Мастера немецкого Возраждения

Значительным мастером немецкого Возрождения был Лукас Кранах Старший (1472—1553). Кранах много путешествовал, однако большую часть своей жизни провел при дворе саксонских князей в Виттенберге. Как придворный художник и камердинер князя, он писал парадные портреты, многочисленные картины на религиозные и мифологические темы, украшал залы для приемов и празднеств. Помимо этого, Кранах должен был изображать наиболее значительные события при дворе. Одна из картин художника запечатлела княжескую охоту — любимое развлечение знати (1529).

Автопортрет. Лукас Кранах Старший

Кранах одним из первых в Германии стал писать природу родной страны. Пейзаж присутствует у него и в картинах религиозного содержания. В сцене «Отдых на пути в Египет» (1504) мохнатые ели уютно обступили усталых путников: мадонну с младенцем Иисусом и ее мужа Иосифа. Перед мадонной и шаловливыми ангелами — сплошной ковер трав и цветов.

Лукас Кранах Старший. Отдых на пути в Египет

Кранах написал много портретов. Художнику позировали важные герцоги в шитых золотом одеждах, кокетливые придворные дамы, ученые, погруженные в раздумье. Но больше всего ему, пожалуй, удался портрет Мартина Лютера (1532, Дрезденская галерея). Со знаменитым реформатором церкви живописца связывала долголетняя дружба. Правдиво, без прикрас передает Кранах некрасивое, но мужественное лицо Лютера, сдвинутые брови, энергичный поворот головы.

Лукас Кранах Старший. Портрет Мартина Лютера

Другой замечательный немецкий портретист, Ганс Гольбейн Младший (1497 —1543), не найдя возможности работать в Германии, рано покидает родной город Аугсбург. Он поселяется в Швейцарии, в Базеле — крупном центре книгопечатания.

В Базеле Гольбейн иллюстрирует книги, расписывает фасады домов, создает рисунки для гравюр. «Пляска смерти» (1524— 1526) — наиболее значительная серия его гравюр. Это маленькие, тщательно сделанные гравюрки. На них смерть в виде скелета неотступно преследует всех. Ее приближение обнажает человеческие пороки. Смерть хватает монаха, прячущего толстый кошелек; обернувшись восставшим крестьянином, она наносит удар графу. Смерть выглядывает из-за трона римского папы, подгоняет на поле тощую лошадь пахаря.

Работа над иллюстрированием книг сблизила Гольбейна с видными книгоиздателями, писателями, учеными. Другом художника был автор знаменитой едкой сатирической книги «Похвальное слово глупости» Эразм Роттердамский. Гольбейн оставил нам замечательный портрет Эразма в профиль (1523) с рукописью в руках. Художник тонко уловил и передал умную и ироническую усмешку немецкого гуманиста.

Ганс Гольбейн Младший. Портрет Эразма Роттрердамского

В портрете молодого купца Георга Гисе (1532) Гольбейн уделил большое внимание обстановке, в которой жил его герой. Гисе сидит за столом в своей конторе. Передним лежат перья, печать, конторская книга. К стене прикреплены долговые записки, на полочке - весы для взвешивания золота. И каждый предмет Гольбейном тщательно выписан.

Ганс Гольбейн Младший. Портрет Георга Гисе

Гольбейн часто писал портреты людей незаурядных, выделявшихся своими способностями и умом. Таков Шарль де Моретт, посланник французского короля в Англии. Моретт облачен в богатые одежды, на груди - золотая цепь. Сила и внутренняя энергия угадывается в суровом лице этого человека, в жести руки, обхватившей кинжал.

Ганс Гольбейн Младший. Портрет Шарля де Моретта

Портрет Моретта был написан в Лондоне, куда Гольбейн переехал в конце своей жизни. Здесь он стал придворным художником английского короля Генриха VIII. Помимо парадных живописных портретов членов королевской семьи и приближенных короля, Гольбейн создал в это время карандашных портретов. Они написаны легкими, уверенными штрихами и нередко подсвечены цветными мелками.

Сложной и трагической была судьба художника Матиаса Грюневальда (р. после 1460—1528). За свою приверженность идеалам реформации и сочувствие восставшим крестьянам он лишился места при епископском дворе в Майнце, где считался придворным художником, вынужден был бежать и лишь чудом избежал суда церкви. Его живопись выделяется редкой для немецких художников эмоциональной насыщенностью цвета. 

