Ионический ордер

Ионический ордер

Ионический ордер является одним из трех древнегреческих архитектурных ордеров, возникший в Ионии на северо-западном побережье Малой Азии у Эгейского моря. В V в. до н. э. получил широкое распространение на территории Древней Греции. 

От предшествующего дорического ордера отличается декором всех частей и легкостью пропорций.

Построенный архитектором Роикосом в 570 - 560 годах до н. э. храм Геры в Самосе считается первым из больших храмов ионического ордера, который вскоре был разрушен землетрясением. А самым выразительным представителем этого ордера стал храм Артемиды Эфесской, которыый попал в число "Семь чудес света".

Ионический ордер бывает двух вариантов: малоазийский - является основным и без фриза, аттический - появился позже и просто как модификация малоазийского ионического ордера.

Колонна ионического ордера отличается от дорического тем, чтоделится на три части: ствол, основание, капитель. База опирается на квадратный плинт (плита). Выпуклые полувалы или торусы базы, украшались орнаментальной порезкой или горизонтальными желобками,  похожими на каннелюры. Скоции (вогнутые элементы) обычно оставляли гладкими.

Ионическая капитель

Ионическая капитель отличается от дорической волютами. Волюты представляют из себя спиральные сдвоенные  орнаменты, которые вылепливаются на эхине по боковым сторонам капители и соединенны между собой валами, называемыми балюстры. Изначально волюты лепили в одной плоскости, а затем стали в четырёх плоскостях. Эта особенность ионического ордера сделала его устойчивым к критическим взглядам, высказывавшемся в IV веке до н. э., чем дорический ордер. Эхин в ионическом ордере находился под подушкой между волютами, как бы выглядывая из под них. Эхин и абака как правило украшались роскошной порезкой, более мелкой у абаки и крупной, в виде иоников, у эхина; они называются овы и представляют собой орнамент из яйцеобразных элементов, чередующихся обычно с стрелками и  листьями.

После непродолжительного экспериментирования с каннелюрами, их количество на стержне колонны было установлено в 24 шт. Такая стандартизация позволила сохранить пропорцию каннелюры по отношению к диаметру колонны не зависимо от масштаба, даже при завышенной высоты колонны. Каннелюры представляли собой половину окружности или эллипса, причем борозды разделялись между собой полосками цилиндрической образующей ствола, то есть дорожками. Расстояние между каннелюрами, в отличие от римской архитектуры, было очень маленьким, в результате чего они легко повреждались. Благодаря более глубоким бороздам и выраженным граням дорожек, ионический ордер выделялся своей игрой светотени, в отличие от дорического ордера.

Ионическая колонна всегда более стройна, чем дорическая: её высота в период архаики равнялась восьми диаметрам (1:8), а позднее превышала девять диаметров (1:9). Утончение ствола кверху также было меньше, чем например в дорическом ордере. Греческие зодчие расставляли колонны очень широко, стремясь таким образом к получению ощущения легкости и изящества.

В малоазийском ионическом ордере база почти не расширяется к низу, она отличается сложностью своей прорисовки. Её основу составляют две части: основание, близкое по форме к цилиндру, и торус. Иногда к ним добавлялось ещё одно основание базы, кроме плинта, которое состояло из трех элементов в виде двойного валика каждый, разделявшихся двумя скоциями. Такая база встречается чаще всего.

Антаблемент такой разновидности ионического ордера состоит из двух частей: архитрава и карниза. Архитрав зрительно выглядит легче дорического, за счет того, что небольшие горизонтальные уступы разделяют его на три гладкие, нависающие друг над другом полосы -фасции. Между архитравом и карнизом располагается пояс «сухариков». Венчающая часть -сима — украшалась очень богатой орнаментальной прорисовкой. Кровля малоазийского варианта чаще всего была плоской, что соответствовало основным архитектурно-строительным традициям региона.

Возникновение аттического ионического ордера было связано со строительством важнейших сооружений греческой культуры, например, ансамбля афинского Акрополя. Сильное влияние на процесс становления аттического ионического ордера оказал опыт традиций работы зодчих Аттики.

