Испанский театр эпохи Возрождения

Испанцы первыми достигли высот драматической поэзии.

Первоначально театры в Испании создавались в гостиничных дворах, там, где сходились задние фасады нескольких домов - корралях. Окна служили ложами, а перед сценой размещалось несколько рядов скамей для знати; простые зрители толпились во дворе. Сценическая площадка была широкой. Посередине сцены висел занавес, разделяющий  ее на передний план и задний план. Балкон в зависимости от сюжета пьесы служил и башней, и окном, и горным уступом.

Открывался спектакль пением под аккомпанимент гитары, после чего произносился пролог. Затем разыгрывалась сама комедия. В антракте показывали небольшие танцевальные номера, пьесы, преимущественно комического характера, именуемые интермедиями, а также маленькие пьески в стихах с музыкой и плясками с двумя или тремя действующими лицами - сайнеты. Завершался спектакль танцевальным представлением с масками, песнями и шутками, в которые вовлекали и зрителей, - мохигангой.

Героями испанского театра бали люди сильные духом, с твердыми убеждениями, не допускающими поступков из корысти. Неудивительно, что в испанском драматическом искусстве власть королей, не следующих законам чести, осуждалась как форма деспотизма. 

Лопе де Руэда

Начало национальной истории испанского театра положил Лопе де Руэда (ок. 1510 г. - ок. 1565 г.), мастер комедии, бравший сюжеты для своих пьес прямо из жизни. Он был не только драматургом, но и блестящим актером, мастерски исполнявшим в одном спектакле несколько ролей, а также директором труппы, ставившей его пьесы в Севилье.

Свое творчество Лопе де Руэда в основном ориентировал на простых людей. Чтобы позабавить публику, в его пьесах всегда присутствуют острословные шуты и добродушные простаки. Именно Лопе де Руэда приписывают разделение пьес на акты.

Мигель де Сервантес
 Сааведра

Еще один выдающийся драматург того времени - всемирно известный Мигель де Сервантес Сааведра (1547 - 1616 г.г.), автор всемирно известного романа «Хитроумный идальго Дон Кихот Ламанчский». Свою литературную деятельность автор начал довольно поздно - в 38 лет. Всю свою жизнь Сервантес не прекращал писательской деятельности. Результатом его творчества стали остроумные интермедии, трагедийные пьесы, а также пьесы, воспевающие дух народного героизма и свободолюбия.

Лопе де Вега Карпио

Главенствующая роль в судьбе испанского театра принадлежит Лопе де Вега Карпио (1562 - 1635 г.г.). При нем испанский театр вышел на первое место среди европейских сцен конца XVI в. Сюжет его пьес выстроен таким образом, что событие, врывающееся в поток явлений,  нарушает спокойный ход действия, накаливая напряжение драматических переживаний до предела, выводя этот эмоциональный поток к осознанию строгой католической морали.

Педро Кальдерона
 де ла Барка

Лопе де Вега написал более 2000 пьес, из которых сохранились около 500. Его произведения - истинные "драмы чести", отстаивающие высокие идеи гуманизма и порицающие деспотизм и своеволие власть имущих. Лучшая его пьеса о крестьянской жизни - "Овечий источник", повествующая о восстании крестьян против феодала. Сюжет его поэтичных комедий о любви, так называемых комедий плаща и шпаги, полон запутанных обстоятельств и комичных хитростей героев. В этих комедиях утверждались главные идеи гуманизма: ценность человека в его личных достоинствах, в его уме и воле, силе духа и чистоте мотивов, а не в богатстве, власти и знатности рода.

Имя писателя Педро Кальдерона де ла Барка (1600 - 1681 г.г.) связано с завершающим и кризисным этапом "золотого века" испанского театра. В трагедиях, наполненных философским смыслом, также звучала вера в то, что человек и нравственность не разделимы, в то, что сила духа сможет побороть эгоизм и малодушие, в то, что человек способен жертвовать собой во имя высоких моральных идеалов и патриотических целей.

театр испании, испанский театр возрождения Лопе Лопе де вега овечий источник, золотой век испанского театра Кальдерона коррали интермедии мохиганг испанский театр в эпоху возрождения

При использовании данных материалов ссылка на блог - обязательна. Уважайте труд других!

Итальянский театр эпохи Возраждения

Итальянский театр эпохи Возрождения берет свое начало из народного искусства и тесно связан с философией гуманизма, зародившегося во время смены главенствующего класса феодалов новым классом - буржуазией. Люди, называвшие себя гуманистами, в центре своего внимания ставили человека, считая его высшей ценностью, тем самым поощряя всестороннее развитие его способностей.

