам. Высекание из камня и отливку в гипсе и металле может производить и сам скульптор, и, что бывает чаще, специальные мастера — мраморщики, литейщики, резчики и т. д. Они это делают по модели автора механическим способом, а скульптор завершает отделку произведения.

Для металлической скульптуры употребляют преимущественно бронзу, реже чугун, алюминий, кованую медь и др. С древних времен широко применяют для скульптуры камень и дерево. Разнообразные по степени твердости и окраске породы камня — базальт, гранит, мрамор — обрабатываются в соответствии с их природными особенностями. Более твердые породы требуют работы крупными, малорасчлененными объемами, мягкие допускают более детальную и тонкую обработку. Первые больше подходят для монументальной скульптуры, вторые — для станковой. Выбирая материал, скульптор руководствуется его природными свойствами и их соответствием задуманному образу.

При использовании данных материалов ссылка на блог - обязательна

Мастера немецкого Возраждения

Значительным мастером немецкого Возрождения был Лукас Кранах Старший (1472—1553). Кранах много путешествовал, однако большую часть своей жизни провел при дворе саксонских князей в Виттенберге. Как придворный художник и камердинер князя, он писал парадные портреты, многочисленные картины на религиозные и мифологические темы, украшал залы для приемов и празднеств. Помимо этого, Кранах должен был изображать наиболее значительные события при дворе. Одна из картин художника запечатлела княжескую охоту — любимое развлечение знати (1529).

Автопортрет. Лукас Кранах Старший

Кранах одним из первых в Германии стал писать природу родной страны. Пейзаж присутствует у него и в картинах религиозного содержания. В сцене «Отдых на пути в Египет» (1504) мохнатые ели уютно обступили усталых путников: мадонну с младенцем Иисусом и ее мужа Иосифа. Перед мадонной и шаловливыми ангелами — сплошной ковер трав и цветов.

Лукас Кранах Старший. Отдых на пути в Египет

Кранах написал много портретов. Художнику позировали важные герцоги в шитых золотом одеждах, кокетливые придворные дамы, ученые, погруженные в раздумье. Но больше всего ему, пожалуй, удался портрет Мартина Лютера (1532, Дрезденская галерея). Со знаменитым реформатором церкви живописца связывала долголетняя дружба. Правдиво, без прикрас передает Кранах некрасивое, но мужественное лицо Лютера, сдвинутые брови, энергичный поворот головы.

Лукас Кранах Старший. Портрет Мартина Лютера

Другой замечательный немецкий портретист, Ганс Гольбейн Младший (1497 —1543), не найдя возможности работать в Германии, рано покидает родной город Аугсбург. Он поселяется в Швейцарии, в Базеле — крупном центре книгопечатания.

В Базеле Гольбейн иллюстрирует книги, расписывает фасады домов, создает рисунки для гравюр. «Пляска смерти» (1524— 1526) — наиболее значительная серия его гравюр. Это маленькие, тщательно сделанные гравюрки. На них смерть в виде скелета неотступно преследует всех. Ее приближение обнажает человеческие пороки. Смерть хватает монаха, прячущего толстый кошелек; обернувшись восставшим крестьянином, она наносит удар графу. Смерть выглядывает из-за трона римского папы, подгоняет на поле тощую лошадь пахаря.

Работа над иллюстрированием книг сблизила Гольбейна с видными книгоиздателями, писателями, учеными. Другом художника был автор знаменитой едкой сатирической книги «Похвальное слово глупости» Эразм Роттердамский. Гольбейн оставил нам замечательный портрет Эразма в профиль (1523) с рукописью в руках. Художник тонко уловил и передал умную и ироническую усмешку немецкого гуманиста.

Ганс Гольбейн Младший. Портрет Эразма Роттрердамского

В портрете молодого купца Георга Гисе (1532) Гольбейн уделил большое внимание обстановке, в которой жил его герой. Гисе сидит за столом в своей конторе. Передним лежат перья, печать, конторская книга. К стене прикреплены долговые записки, на полочке - весы для взвешивания золота. И каждый предмет Гольбейном тщательно выписан.

Ганс Гольбейн Младший. Портрет Георга Гисе

Гольбейн часто писал портреты людей незаурядных, выделявшихся своими способностями и умом. Таков Шарль де Моретт, посланник французского короля в Англии. Моретт облачен в богатые одежды, на груди - золотая цепь. Сила и внутренняя энергия угадывается в суровом лице этого человека, в жести руки, обхватившей кинжал.