Аттическая база расширяется книзу, обозначая тем самым передачу давления от колонны на основание. База состоит из двух торусов, разделенных скоцией, причем именно форма скоции определяет расширение базы. Плинт в базе не считается обязательным элементом. Антаблемент состоит не из двух частей, как в малоазийском варианте, а из трех, как в дорическом ордере. Отличие аттического антаблемента заключается в том что фриз не разделён на триглифы и метопы, а огибает здание сплошной неразделённой полосой, гладкой или украшенной скульптурным рельефом.

Колонны аттического ионического ордера в целом не отличаются от малоазийского варианта. В небольших храмах существуют портики в которых колонны заменены статуями девушек. Но это лишь подвид аттических колонн. Кровля по своему устройству не отличается от дорического ордера.

Музыкальные жанры

Классическая музыка представляет собой огромное разнообразие жанров, различных по содержанию и по своим особенностями.

Жанры музыки делятся в зависимости от способа исполнения произведений. В первую очередь следует отметить вокальные жанры, в основе которых лежит переплетение голоса с лиричностью и эмоциональностью  слова. Именно вокальная музыка дала развитие инструментальным жанрам.

Таким образом, вокальная музыка представляет собой музыку, в которой главную роль исполняет голос, в сопровождении инструментов или "а капелла". Песня, романс, опера, оратория, кантата, и даже хор - все это вокальная музыка.

Не трудно догадаться, что самой простой и известной формой вокальной музыки является песня. Именно в песне лирический текст соединяется с незамысловатой мелодией. Нередко песня идет в паре с оркестикой или мимикой. Отличительной чертой песни является неоднократное повторение напева, причем главная мелодия одна и та же,  а окраску ей придает меняющийся текст. Также на выразительность мелодии влияет аккомпанемент. Наиболее простые аккорды аккомпанемента способны усилить красочность и образность текста. Так, например, в песне Глинки "Жаворонок" присутствует и звонкий птичий щебет, и искусные переливчатые трели. А в аккомпанементе музыкальной баллады Шуберта "Лесной царь" явно слышится скачка коня.

А. Вяльцева

Выразительным средством самой песни являются ритм, звук и мелодия, т. к. песня - музыкально-словесное искусство.

Н. Плевицкая

Наибольшую популярность в XIX в. получил романс - жанр, превосходящий по сложности песню. Само определение "романс" появилось в средневековой Испании и обозначало оно не духовную светскую песню на испанском языке. Как правило, это небольшое музыкальное сочинение на стихи любовно-романтического характера. Но все-таки романс зародился именно из песни. Настроение этого жанра держат и слова, и музыка. Расцвет романса в России наступил в начале XX в. Русские романсы были наполнены цыганскими мотивами. Наиболее прославленными исполнителями жанра были А. Вертинский, А. Вяльцева, Н. Плевицкая и др.

А. Вертинский

Несколько музыкальных произведений, концертов или альбомов, одинаковых по смыслу и форме, объединенных по стилю и характеру, идее и музыкальной тематике составляют музыкальный цикл. Например, фортепианный цикл П. И. Чайковского "Времена года", вокальный цикл Людвига ван Бетховена "К далекой возлюбленной".

Существуют и такие вокальные жанры, предназначенные для группы исполнителей - дуэты, трио, квартеты и т. д., а также для музыкального ансамбля или многочисленного музыкального коллектива - хоровые жанры. Хор может быть частью состава оперы, оратории, кантаты. Например, хор Половецких девушек из оперы А. П. Бородина "Князь Игорь". Руководит хором дирижер или хормейстер.

Кантата - произведение для солистов, хора или симфонического оркестра. Исполняется не только в концертах, а и в церквях, поэтому может содержать как светскую, так и духовную тему, быть лирической  или торжественной, скорбной или радостной, иметь философский смысл или просто повествовать о каком-либо событии. Наиболее известные кантаты начала XIX в. - произведения А. Н. Верстовского "Пир Петра Великого" на стихотворение А. С. Пушкина и "Последний день Помпеи" на либретто Ю. К. Арнольда.