Герои комедии дель арте: Бригелла, Панталоне, Доктор, Арлекино

Новизна, жизнерадостность и оптимистичность нового мировоззрения нашла свое отражение в шумных народных гуляньях. В Италии появились мастера импровизаций и лицедейства, поражавшие своими талантами и ловкими перевоплощениями на карнавалах, маскарадах и пиршествах. В Венеции полюбились изобретательные персонажи-маски:Бригелла,Арлекино, Панталоне и Доктор. Именно в то время родились маски персонажей первого европейского профессионального театра - комедии дель арте. Другое название этого итальянского народного театра - комедия масок. Каждое выступление - это импровизация актеров, одетых в маски, на основе сценария с краткой сюжетной линией. Слава о комедии масок, гремевшая по всей Европе, не миновала и далекую Россию.

Именно в спектаклях комедии дель арте берут свое начало законы театрального искусства. Уже тогда было зафиксировано, что главной особенностью сценического искусства является живое, ни на минуту не прекращающееся действие, а театральное искусство создается коллективно, т. е. посредством работы ансамбля.

В то же время в Италии существовал любительский гуманистический театр. Его аудитория - ученые и аристократия.

В XVI в. формируется такой жанр итальянской драматургии театра эпохи Возрождения как "ученая" комедия. Название говорит само за себя, что авторами таких комедий были люди с образованием. Наряду с веселыми и сатерическими "учеными" комедиями здесь перед зрителями разыгрывали потрясающие ужасами кровавые трагедии, а также поэтичные изящные пасторали с идеализированно изображенными придворными нравами под видом сцен из размеренной жизни пастухов.

Несомненно итальянская "ученая" комедия берет истоки у древнеримской комедии. Наиболее известные авторы этого жанра - Никколо Макиавелли, Пьетро Аретино, Джордано Бруно и другие.

Театр "Олимпико"

Стоит отметить, что именно в Италии эпохи Ренессанса архитекторы первыми в Европе стали строить театральные здания. Театр "Олимпико" - шедевральное творение архитектора Андреа Палладио, построенное в Виченце в конце XVI в., и сохранившееся до наших дней. Этот театр послужил прообразом для театров всего мира.

Архитектор Себастьяно Серлио разделил сцену на две части - переднюю, где играли актеры, и заднюю - для декораций. Каждому драматичекому стилю - свое декоративное оформление: трагедии - дворцовая площадь, комедии - улица города, для изображения мирной сельской жизни - поляна или лес. 

При использовании данных материалов ссылка на блог - обязательна. Уважайте труд других!

Театр в средневековой европе

В средневековой Европе большую популярность снискали гистрионы - народные актеры, бродившие по городам и собирающие на площадях и в рыцарских замках толпы народа. Это не были мастера одного искусства: они и рассказывали небылицы и истории, и пели, и играли на разнообразных инструментах, и жонглировали, и выполняли акробатические номера, разыгрывали смешные сценки, и даже выступали с дрессированными животными. Часто в своих выступлениях гистрионы потешались над теми, кто подавлял простых людей, чем вызвали недовольство и гонение со стороны церкви и феодалов.

Тщетно пытаясь запретить деятельность гистрионов и подавить интерес народа к их искусству, церковнослужители нашли способ заставить театр служить религиозным целям. Так, церковные службы стали сопровождаться сценками из жизни Христа и святых, которые разыгрывали переодетые священники. Примечательно, что для исполнения ролей обитателей ада привлекали лиц не духовного звания.

Так появилось главное направление в театральном искусстве средневековой Европы - церковный театр.

Жан Фуке. «Мученичество св. Аполлонии»

С начала IX в. во время общественного богослужения стали разыгрывать литургические драмы. Это были представления, показывающие самые драматические события из священного писания. В XIII в. их разыгрывали прямо перед храмом уже для гораздо большего числа людей. Эти представления получили название полулитургическая драма.

Во второй половине XIII в. возник еще один из жанров театрального искусства средневековой Европы, связанного с религией - мистерия. Как и в литургической драме, сюжет мистерии обычно брался из священного писания и дополнялся  комическими сценками.  Такие представления ставили не духовные служители, а рабочие люди. Следует отметить, что женские роли исполняли именно женщины, а не мужчины, как, например, в античном театре. Стоит ли говорить, что это зрелище было важным событием в жизни города. Люди начинали собираться, как только на площади появлялись первые декорации. Представления были очень правдоподомными и эффектными. Нередко зрители чувствовали себя участниками действа. Порой мистерия могла длиться от нескольких дней до нескольких недель.