Ганс Гольбейн Младший. Портрет Шарля де Моретта

Портрет Моретта был написан в Лондоне, куда Гольбейн переехал в конце своей жизни. Здесь он стал придворным художником английского короля Генриха VIII. Помимо парадных живописных портретов членов королевской семьи и приближенных короля, Гольбейн создал в это время карандашных портретов. Они написаны легкими, уверенными штрихами и нередко подсвечены цветными мелками.

Сложной и трагической была судьба художника Матиаса Грюневальда (р. после 1460—1528). За свою приверженность идеалам реформации и сочувствие восставшим крестьянам он лишился места при епископском дворе в Майнце, где считался придворным художником, вынужден был бежать и лишь чудом избежал суда церкви. Его живопись выделяется редкой для немецких художников эмоциональной насыщенностью цвета. 

Грюневальд писал картины исключительно на религиозные сюжеты. Но в них он умел поведать о мыслях и чувствах, которые волновали современников. Наиболее известная работа Грюневальда — алтарь для монастыря в Изенгейме (ок. 1512—1516). Как правило, алтарь имел три створки, на которых изображались религиозные сцены. Обычно створки были закрыты, а во время богослужения их открывали. Поэтому алтари украшали как снаружи, так и изнутри. 

На внешних сторонах створок Изенгеймского алтаря Грюневальд изобразил распятого Христа. Его израненное, кровоточащее тело выделяется на фоне иссиня-черного неба. Подлинное горе охватило людей, пришедших к распятию. Мать Христа, обессилев, падает на руки стоящего рядом человека. Плача, взметнула вверх руки Мария Магдалина. Сумрачны и суровы краски, которыми написал художник сцену. Образ истерзанного Христа напоминал о мучениях и кровавых расправах, которым подвергались восставшие крестьяне.

Матис Грюневальд. Внешняя сторона створок Изенгеймского алтаря

Но вот открываются створки, и перед зрителем возникает радостная сцена. Светлеют краски. Лучи солнца заливают горный пейзаж и дали равнины. Молодая мадонна нежно склонилась к младенцу, бережно поддерживая его руками. Улыбка играет на губах женщины, лицо озарено счастьем материнства. Ангелы славят светлую радость и мир.

Матис Грюневальд. Внутренняя сторона створок Изенгеймского алтаря

О счастье и мире мечтали многие современники Грюневальда в раздробленной, обессиленной феодальными распрями Германии. Мечтам этим не суждено было сбыться. Поражение народного движения, победа князей на долгие годы задержали развитие Германии, ее культуры.

При использовании данных материалов ссылка на блог - обязательна

Альбрехт Дюрер

В середине 90-х годов XV в. в Италию приехал молодой немецкий художник. Путешествовать в Италию не было в обычае у немецких живописцев, и молодой немец был одним из немногих, кто решился на это.

Италия, родина Возрождения, произвела на него огромное впечатление. Его увлекло светлое искусство этой страны и многоликая жизнь итальянских городов. Но еще больше он был поражен образованностью итальянских художников, тем уважением и почетом, каким они пользовались у себя в стране.

Вернувшись домой, художник написал автопортрет (1498), изобразив себя не простым ремесленником, каким был в те годы в Германии художник, а богато одетым дворянином. Руки спокойно сложены, глаза внимательно и с достоинством смотрят на зрителя. Это свободный и независимый человек, знающий себе цену — Альбрехт Дюрер.

Альбрехт Дюрер. Автопортрет

Альбрехт Дюрер был величайшим художником и новатором немецкой живописи. Он родился в Нюрнберге, городе, где процветало книгопечатание. Отец Дюрера был золотых дел мастер. Первые навыки рисования Дюрер получил в мастерской отца. Заметив, однако, что сын проявляет больше склонности к живописи, чем к ювелирному делу, Дюрер-старший отдал пятнадцатилетнего Альбрехта в учение к нюрнбергскому живописцу Вольгемуту. Через четыре года Дюрер отправился в обязательное для каждого начинающего художника путешествие по немецким городам. Он должен был усовершенствовать свое искусство, чтобы получить звание мастера. А затем он совершил свое первое путешествие в Италию, о которой вы уже знаете.