Грюневальд писал картины исключительно на религиозные сюжеты. Но в них он умел поведать о мыслях и чувствах, которые волновали современников. Наиболее известная работа Грюневальда — алтарь для монастыря в Изенгейме (ок. 1512—1516). Как правило, алтарь имел три створки, на которых изображались религиозные сцены. Обычно створки были закрыты, а во время богослужения их открывали. Поэтому алтари украшали как снаружи, так и изнутри. 

На внешних сторонах створок Изенгеймского алтаря Грюневальд изобразил распятого Христа. Его израненное, кровоточащее тело выделяется на фоне иссиня-черного неба. Подлинное горе охватило людей, пришедших к распятию. Мать Христа, обессилев, падает на руки стоящего рядом человека. Плача, взметнула вверх руки Мария Магдалина. Сумрачны и суровы краски, которыми написал художник сцену. Образ истерзанного Христа напоминал о мучениях и кровавых расправах, которым подвергались восставшие крестьяне.

Матис Грюневальд. Внешняя сторона створок Изенгеймского алтаря

Но вот открываются створки, и перед зрителем возникает радостная сцена. Светлеют краски. Лучи солнца заливают горный пейзаж и дали равнины. Молодая мадонна нежно склонилась к младенцу, бережно поддерживая его руками. Улыбка играет на губах женщины, лицо озарено счастьем материнства. Ангелы славят светлую радость и мир.

Матис Грюневальд. Внутренняя сторона створок Изенгеймского алтаря

О счастье и мире мечтали многие современники Грюневальда в раздробленной, обессиленной феодальными распрями Германии. Мечтам этим не суждено было сбыться. Поражение народного движения, победа князей на долгие годы задержали развитие Германии, ее культуры.

При использовании данных материалов ссылка на блог - обязательна

Альбрехт Дюрер

В середине 90-х годов XV в. в Италию приехал молодой немецкий художник. Путешествовать в Италию не было в обычае у немецких живописцев, и молодой немец был одним из немногих, кто решился на это.

Италия, родина Возрождения, произвела на него огромное впечатление. Его увлекло светлое искусство этой страны и многоликая жизнь итальянских городов. Но еще больше он был поражен образованностью итальянских художников, тем уважением и почетом, каким они пользовались у себя в стране.

Вернувшись домой, художник написал автопортрет (1498), изобразив себя не простым ремесленником, каким был в те годы в Германии художник, а богато одетым дворянином. Руки спокойно сложены, глаза внимательно и с достоинством смотрят на зрителя. Это свободный и независимый человек, знающий себе цену — Альбрехт Дюрер.

Альбрехт Дюрер. Автопортрет

Альбрехт Дюрер был величайшим художником и новатором немецкой живописи. Он родился в Нюрнберге, городе, где процветало книгопечатание. Отец Дюрера был золотых дел мастер. Первые навыки рисования Дюрер получил в мастерской отца. Заметив, однако, что сын проявляет больше склонности к живописи, чем к ювелирному делу, Дюрер-старший отдал пятнадцатилетнего Альбрехта в учение к нюрнбергскому живописцу Вольгемуту. Через четыре года Дюрер отправился в обязательное для каждого начинающего художника путешествие по немецким городам. Он должен был усовершенствовать свое искусство, чтобы получить звание мастера. А затем он совершил свое первое путешествие в Италию, о которой вы уже знаете.

Дюрер жил в тревожное и бурное время. С конца XV в. Германия была охвачена революционным движением. Восставали крестьяне, волновались города. Всеобщее недовольство вызывала католическая церковь, нещадно обитавшая и обманывавшая народ. Это было время Реформации и Великой крестьянской войны. В эти годы передовые люди Германии — ученые, писатели, художники стремились противопоставить невежеству католических священиков, диким суевериям, которые поддерживала церковь, научные знания, мысли о нравственном достоинстве и земной красоте человека.

Разносторонность интересов, столь характерная для людей Возрождения, отличала и Дюрера. Он писал картины, создавал гравюры на дереве, одним из первых обратился к гравюре на медных досках, был инженером и архитектором, изучал математику, был теоретиком искусства, читал древних авторов, сочинял стихи.

Одиннадцать лет спустя после первой поездки в Италию, уже признанным мастером, Дюрер вновь отправился в Венецию. Он удивил итальянцев тонкостью своего искусства, но и сам многому научился у них. От итальянских теоретиков искусства перенял Дюрер учение о пропорциях человеческого тела, а впоследствии и сам внес много нового в науку о пропорциях. Результаты своих исследований и наблюдений художник изложил в «Четырех книгах о пропорциях».

