Хусепе Рибера

Хусепе Рибера первым из испанских живописцев эпохи расцвета создал образы, замечательные по силе реалистического мастерства. Произведения Хусепе Риберавызывали удивление его современников.

Творчество этого художника отличается изображением сильных и разнообразных характеров людей, сложных и душевных переживаний. Он писал главным образом, как и все художники той эпохи, религиозные заказные картины, но зачастую моделями для его героев служили нищие, бродяги, грузчики порта. Полотна художника потрясают своей осязаемостью и реальностью. Именно так скульптурно и одушевленно изображен страдалец на картине «Мученичество св. Филиппа» («Мученичество св. Варфоломея»), написанной ок. 1639 (Прадо, Мадрид). Любопытно, но ранее считалось, что на картине изображен св. Варфоломей, однако доскональный иконографический анализ доказал, что на картине изображен мученик св. Филипп. Именно в честь святого Филиппа был назван король Филипп IV - заказчик картины. По легенде Апостолу Филиппу было решено проповедь слова Божия в языческих странах Азии. В Лидии, области Малой Азии, присоединился к нему св. апостол Варфоломей. Жители тех земель никогда еще не слышали о Христе и поклонялись идолам. Множество язычников уверовало в Христа после чудес, сотворенных Апостолами. Тогда жрецы осудили обоих апостолов на распятие.

Хусепе Рибера. "Мученичество свю Филипа"

Сильное мускулистое тело изображено уставшим и обессиленным от мук. Скуластое лицо полно невыносимым безмолвием отчаяния и страдания вместе с тем глаза святого страдальчески смотрят в небо, сожалея о язычниках, которым веками вкладывали лживое и суетное вероисповедание. Мученика привязывают к перекладине столба – орудию его казни, он испытывает нестерпимое физическое страдание. Вопреки боли и телесным страданиям он полон мужества и выдержки - он гибнет во имя своей идеи. Сильный дух, достоинство и мужество героя - лучшие черты испанского народа - не оставляют ни единого сомнения в реальности изображенного сюжета.

Контраст мужской силе и мученическому противостоянию создает нежный поэтический образ испанской девушки в картине «Св. Инеса», написанная в 1641 г. (Дрезден, Картинная галерея). Утонченность и женственность обнаженной молодой особы подчеркивает контрастный антураж: подземелье, темный подвал, каменный пол. Согласно легенде юная христианка за свои убеждения была унижена и оскорблена. Непоколебимая вера и молитвословие свершили чудо: ангелы спустились с небес и прикрыли нагую красоту мученицы. Поток волшебного льющегося света освещает ее гибкую фигуру. Художник создал священный образ, играя неуловимыми переливами желто-розового цвета плавно меняющими насыщенные коричневые и расплывчатые серые тона.

Хусепе Рибера. "Св. Инесса"

Моделью для образа Инессы стала дочь Риберы, Мария-Роза, красотой и утонченностью которой, отец безгранично гордился и восхищался.

Одновременно эффектно и одиозно передан образ мальчика-калеки на полотне «Хромоножка», написанном в 1642. Прославленная картина хранится в экспозиции Лувра, Париж. Хромой, как будто позирующий художнику, изображен не во время привычного занятия - прошения милостыни или скитания по заброшенным переулкам, художник вместо изображения подавленного и отягощенного существования, остановил время, сконцентрировался и масштабно запечатлел самого героя. Неудивительно, что за спиной мальчика ясное небо, он как бы позирует художнику, пытается стоять ровно и улыбаться. Между тем в свете некой торжественности картины контрастно выделяется действительность и подавленность существования маленького убогого человека: ясные глаза ребенка, с тоской смотрящие на мир, босые обезображенные ноги, изуродованные болезнью руки, искривленная в гримасе улыбка на лице, простая одежда в коричневых тонах. Изобразив героя картины, не дополнив произведение деталями, Рибера акцентирует и оттеняет значительность человека из народа.

Хусепе Рибера. "Хромоножка"

Риберабольшую часть своей жизни провел в Неаполе, принадлежавшем тогда Испании, но никогда не забывал свою родину и на некоторых своих картинах подписывался так: «Рибера-испанец».

При использовании данного материала ссылка на блог - обязательна

Франсиско Сурбаран

Еще один заметный мастер испанской живописи XVII столетия - это, конечно же, Франсиско Сурбаран. Всю свою жизнь художник был связан с Севильей, т. к. много работал по заказам ее монастырей. Современник и друг Веласкеса. Ранние работы выполнены под влиянием Караваджо, тем не менее развитие стиля происходило в направлении, близком к итальянским маньеристам.