Г. В. Свиридов

Оратория - большое музыкальное произведение для солистов, хора или оркестра. В отличие от кантаты сюжет оратории более разветвлен и драматичен, а сольные партии по сюжету принадлежат конкретным личностям. От оперы же отличается тем, что оратория исполняется без костюмов, декораций и без всякого сценического действия. Авторами ораторий являются такие знаменитые композиторы, как Бах, Бетховен, Моцарт, Гайдн и Мендельсон. Пик развития жанра в России пришелся на советское время. Самыми известными произведениями того времени являются "Патетическая оратория" Г. В. Свиридова и "На страже мира" С. С. Прокофьева.

Опера - поистине самый глубокий и многоликий жанр музыкально-драматического искусства. Опера изобилует красками. Этот жанр - настоящий калейдоскоп событий. Захватывающая дух драматургия и трогающая до глубины души поэзия, величественные декорации и яркие костюмы, завораживающая музыка и сложная хореография,  богатая живопись и выразительная мимика - опера способна поразить и пришедшего на представление впервые, и вновь изумить искушенного яркими зрелищами зрителя.

Почти всегда автор пишет оперу на литературный сюжет - либретто. Как правило, опера сочетает звучание оркестра, пение и речитатив. Речитатив - вокально-музыкальная форма, речь нараспев, певучий разговор. Начинается опера с увертюры - оркестровой пьесы, своеобразного вступления, в общих чертах описывающего все действие.

Зародилась опера в Италии из духовных представлений - мистерий. Именно в итальянской Венеции в 1637 г. был открыт первый публичный оперный театр. До этого опера была придворным развлечением. Некоторые историки полагают, что опера уходит корнями в античную трагедию.

Инструментальные жанры дают начало двум группам музыкальных произведений - камерной и симфонической.

Камерная музыка предназначена для исполнения солистом или малым количеством музыкантов в небольшом кругу слушателей. К камерным произведениям относятся: соната, сюита, ноктюрн, вариация, прелюдия, экспромт. Их исполняют как солирующие инструменты, так и музыкальные трио, квартеты и т. д.

П. И. Чайковский

Одной из первых и старых форм инструментальной музыки является тема с вариациями. Неудивительно, что основывается она на народном творчестве. Строится такая музыкальная форма путем видоизменения основного сюжета, первоначальной мелодии, именуемой темой. В теме меняются ритм, оттенок музыкального сопровождения, мелодические обороты. Тема мажет быть как оригинальной, так и позаимствованной (из народной песни). Пример таких вариаций можно найти в "Детском альбоме" П. И. Чайковского; а пьеса с названием "Русская песня" является производной русской народной песни "Голова ль ты моя, головушка".

Еще одна давно известная музыкальная форма - сюита, состоящая из нескольких небольших частей и имеющая циклическую форму.  Довольно часто сюита является музыкально-хореографическим произведением, состоящим из нескольких танцев. Таким образом она связана с песней и танцем, отличающимися по ритму, темпу и характеру. В отличие от сонаты и симфонии части сюиты более самостоятельны и независимы друг от друга. Правильную очередность частей сюиты определили в Германии в XVII в.:

1. Основная часть - умеренно-медленная немецкая аллеманда.

2. Быстрая стремительная французская куранта.

3. Медленная и торжественная испанская сарабанда.

4. Широко известный быстрый старинный танец жига.

Н. А. Римский-Корсаков

Для XVII - XVIII в.в. характерны танцевальные сюиты. В XVIII в. в сюиту добавили два танца: теперь между сарабандой и жигой были веселый менуэт, полонез, буррэ и др.Нетанцевальные сюиты для оркестра появились в XIX в. Самой известной, пожалуй, можно назвать "Шехерезада" Н. А. Римского-Корсакова, а также "Картинки с выставки" М. П. Мусоргского.

Соната - жанр инструментальной музыки, сложившийся в конце XVIII в. и ставший одним из самых любимых. Классические сонаты создавались композиторами для небольшого количества инструментов - одного или двух. Наиболее известные творцы XVIII в. - Моцарт, Бах, Гайдн. Их композиции в основном включали две-три части, отличавшиеся музыкальными образами.

Начиналась соната с динамично раскрывающейся первой части, основанной на развитии двух противоположных музыкальных тем, состоящей из: экспозиции - завязки, разработки - взаимодействия тем, репризы - повторения и коды - итога. Вторая часть - более мелодичная, нежная, плавная. Третья часть сонаты - финал, как в первой части энергичная музыка, но отличающаяся по характеру. Нередко лирической частью сонаты служил менуэт. Бетховен и вовсе сочинял сонаты в четырех частях, тогда вслед за лирической частью танцевальная пьеса менуэт или оживленное шутливое скерцо помещалось как отдельная часть сонаты.