В 1520—1521 гг. Дюрер путешествовал по Нидерландам. И где бы он ни был, он везде рисовал. Художник заносил в свои путевые альбомы горные пейзажи и виды городов, зайца и носорога, портреты встречных людей. Его привлекали нравы и обычаи страны, одежда, местные достопримечательности и диковинные вещи. Эти рисунки помогали ему потом создавать картины и гравюры.

Дюрер создал свыше 200 гравюр, которые красноречиво рассказывают о разнообразных интересах художника. Современник крестьянских войн, Дюрер с явной симпатией изобразил простых крестьян - «Три крестьянина», ок. 1497. Глубокой правдой и близостью к жизни отличаются и его произведения на религиозные темы. Смутное время религиозных споров и феодальных распрей Дюрер отразил в гравюрах, иллюстрирующих «Апокалипсис» (1498). Мрачные видения церковной книги художник как бы переносит в современность. Вот четыре фантастических грозных всадника на лохматых конях — война, мор, нужда, смерть — топчут копытами всех людей, не выделяя ни богатых, ни знатных. Вот епископа пожирает дьявол, а праведниками оказались люди низших сословий. Ясно, кому отдавал свои симпатии художник.

Альбрехт Дюрер. Три крестьянтна беседуют

Альбрехт Дюрер. Апокалипсис

На одной из лучших своих гравюр — «Святой Иероним в келье» (1514 г.) Дюрер изобразил старого отшельника похожим на ученого своего времени. На полках стоят книги, на стене — песочные часы, на подоконнике лежит череп. В комнате царит тишина; заснули лев и собака — верные спутники Иеронима. С виртуозным мастерством передает художник мягкий свет, льющийся из окна, все мелочи обстановки кельи.

Альбрехт Дюрер. Святой иероним в кельи

Искусство Дюрера - гравера восхищало современников. Знаменитый Эразм Роттердамский восторженно восклицал: «Чего только он не может выразить в одном цвете, т. е. черными штрихами! Тень, блеск, выступы и углубления... огонь, лучи, молнии, пелену тумана, все ощущения, чувства, наконец, саму душу человека».

Не менее велик Дюрер и в живописи. Каллиграфически точная линия рисунка сочеталась в его живописных работах с насыщенными глубокими красками. Святые на его картинах — это живые люди, сильные душой и телом. Его мадонна с младенцем Христом - «Мария с младенцем» (1512) столь же красива, как и молодая венецианка, которую Дюрер написал в Италии в 1505 г. А в «Четырех апостолах» (1526), спорящих о книгах, которые они держат в руках, Дюрер создал монументальные образы, воплощающие черты различных человеческих характеров. Дюрер особенно любил изображать своих современников. Он создал большое количество портретов — живописных, награвированных или просто рисунков. Среди них и волевой, порывистый неизвестный молодой человек «Молодой человек» (1512), и спокойный умный друг художника Хольцшуэр «Иероним Хольцшуэр» (1526).

Альбрехт Дюрер. Мария с младенцем

Альбрехт Дюрер. Четыре апостола

Альберт Дюрер. Иероним Хольцшуэр

При использовании данных материалов ссылка на блог - обязательна

Искусство нидерландского Возраждения

Ван Эйки, Босх, Брейгель Старший

На надгробии замечательного нидерландского живописца Яна ван Эйка, похороненного в церкви св. Доната в городе Брюгге, было высечено:

Он писал и дышащие жизнью изображения людей,

И землю с цветущими травами,

И все живое прославлял своим искусством...

Неизвестный автор эпитафии прекрасно понял не только характер живописи Яна ван Эйка, но и источник очарования нидерландского искусства первой половины XV в.

Раннее нидерландское Возрождение, пришедшее на смену средневековью, можно сравнить с человеком, проснувшимся после долгого сна и с удивлением и восторгом увидевшим, как хорош окружающий мир. Все ему кажется прекрасным, исполненным глубокого смысла - и серебристый утренний свет, пронизывающий влажный воздух, и цветы, и тихие улочки с домами под остроконечными крышами, и очаг и нехитрая домашняя утварь, и, конечно, люди.