В отличии от Хусепы Риберы Сурбарану были чужды драматические сюжеты, он редко изображал мучения святых. На его полотнах преимущественно спокойны и величавы. На написанных им картинах на религиозные сюжеты изображены действия на улицах Севильи и в кельях севильских монастырей. Быть может, именно поэтому современики художника не редко узнавали на картинах своих соотечественников и просто знакомых - настоятелей монастырей, ученых-монахов, а также прекрасных грациозных севильянок.

Порой художник отдавал предпочтения полотнам, на которых изображен всего один персонаж - фигуры поражают своей скульптурной рельефностью и величественностью, удивительной мощностью и объемом. Лица героев Сурбарана большей частью суровы и выразительны. Именно таков "Св. Лаврентий" - картина, написанная в 1636 г., находится в экспозиции Эрмитажа. Эта картина изображает мученичество как триумф богослужения, свет над головой идущего на казнь олицетворяет последующее небесное торжество святого. Лицо Лаврентия взволновано, но без тени страха. В руках - орудие казни, Решетка, на которой согласно легенде в 261 году по приказу римского императора Валериана он был сожжен заживо. Бросается в глаза убийство красок: золотая вышивка на темно-красном одеянии мученика, белая рубашка, пасмурное небо и рассеянный столб золотистого света.

Франсиско Сурбаран. "Св. Лаврентий"

Нельзя не отметить, что Франсиско Сурбаран уделял много внимания деталям. Любой предмет, окружающий героев его полотен, наделен некой одушевленностью. Именно поэтому так хороши и своеобразны его натюрморты. "Натюрморт с апельсинами и лимонами" написанный в 1633 г. (флоренция, собрание Контини-Бонакосси) поражает своей четкостью и лаконичностью: гладкий деревянный стол, металлическая тарелка с толстокорыми лимонами, плетенная ваза с апельсинами, глиняный сосуд. И вновь взгляд приковывают детали - зеленая веточка апельсинового дерева, отраженная в холодном блеске тарелки роза, бугристая кожура лимонов - фрукты кажутся необычайно сочными. Завершает изысканную монументальность натюрморта мягкий желтый свет, озаряющий стол.

Франсиско Сурбаран. "Натюрморт с апельсинами и лимонами"

Для украшения Зала королевств мадридского Дворца Буэн-Ретиро в 1634 г. Сурбаран написал серию картин "Подвиги Геракла". Эта работа не похожа не на одну другую из его работ. Однако именно эти мифологические сюжеты доказывают совершенное владение художника искусством изображения обнаженного тела. За эту серию Сурбаран получил от короля Испании Филипа IV звание придворного художника. Интересно, что первый подвиг этого мифического героя "Геркулес борется с Немейским львом" изображен на серебрянной монете Испании, выпущенной в 2011 году.

Картины из серии Франсиско Сурбарана "Подвиги Геракла":

"Геракл борется с Немейским львом"

"Геракл и Лернейская гидра"

"Геракл и Цербер"

"Смерть Геракла"

В своих поздних работах Сурбаран еще чаще изображает нежные и лиричные образы: мадонны с младенцами, дети. Именно такой маленькой, воздушной и чистой изображена богоматерь на картине "Отрочество мадонны", написанной в 1660 г. (Эрмитаж). И снова взгляд приковывает насыщенный красный цвет одежды молящейся девочки, плотными волнообразными складками необычайно точно передана фактура материала платья. Девочка изображена с несвойственной детям серьезность и спокойствием. Все полотно пронизано неким величием и одухотворенностью, детской наивностью и непосредственностью. 

Франсиско Сурбаран. "Отрочество Мадонны"

При использовании данного материала ссылка на блог - обязательна

Прикладное искусство

Произведения этого вида искусства особые. Их делают не для того, чтобы ими только лишь любоваться. На них сидят, ими работают, из них пьют и едят, их покупают в магазине, чтобы раскроить и сшить. Одним словом, это обычные вещи, окружающие нас, — ткани, посуда, мебель и различные бытовые предметы.

Но тогда при чем же здесь искусство?

Присмотритесь к этим вещам, и вы увидите, что в создании многих из них принимал участие художник. Он украсил узорами ткани и обои, придал красивую форму вазе для цветов и чайной чашке, позаботился о том, чтобы детали украшали, а не уродовали автомобиль.