Симфоническая музыка отличается от камерной тем, что предназначена для симфонического оркестра, является более глубокой, грандиозной, но вместе с тем доступной и понятной. Также симфоническими по содержанию, конструкции и композиционному развитию могут считаться и произведения для небольших ансамблей и отдельно солирующих инструментов.

Симфоническая музыка поражает многообразием музыкальных форм и жанров:

- увертюра - оркестровая пьеса, представляющая собой вступление к опере, балету или самостоятельное произведение. Рихард Вагнер и Иоганн Штраус-младший представляли свои программные (по самостоятельному сюжету или сюжету литературного произведения) увертюры, кратко повествующие о содержании предстоящей драмы;

- симфоническая фантазия - произведение свободной формы;

- программные произведения в одной части - симфонические поэмы;

- произведения в нескольких самостоятельных частях - симфонические сюиты.

Симфониявключает в себя ряд контрастирующих между собой музыкальных частей, обычно три или четыре. Такое произведение напоминает драматическую пьесу в нескольких актах. Классическими примерами являются симфонии Моцарта, "Богатырская симфония"А. П. Бородина.

Концерт - богатое и сложное произведение для солирующего инструмента в сопровождении оркестра. Исполнитель концерта без преувеличения должен быть  виртуозом. На сцене происходит своеобразное состязание: оркестр то замолкает, завороженный страстностью чувства и изяществом звуковых узоров в партии солиста, то перебивает его, спорит с ним, а потом, ликуя, подхватывает его тему.

Впервые появившись в XVI в., концерт тесно связан с именем великого Моцарта. Свой вклад в развитие исполнительного искусства своими концертами для разнообразных инструментов сделали также Бетховен, Шопен, Шуман, Дворжак, Григ, Рахманинов, Чайковский, Хачатурян, Кобалевский.

Бесспорно, симфоническая музыка является величайшим явлейнием мировой музыкальной культуры.  В бесконечно разнообразных сочетаниях музыкальных образов и в контрастном чередовании их ритмов, темпов и движений - быстрого, медленного, легкого танцевального и снова стремительно быстрого - создатели симфоний с большой художественной силой воссоздают различные стороны действительности.

Самым распространенным и любимым жанром XIX в. можно назвать романс. Мелодия романса намного сложнее песни, т. к. кроме широкого песенного склада бывает еще и напевно-декламационного

При использовании данных материалов ссылка на блог - обязательна. Уважайте труд других!

Искусство Англии XVIII в.

Упоминание о первом знаменитом английском художнике уходит в далекий XVIII в. и касается оно Уильяма Хогарта  (1697 - 1764 г.г.) - блестящего портретиста, иллюстратора, автора острых сатирических гравюр.  Удивительно, что величественная Англия, опережавшая в своем развитии всю Европу, славилась выдающимися изобретателями, учеными и писателями, но была обделена яркими представителями изобразительного искусства вплоть доXVIII в.

Автопортрет Уильяма Хогарта. 1745

Уильям Хогарт вошел в историю не только английского, а и мирового искусства. Именно он и его творчество стали сильным связующим звеном между изобразительным искусством, театром и литературой. Его друзьями были писатели Свифт и Филдинг, а также знаменитые актеры того времени Дэвид Гаррик и Эдмунд Кин. 

Уильям Хогарт. Дэвид Гаррик в роли Ричарда III. 1745

С раннего детства имеющий способности к рисованию и блестящую память на детали, но не имея средств на образование, Хогарт, так и не доучившись в начальной школе, стал помощником у гравера по серебру. Там он познакомился с азами работы с металлом и открыл для себя стиль рококо. Позже, став единственным кормильцем в семье, художник занялся изготовлением мелких изделий - гербов и визиток. Разумеется, такая работа не доставляла удовольствия. Желая быть частью высокого искусства, он начал посещать уроки живописи в частной художественной академии Лондона, параллельно занимаясь самообразованием. 

В 1720 г. Хогарт открыл небольшую граверную мастерскую. Чуть позже, бросив академию, посещал школу живописи и рисунка, овладел искусством книжной иллюстрации.