Рождение нового искусства на севере Европы происходило совсем не так, как в Италии. У Нидерландов (в XV в. Нидерланды включали в себя территорию современных Нидерландов, Бельгии, северо-восточной Франции и Люксембурга) не было античного прошлого, и Возрождение здесь оказалось значительно сильнее связанным с готическим искусством средневековья (см. сооб. «Искусство средневековья в Западной и Центральной Европе»). В Нидерландах мы не встретим фресок, как в Италии, но зато в эпоху средневековья здесь, как и в других странах Северной Европы, процветало утонченное искусство книжной миниатюры. Иллюстрации рукописей выполнялись с таким виртуозным мастерством, такими сияющими красками, что книги превращались в настоящие драгоценности. Да они и ценились на вес золота.

Первые живописцы нидерландского Возрождения научились у миниатюристов средневековья точной, филигранной передаче деталей, яркости и светоносности красок. Нидерландцы первыми стали стремиться к белизне грунта, к тому, чтобы он, просвечивая сквозь краску, делал ее еще ярче.

Именно нидерландцам, требовавшим от краски сочности и насыщенности цвета, принадлежит честь усовершенствования техники масляной живописи, которая позже распространилась по всей Европе под названием фламандской манеры. Считают, что изобретателями этой техники были знаменитые братья Губерт ван Эйк (ок. 1370—1426) и Ян ван Эйк (ок. 1390-1441).

Гентский алтарь. Работа братьев ван Эйков

Прославленный Гентский алтарь, созданный братьями ван Эйками, по своему содержанию как будто и не отличается от средневековой живописи. На его створках изображены процессии пророков и апостолов, величественная фигура бога. Однако в живописи Гентского алтаря уже нет условности и отвлеченности, свойственных средневековым произведениям искусства. Многие сцены здесь развертываются на фоне пейзажа или внутри обычного дома того времени, каждая деталь полна жизненной правды. Чувствуется, что художники любуются окружающим их миром,— так тщательно выписывают они каждую фигуру, каждое украшение одежды, веточку на дереве. Пространство в картинах ван Эйков как бы наполняется прозрачным, напоенным светом воздухом, вспыхивают в лучах света драгоценные камни и металл, а красочные ткани и меха кажутся настоящими. Художники стремятся увидеть прекрасное во всем — в простом кувшине и полотенце, в цветах, в каждой капле воды. Это стремление выразить восхищение миром, обыденной жизнью привело братьев к невиданной ранее утонченной живописной технике. Они не только передают цвет предметов, но и отраженный ими свет, окрашивающий окружающее пространство.

Ученые до сих пор спорят, пытаясь определить, какие сцены алтаря писал Губерт и какие его младший брат Ян. Очевидно, начал работу Губерт, а после его смерти заканчивал Ян. Можно предположить также, что наиболее новаторская живопись принадлежит Яну, более передовому, чем Губерт, который был еще связан с готическим искусством.

Ян ван Эйк — художник, математик и дипломат — был настоящим человеком Возрождения. Бургундский герцог Филипп Добрый, у которого Ян ван Эйк был придворным живописцем, говорил о нем: «Не найти равного в знании и в искусстве моему слуге и живописцу Яну».

С добрым вниманием к людям пишет Ян портреты современников, пытаясь (и это тоже новое в живописи Северной Европы) проникнуть в их духовный мир. Тишиной и сосредоточенным спокойствием веет от портрета читы Джованни и Джованны Арнольфини (1434), все здесь просто и значительно — и серьезные лица мужа и жены, и залитая рассеянным светом комната. Каждый предмет имеет определенный смысл: собачка — символ верности, туфли — семейственности, зеленый цвет платья Джованны — цвет весны и любви. Сзади на стене висит круглое зеркало — шедевр мастерства и миниатюрной живописи ван Эйка. В нем мерцает отражение персонажей картины.

Ян ван Эйк. Читы Джованны Арнольфини

Совершенное искусство ван Эйков как бы открыло глаза нидерландским мастерам XV в. и на возможности живописи, и на значительность реального мира. Блестящий и суровый Рогир ван дер Вёйден (1399—1464), умелый рассказчик Дирик Боутс (ок. 1410—1475), исключительно талантливый и своеобразный мастер, ближе других подошедший к итальянскому Возрождению, Гуго ван дер Гус (ок. 1435— 1482) завоевали нидерландскому искусству XV в. мировую славу. Даже в Италию стали приглашать северных художников, учась у них живописному мастерству.