Каждая новая вещь - небольшая победа человека над природой. Еще первобытные люди научились придавать камню, дереву, кости новую форму, превращать их в орудия, которые помогали им оборонятся от врага, охотится и готовить пищу. А потом человек создает совсем новые материалы - выплавлять из руды металл, превращать речной песок в прозрачное стекло, рыхлую глину в белоснежный тонкий фарфор. Открывая полезные свойства этих материалов, овладевая способами их обработки, человек учится также понимать их красоту, радуется своей изобретательности и умению, превращающим простые комки земли в красивые и нужные вещи.

Именно здесь, в прикладном искусстве, особенно ясно видно, что искусство и техника — близкие родственники. В старину их вообще не очень отличали друг от друга. Всего лет двести тому назад русское слово «художество» еще означало и искусство и ремесло, т. е. всякий ручной труд, требующий специального умения. Было, например, «живописное художество» и было «слесарное художество». Один и тот же человек, мастер-ремесленник, придумывал форму вещи, сам изготовлял ее из глины, дерева или металла, отделывал и украшал. Он был одновременно и инженером, и рабочим, и художником. Мастер хочет сделать вещь как можно лучше, показать в ней свое умение, свою власть над материалом. Он вкладывает в нее гораздо больше труда, мастерства и выдумки, чем нужно для того, чтобы из чашки можно было пить, на стуле сидеть, а ножом резать хлеб.

Так, делая вещи, трудясь, человек изменяет мир, приспосабливает его к своим потребностям, к своим мечтам о прекрасной жизни. И вещи, которые он делает, меняются вместе с его представлениями об этой жизни и о том, что может сделать ее удобной, радостной, счастливой. Вот почему вещи могут рассказать нам не только об изобретательности своих создателей, об их технических достижениях и научных знаниях, но и об их мечтах и надеждах, об их духовном мире. И потому вещи, предназначенные служить людям в быту, в повседневной жизни, становятся произведениями искусства и иногда, как картины или статуи, тоже попадают в музеи.

Много веков главным признаком счастливой жизни считалось богатство. Вещи, которые говорили о богатстве владельцев, казались особенно привлекательными, красивыми. Но серебряная посуда дорога еще и потому, что в ее изготовление вкладывалось особенно много труда. Вот, например, суповая чаша из «Парижского сервиза» императрицы Елизаветы Петровны. Знаменитый французский ювелир Франсуа Шермен придал ей причудливую, сложную форму. Вместо ручек он прикрепил к ней фигурки играющих детей, пышный герб окружил тяжелыми гирляндами.

Суповая чаша сделана не для музея. В ней подавали на стол суп во время парадных обедов во дворце. Но, увидев ее теперь в залах Эрмитажа, среди картин и статуй, вы не удивитесь,— сразу видно, что это произведение большого искусства. Но и простая деревенская миска, сделанная народным мастером-крестьянином, рядом с серебряной чашей она может показаться такой простой и грубой... Но это тоже искусство.

Не торопитесь искать красоту только там, где есть богатство и пышность. Вещь из дешевого материала может быть не менее красивой, если она сделана умело и с любовью. Вот на вращающемся гончарном круге из комка мягкой глины вырастают, плавно изгибаясь под умелыми пальцами гончара, тонкие стенки чаши. Глина податлива, легко принимает любую форму. Нужно только правильно найти эту упругую и мягкую линию изгиба стенок. И гончар находит ее и снимает с круга готовую миску. Высушенная и обожженная, покрытая блестящей глазурью, глина, становясь твердой и легкой, навсегда закрепляет найденную форму. Простота и точность этой формы, не скрытая никакими налепленными украшениями, так же ясно говорит об искусстве деревенского мастера, как и сложность серебряной чаши об искусстве придворного ювелира.

Впрочем, народные мастера тоже любят яркие, нарядные вещи. И на стенках глиняной миски гончар часто рисует широкими, как будто небрежными мазками кисти сказочных птиц или фантастические цветы (см. сооб. «Народное изобразительное искусство»). В самых разных видах прикладного искусства мы встречаемся с этим стремлением украсить уже готовую вещь, обогатить ее цветом, рисунком, узором.

Узор, орнамент — в сущности особый вид искусства, но он редко существует самостоятельно. Обычно он лишь дополняет архитектуру или прикладное искусство. Орнамент делает вещь сложнее и богаче, выделяет ее среди других, останавливает взгляд, заставляет полюбоваться не только всей вещью в целом, но и ее частями — резными ножками кресла, вышитыми рукавами платья.