Его серии картин "Карьера мота" (1732 - 1735 г.г., Музей Соуна, Лондон), "Модный брак" (1743 - 1745 г.г., Национальная галерея, Лондон) повествуют о судьбе и приключениях героев с блестящим юмором и поразительной проницательностью. К своему искусству Хогарт относился ответственно, вкладывая в свои творения глубокий смысл, конечной целью видя воспитание нравственности человека посредством искусства, и искоренение человеческих пороков тем же способом. Чтобы как можно больше людей ознакомились с его картинами, художник делал с них гравюры, которые были интереснее тех самых картин и раскупались еще быстрее. 

Серия картин Уильяма Хогарта "Карьера мота":

Сцена первая. Вступление в наследство

Сцена вторая. В богемном окружении

Сцена третья. В таверне

Сцена четвертая. Остановка из-за долгов

Сцена пятая. Женитьба на старой деве

Сцена шестая. В игорном доме

Сцена седьмая. В тюрьме

Сцена восьмая. В сумасшедшем доме

Серия картин Уильяма Хогарта "модный брак":

Сцена первая. Брачный контракт

Сцена вторая. Вскоре после свадьбы

Сцена третья. Визит к шарлатану

Сцена четвертая. Будуар графини

Сцена пятая. Дуэль и смерть графа

Сцена шестая. Смерть графини

Всю жизнь занимаясь написанием портретов, Хогарт блестяще и совершенно точно научился передавать характер человека. Это умение принесло художнику успех. Одна из его картин - "Девушка с креветками" (после 1750 г., Национальная галерея, Лондон) прославила его как одного из лучших портретистов мира, правда уже много позже. Художник с легкостью передал на полотне молодость, веселое настроение, восторг и радость, переходящие на зрителя заразительное веселье и задор девушки.

Уильям Хогарт. Девушка с креветками. после 1750

По праву портрет считался излюбленным жанром живописи в Англии. Не случайно до XVIII в. в Англию приглашались знаменитые портретисты - Ганс Гольбейн Младший и ван Дейк. А потом искусство портрета в Англии развилось до такого уровня, что именно английские художники стали получать приглашения в друге страны. Лучшая пора портрета связана с именами художников Джошуа Рейнольдса (1723 - 1792 г.г.) и Томаса Гейнеборо (1727 - 1788 г.г.). Будучи соперниками, оба творца сделали неоценимый вклад в искусство Англии.

Любимым персонажем портретов Рейнольдса, первого президента Королевской академии искусств, прирожденного лидера и блестящего оратора, был человек с сильным характером, пульсирующий активностью. Ему позировали политические деятели, знаменитые актеры, писатели и военачальники. Не удивительно, что в полотнах Рейнольдса преобладают тона красного и золотого. Объемы прорисованы уверенно и плотно. Все это отражает решительность и твердость характеров героев его картин.

Картины Гейнсборо, любителя музыки, напротив, наполнены утонченной поэтичностью. Художник, тонко чувствующий связь природы с человеком, обыгрывает образы в жемчужно-серых и серебристо-голубых тонах. Герои его картин - нежные, мечтательные и  утонченные личности. На первый план выходит состояние человека, его ощущения. Гейнсборо преуспел в написании портретов женщин и детей. Так, его картина "Голубой мальчик" (ок. 1770 г., галерея Хантингтон, Сан-Марино, США) может соперничать с портретами ван Дейка. Кажется, техника написания Гейнсборо пропитана музыкальной гармонией и еле уловимым волшебством.

Томас Гейнсборо. Голубой мальчик

Таким образом, золотой век английской живописи тесно связан с именами Хогарта, Рейнольдса и Гейнсборо, давшим жизнь живописи Англии и подарившими расцвет портретному искусству.

При использовании данных материалов ссылка на блог - обязательна. Уважайте труд других!

Английский театр эпохи Возрождения

Уильям  Шекспир

Формирование и становление английского театра происходило под влиянием творчества выдающегося английского поэта Уильяма Шекспира (1564 - 1616 г.г.). Творчество Шекспира является результатом всего предшествующего развития драматического искусства, кульминацией театрального стихотворного искусства мира, и дает перспективу дальнейшему развитию искусству театра. 