Сюжет представления был весьма разнообразным: акробатические номера сменялись различными бытовыми комическими сценками, в которых угадывались народные обычаи и обряды. Такие сценки назвали "начинкой" мистерий или фаршем. Считается, что отсюда возникло слово фарс, которым позднее назвали отдельную форму спектакля средневекового театрального искусства.

Обретя независимость, именно фарс стал главным театральным событием в XVI в. Поистине, его можно считать самым демократичным стилем театра средневековой Европы: актеры показывали реальные картины быта и уклада своего времени.  Вместе с тем, каждая сценка была наполнена жизнерадостностью и не лишена юмора и сарказма. Наиболее успешным представлением в этом стиле был "Фарс об адвокате Пьере Патлене". Фарс был настолько популярным, что появились еще две его части, сложившиеся в трилогию об адвокате Патлене.

В XV и XVI вв. появился особый вид театрального искусства - моралите, главной темой которого были человеческие достоинства и пороки: любовь и ненависть, щедрость и скупость, великодушие и трусость. Эти произведения имеют явно выраженный аллегорический характер. Не трудно догадаться, что первоначальная цель моралите нравоучительная.

Таким образом, все вышеперечисленных формы средневекового театра оказали влияние на процесс формирования европейского театра.

При использовании данных материалов ссылка на блог - обязательна. Уважайте труд других!

Театр в Древней Греции и Риме

В 534 г. до н. э. в Афинах впервые была поставлена трагедия. В этой трагедии выступал всего один актер - он или рассказывал, или он отвечал на вопросы хора. Хор, который занимал главную роль в трагедии, своими песнями, ритмичными движениями, плясками задавал вопросы или откликался на рассказ актера. 

В каждом городе Древней Греции обязательно был свой театр, который обычно располагался под открытым небом. Афинский театр Диониса считался сравнительно небольшим - на 17 тысяч зрителей, а одиy из самых крупных театров был в Мегалополе - 44 тысячи зрителей. К середине V в. до н. э. в эпоху расцвета Афин сложилась целая церемония театральных представлений.

Афинский театр Диониса

Древнегреческий театр состоял из трех частей. Площадка, на которой происходила игра актера и хора, называется орхестра - в переводе с греческого означает"плясать". Орхестра строилась в виде круга и находилась у подножия холма или горы. Так было удобней строить театрон - место для зрителей, которое переводится как "смотреть". Театрон строился полукругом по склону холма или горы, как бы охватывая орхестру. Третьей частью была скена, которая предназначалась для переодевания актеров, и находилась она позади орхестры. Позднее ее стали оформлять колоннами как фасады дворцов и храмов.

Эсхил

Родившийся в 525 г. до н. э. известный греческий трагик Эсхил (проживший до 456 г. до н. э.) ввел второго актера, что привело к появлению диалога и оживлению трагедии, что придало больше действий в игре актеров. От Эсхила до нас дошло около 90 трагедий, таких как:

• "Семеро против Фив" - 467 год до н. э.; 
• "Персы" - 472 год до н. э.; 
• "Просительницы" - 470-х или 463 год до н.э.; 
• "Орестея" - 458 до н. э.; 
• "Агамемнон"; 
• "Хоэфоры" ("Жертва у гроба", "Плакальщицы"); 
• "Эвмениды" - 458 год до н. э.; 
• "Прометей" - около 415, 450-х или 440-х годов до н. э. 

  

  Софокл

Позже драматург Софокл (ок. 497-406 до н. э.) ввел третьего актера, каждый из этих актеров выполнял несколько ролей в том числе и женские. с появлением большего количества актеров роль хора постепенно стала уменьшаться, а на первое место стал выдвигаться актер, который раскрывал весь внутренний мир воплощаемого им героя.  Наиболее известными из дошедших до наших дней пьесами Софоклаявляются:

• "Аякс" другие названия "Эант", "Биченосцы" - между 455 - 445 г. до н. э.
• "Трахинянки" - около 450-435 г. до н. э.
• "Филоктет" - 409 г. до н. э. 
• " Эдип в Колоне" - 406 г. до н. э.
• "Электра" - ок. 415 г. до н. э.
• "Антигона" - ок. 442-441 г. до н. э.
• "Следопыты в Афинах" - постановка прошла в 406 г. до н. э.
• " Царь Эдип" или "Эдип - тиран" - ок. 429-426 г. до н. э.