Дюрер жил в тревожное и бурное время. С конца XV в. Германия была охвачена революционным движением. Восставали крестьяне, волновались города. Всеобщее недовольство вызывала католическая церковь, нещадно обитавшая и обманывавшая народ. Это было время Реформации и Великой крестьянской войны. В эти годы передовые люди Германии — ученые, писатели, художники стремились противопоставить невежеству католических священиков, диким суевериям, которые поддерживала церковь, научные знания, мысли о нравственном достоинстве и земной красоте человека.

Разносторонность интересов, столь характерная для людей Возрождения, отличала и Дюрера. Он писал картины, создавал гравюры на дереве, одним из первых обратился к гравюре на медных досках, был инженером и архитектором, изучал математику, был теоретиком искусства, читал древних авторов, сочинял стихи.

Одиннадцать лет спустя после первой поездки в Италию, уже признанным мастером, Дюрер вновь отправился в Венецию. Он удивил итальянцев тонкостью своего искусства, но и сам многому научился у них. От итальянских теоретиков искусства перенял Дюрер учение о пропорциях человеческого тела, а впоследствии и сам внес много нового в науку о пропорциях. Результаты своих исследований и наблюдений художник изложил в «Четырех книгах о пропорциях».

В 1520—1521 гг. Дюрер путешествовал по Нидерландам. И где бы он ни был, он везде рисовал. Художник заносил в свои путевые альбомы горные пейзажи и виды городов, зайца и носорога, портреты встречных людей. Его привлекали нравы и обычаи страны, одежда, местные достопримечательности и диковинные вещи. Эти рисунки помогали ему потом создавать картины и гравюры.

Дюрер создал свыше 200 гравюр, которые красноречиво рассказывают о разнообразных интересах художника. Современник крестьянских войн, Дюрер с явной симпатией изобразил простых крестьян - «Три крестьянина», ок. 1497. Глубокой правдой и близостью к жизни отличаются и его произведения на религиозные темы. Смутное время религиозных споров и феодальных распрей Дюрер отразил в гравюрах, иллюстрирующих «Апокалипсис» (1498). Мрачные видения церковной книги художник как бы переносит в современность. Вот четыре фантастических грозных всадника на лохматых конях — война, мор, нужда, смерть — топчут копытами всех людей, не выделяя ни богатых, ни знатных. Вот епископа пожирает дьявол, а праведниками оказались люди низших сословий. Ясно, кому отдавал свои симпатии художник.

Альбрехт Дюрер. Три крестьянтна беседуют

Альбрехт Дюрер. Апокалипсис

На одной из лучших своих гравюр — «Святой Иероним в келье» (1514 г.) Дюрер изобразил старого отшельника похожим на ученого своего времени. На полках стоят книги, на стене — песочные часы, на подоконнике лежит череп. В комнате царит тишина; заснули лев и собака — верные спутники Иеронима. С виртуозным мастерством передает художник мягкий свет, льющийся из окна, все мелочи обстановки кельи.

Альбрехт Дюрер. Святой иероним в кельи

Искусство Дюрера - гравера восхищало современников. Знаменитый Эразм Роттердамский восторженно восклицал: «Чего только он не может выразить в одном цвете, т. е. черными штрихами! Тень, блеск, выступы и углубления... огонь, лучи, молнии, пелену тумана, все ощущения, чувства, наконец, саму душу человека».

Не менее велик Дюрер и в живописи. Каллиграфически точная линия рисунка сочеталась в его живописных работах с насыщенными глубокими красками. Святые на его картинах — это живые люди, сильные душой и телом. Его мадонна с младенцем Христом - «Мария с младенцем» (1512) столь же красива, как и молодая венецианка, которую Дюрер написал в Италии в 1505 г. А в «Четырех апостолах» (1526), спорящих о книгах, которые они держат в руках, Дюрер создал монументальные образы, воплощающие черты различных человеческих характеров. Дюрер особенно любил изображать своих современников. Он создал большое количество портретов — живописных, награвированных или просто рисунков. Среди них и волевой, порывистый неизвестный молодой человек «Молодой человек» (1512), и спокойный умный друг художника Хольцшуэр «Иероним Хольцшуэр» (1526).

Альбрехт Дюрер. Мария с младенцем

Альбрехт Дюрер. Четыре апостола

Альберт Дюрер. Иероним Хольцшуэр

При использовании данных материалов ссылка на блог - обязательна