В раннем периоде своего творческого пути Шекспир в значительной мере  преуспел в написании светлых радостных комедий, а также исторических хроник. Наиболее известные плоды довольно жизнерадостного этапа творчества - романтические комедии "Сон в летнюю ночь", "Венецианский купец", "Много шума из нечего", "Как вам это понравится", "Двенадцатая ночь". 

Затем настал период трагедий, вызванный во многом историческими событиями, резко обнажившими противоречивость мира. На смену гуманистически идеальному образу человека, царившего в произведениях Шекспира, пришел новый герой - властолюбивый собственник, эгоистичный и корыстолюбивый.

Шекспировские самоотверженно бросали вызов и вступали в борьбу с всесильными противниками. Недостатки и роковые ошибки героев, ломающие их судьбы и судьбы их любимых, изображенных в известных на весь мир трагедиях "Гамлет", "Отелло", "Король Лир", "Макбет", даже своей гибелью отстаивали и защищали идеи гуманизма, его идеалы, утверждая веру в человека в его светлое будущее. Критики считают этот период пиковым в творчестве Шекспира. 

Неудивительно, что будучи блестящим драматургом, Уильям Шекспир руководил театром. Театр "Глобус" был построен в 1599 году за чертой Лондона на южном берегу Темзы, так как власти были против зрелищ в городе. 

На верхушке здания располагалась небольшая вышка, на которой во время спектакля гордо развевался флаг.

Представление показывали под открытым небом -  простые люди стояли перед сценой, богатые же располагались поудобнее на рядах, тремя ярусами тянувшимися вдоль округлых стены театра. Сцена была разделена на три части: переднюю - просценариум, заднюю, накрытую соломенным навесом и отделенную двумя боковыми колоннами, на которых была расположена верхняя сцена - балкон. Саму сцену украшали коврами, а сверху вешали полотнище подходящего по случаю цвета: в комедиях - голубое, в трагедиях - черное. Деталями четко обозначалось место действия пьесы, например, наличие на сцене трона указывало на то, что действие разворачивается во дворце, а появление на сцене деревьев - что переносится в лес. Считается, что  Шекспировский театр был довольно вместительный - около 3000 зрительских мест.

Ричард Бербедж

Состав труппы был достаточно мал - от 8 до 12 человек, поэтому каждый актер исполнял три, а то и больше ролей за один спектакль. Женские роли приходилось играть миловидным юношам. Комедийными ролями прославились такие актеры как Ричард Тарлтон, который был любимым комиком Елизаветы I, и его преемник Уильям Кэмп. Знаменитыми трагическими актерами того времени были Эдуард Аллейн, особо полюбившийся зрителю в пьесах К. Марло, и Ричард Бербедж, друг и соратник Шекспира, блестяще исполнявший роли - Гамлета, Отелло, Лира, Ромео и Макбета.

Стоит отметить, что театр Шекспира был построен на деньги труппы актеров, участником которой был и сам Шекспир. Строительство театра велось с использованием конструкций из дерева на месте более раннего театра, называвшегося довольно незамысловато - "Театр". В 1613 году во время показа спектакля «Генрих VIII» театр "Глобус" сгорел. Но и на этом драматические события, связанные с театром не закончились. Отстроили театр после пожара в 1614 году, а в 1642, когда в Англии во всю уже набирала обороты буржуазная революция, "Глобус" был закрыт английскими протестантами (пуританами), а через два года и вовсе снесен. Тогда, в 1642 г. все театральные представления были под запретом специального указа парламента. Вновь возобновились массовые зрелища уже в 1660 г. после возрождения английской монархии. 

Открытие нового "Шекспировского театра "Глобус", состоялось уже в наше время, в 1995 году. Нынешний театр построен в 205 м. от его начального местоположения. Заслуживает внимания тот факт, что в современном "Глобусе" строители и архитекторы постарались сохранить дух того времени и воссоздать первоначальный вид театра: сцена, закрытая крышей, выступает в огромный груглый двор. Вокруг сцены - стоячие места для зрителей. Круглый двор окружен тремя наклоненными ярусами с сидячими местами. 

При использовании данных материалов ссылка на блог - обязательна. Уважайте труд других!