Во время актерской игры для придания значительности и величавости своих героев актеры надевали обувь с очень высокой подошвой для увеличения своего роста - котурны, маски, которые напоминали шлемы и были с большими вырезами для глаз и рта, поверх масок надевали высокий головной убор и подкладывали что-нибудь под одежду.

Красивые движения актера оттенялись или подчеркивались танцами хора - то спокойным и величественным, то скорбным, то радостным. Музыкальное сопровождение на флейте или лире способствовало усилению трагического эффекта. Все действия происходящие на сцене направлялись на чувства зрителей, чтобы вызвать у них сострадание, радость или страх, помочь понять смысл жизни, что такое добро и истина, мудрость и доблесть. А для того, чтобы зрителей не вгонять в тоску, в тот же день после трех трагедий ставилась сатировская драма, которая давала необходимую разрядку после трагедии.

В начале V в до н. э. появилась комедия, которая стала частью программы праздника Диониса. В определенный день праздничных представлений соревновались трое поэтов, каждый с одной комедийной пьесой. Древнеаттическая комедия сохранила в себе черты народных обрядов, игр, которые были связаны с праздниками плодородия. У актеров комедии, также как и у трагиков, были маски, но они отличались растянутым ртом до у шей и приплюснутым носом. Условный карикатурный образ комического актера с его огромным брюхом и манерой держаться вызывали смех у зрителей. Народные обряды и игры принесли в комедию много беготни, криков с потасовками и драками, пляски с песнями и шутками, что очень разнообразило театральные выступления.

Аристофан

Хор в комедии носил костюмы и маски птиц, зверей и разных вымышленных фантастических зверей. Например, комедии Аристофана назывались по составу хора - "Облака", "Лягушки", "Птицы", "Осы". В лучших его комедиях ставились острые общественные и политические проблемы.

С IV в до н. э. постепенно из комедии начинают исчезать политические и общественные проблемы, грубые шаржи. Герои становятся более человечнее и проще, в сюжетах находят интересы, особенности характера и отношения человека. Такими были комедии Менандра.

В IV - III в. до н. э. в новоаттической комедии уже формируются устойчивые типы и маски героев: задира и болтун повар, ловкий раб-обманщик, льстивый подхалим, хвастливый и трусливый воин, милая девушка, злая богатая жена, влюбленный юноша, старик.

Хор почти исчезает и появляется только в небольших вставных сценках между действиями, а в центре внимания оказываются актеры.

В III - I в. до н. э. популярными становятся короткие постановки с бытовым содержанием, вокальные или драматические, буффонные или танцевальные - мимы. Мимы исполняли без масок, часто импровизируя, не имея сценария. Их исполняли не только мужчины, но и женщины. В то же время вместе с мимами получили распространение и пантомимы. Мимы с пантомимами исполнялись в домах перед гостями, на площадях.

Римляне продолжили традиции греческого театра, внеся некоторые особенности своих народных игр и обрядов.

Среди римлян популярными были короткие комедии с четырьмя постоянными персонажами, которые назывались ателлана: неудачливый медлительный дурачок Макк; жадный и богатый старикан Папп; обжора, болтун и сплетник Боккун; горбатый шарлатан и философ  Доссен.

Но самую большую популярность получили комедии паллиаты, названные так из-за плаща который носили герои комедии - паллиум. Это зрелище появилось из переделки новоаттической комедии, с добавлением элементов римских обрядов и игр.

В римском театре актеры принадлежали к бесправным низам общества и даже рабы могли играть на сцене, так как актеры не были связаны с религиозным культом, и поэтому не были в почете. Ведущий актер руководил труппой, состоящей из 3 - 5 человек.

Распространенными стилями игры на сцене были два вида. Первый - возвышенный, и облагороженный, связанный с театральной традицией Греции. Известным актером Рима в этом стиле был Эзоп. Второй стиль - комедийный, с чертами гротеска и буффонады. Известным актером в этом стиле был Росций.

Реконструкция архитектурного ансамбля театра Помпея

В Риме очень долго не было постоянного здания театра и только в середине I в. до н. э. известный политический деятель и полководец Помпей построил постоянное здание театра с общей вместимостью 17 580 человек. В конце того же века император Август закончил строительство своего театра с вместительностью 20 500 человек.

Особенно роскошными стали представления в эпоху Римской империи, но и в эту же эпоху театр был вытеснен гладиаторскими играми, и лишь небольшие бродячие труппы выступали на площадях, импровизируя веселые сценки.

При использовании данных материалов ссылка на блог - обязательна. Уважайте труд других!