Но яркая роспись может подчеркнуть красоту чистого белого фарфора, а может и совсем скрыть ее. Слишком богатая резьба на мебели помешает любоваться красотой самого дерева, тонким естественным узором его слоев. Слишком сложная лепка или пестрая роспись на вазе не позволит увидеть красоту ее формы. А главное, никакие украшения не сделают красивой неуклюжую, неудобную вещь плохой формы. « Ты не умел сделать красиво и потому сделал богато», — говорили древние греки.

Вот вазочка, сделанная из прозрачной, легкой пластмассы. Но по форме, украшениям и резьбе она почти не отличается от тяжелых, дорогих хрустальных ваз. Дешевая вещь как будто притворяется дорогой, пластмассовая вазочка — хрустальной. Издали она еще может обмануть глаз, но возьмите ее в руки, и обман рассеется. Пластмасса не похожа на хрусталь. Легкая и упругая, она лишена его блеска и твердости. Напрасно художник украсил ее сложными угловатыми гранями, которые на хрустале дробят свет, переливаясь всеми цветами радуги, — у пластмассы нет и этого свойства хрусталя.

А могут ли пластмассовые вещи быть по-настоящему красивыми, не подделываясь под уже знакомые нам формы глиняных, стеклянных, металлических вещей? Вот простая пластмассовая масленка — гладкая, с мягко изгибающейся прозрачной крышкой. Она скромна, не бросается в глаза, сделана вовсе не для того, чтобы служить украшением. И сделана она не руками, а машиной, но она красива.

Машинное, массовое производство изменяет облик вещей. Машина не может делать каждую новую тарелку по-другому. Она не всегда может передать сложную лепку или резьбу, но ей хорошо удаются прямые линии, гладкие поверхности, точные очертания. Можно постараться скрыть, что вещь сделана машиной, — нанести узор, как будто вырезанный от руки, как будто нарисованный кистью... Нужно ли это? Ведь опять получится фальшь, поддельная, ненастоящая красота.

Мы учимся видеть красоту не только в золоченой резьбе, покрывающей карету, но и в блестящей лакированной поверхности современного автомобиля. Его гладкие обтекаемые формы тоже ведь созданы художником. Вместе с конструкторами он работал над проектом машины, чтобы мы сразу увидели в ней силу и стремительность, чтобы мы полюбили машину и научились считать ее нашим другом и помощником. Так в наши дни искусство и техника вместе трудятся над тем, чтобы все, что нас окружает, все вещи не только дома, но и на улице, в учреждении были удобными и красивыми, чтобы они помогали сделать нашу жизнь такой, какой мы хотим ее видеть.

При исполь зовании данного материала ссылка на блог - обязательна

Бартоломе Мурильо

Последним из больших испанских художников был Мурильо, уроженец Севилье. Он писал главным образом религиозные картины по заказам севильских монастырей. Образы этого художника уже утратили мужественную и суровую правдивость предшественников, таких как: Диего де Сильва Веласкес, Франсиско Сурбаран, Хусепе Рибера и Эль Греко. Его увлекал образ мадонны, но он изображал не столько материнское чувство, сколько грациозность, нежную, миловидную красоту молодой женщины. Прекрасны и нежны образы мадонны в картине, написанной в 1666 г., "Мадонна дель Росарио" (музей Прадо, Мадрид) и юная мадонна в картине "Отдых на пути в Египет", отдыхающая на фоне деревьев около придорожного камня (1665 г., Эрмитаж, Санкт-Петербург). 

Бартоломе Мурильо. "Мадонна дель Росарио"

Бартоломе Мурильо. "Отдых на пути в Египет"

Однако в свои церковные картины он часто вводил и образы крестьян, нищих, больных, калек. Он писал и жанровые картины, изображая детей севильской бедноты. В картинах "Дети, играющие в кости" и "Мальчики, поедающие виноград и дыню" Бартоломе Мурильо хорошо изобразил бедных детей. Если посмотреть на картину "Мальчики, поедающие виноград и дыню", то можно увидеть с каким наслаждением эти босые в изрядно истрепанной и поношенной одежде мальчики, практически лишенные радостей в своей жизни, поедают дыню и виноград.

Бартоломе Мурильо. "Дети, играющие в кости"

Бартоломе Мурильо. "Мальчики, поедающие виноград и дыню"

Реалистические черты в творчесве Мурильо и его высокое мастерство связывают этого художника с его предшественниками, создателями искусства золотого века Испании.


При использовании данных материалов ссылка на блог - обязательна