В конце XV в. Нидерланды значительно богатеют. Это привлекает к ним опасное внимание соседних стран. Французские, английские, немецкие и, наконец, испанские феодалы стремятся завладеть страной. Жизнь становится лихорадочной и напряженной. В городах пылают костры, заседают трибуналы инквизиции, сжигают «ведьм», «колдунов» и «еретиков». И это страшное, напряженное время нашло своего художника — в небольшом провинциальном местечке Гертоген-босхе работал один из самых странных и загадочных мастеров во всей истории искусства Иеронимус ван Акен (ок. 1450—1516), известный под именем Босха.

Иеронимус ван Акен (Босх). Автопортрет

Как далеко саркастическое отношение Босха к людям от радостного гимна во славу человека художников итальянского Возрождения. Кажется, что художник перенес на свои полотна все ужасы инквизиции, все пороки своего времени. Его картины населены причудливыми и злобными существами: хвостатыми чудовищами, рыбами на конских ногах, невиданными пресмыкающимися. При этом виртуозная живописная техника Босха — резкие и трагические сочетания цветов, точность кисти — придает убедительную достоверность его самым причудливым чудовищам, рядом с которыми обычно беспомощно мечутся слабые фигурки испуганных людей. Так Босх пытался передать весь трагизм своего времени.

Босх, как ни один художник до него, связан с народом, с его суевериями, с его юмором и фольклором. Есть старая фламандская пословица: «Мир — стог сена: каждый берет из него то, что удается ухватить»; и Босх пишет картину «Воз сена» (конец XV — начало XVI в.). Среди мирного и вполне реального пейзажа разворачивается бессмысленная жизнь людей, гонимых жаждой наживы и удовольствий. Все человечество оказывается во власти злых сил, и за повозкой с сеном спешат не только простые люди, но и император, и даже сам папа — глава католической церкви.

Босх. Воз сена

Искусство Босха интересно то, что в свои композиции на религиозные темы он вводит бытовые и пейзажные мотивы.

Тот, кто читал замечательный роман Шарля де Костера «Легенда о Тиле Уленшпигеле», знает, что в нидерландской революции, в борьбе с испанцами за свою независимость, борьбе жестокой и беспощадной, участвовал весь народ. Так же как и Уленшпигель, свидетелем, участником этих событий был и крупнейший нидерландский художник Питер Брейгель Старший (между 1525 и 1530-1569).

Художник-мыслитель, напряженно думающий о смысле существования человека, Брейгель намного опередил свое время. Его яркому таланту было тесно в рамках общепринятых сюжетов и даже жанров современной ему живописи.

Европейское искусство того времени не знало настоящего пейзажа — природа была лишь фоном, сценой, на которой действовали люди. И только Брейгель открыл для живописи полную самостоятельного значения жизнь природы, смысл смены времен года, величие и красоту пейзажа.

Совсем молодым художником Брейгель ездил в Италию, где работали тогда Микеланджело и великие венецианцы, но его индивидуальность оказалась слишком сильной для того, чтобы поддаться влиянию даже таких мастеров. Гораздо сильнее и важнее для Брейгеля оказались впечатления от грандиозных панорам моря и Альпийских гор. Природа стала главным героем его произведений. И вместе с легкими и точными линиями путевых рисунков Брейгеля в мировое искусство вошел пейзаж.

Позже, уже зрелым мастером, Брейгель написал знаменитую серию пейзажей «Времена года». Огромные пространства гор, лесов, полей живут в прекрасных картинах художника размеренно, величественно и закономерно.

Брейгель — прекрасный живописец. Он отлично использует контрасты цвета, виртуозность линий миниатюриста сочетается у него с необычной для художника XVI в. свободой кисти, с легкими, упругими, непринужденными мазками. Точности и выразительности его силуэтов могут позавидовать лучшие рисовальщики мирового искусства. Темные силуэты охотников из картины «Охотники на снегу» так резко выделяются на белом снегу, что у зрителя создается очень точное ощущение зимы и холодного прозрачного воздуха. Пейзаж тут главный герой, но теплые тона домов вдали и крохотные фигурки на зеленоватом льду катка делают его как бы обжитым, близким человеку.

Питер Брейгель Старший. Охотники на снегу

Доброжелательное внимание художника привлекают простые крестьяне. И здесь Брейгель стал первооткрывателем нового жанра — бытового крестьянского, получив за это от потомков прозвище Мужицкий.

В таких картинах, как «Крестьянский танец» (1567), простые люди совершенно вытеснили евангельских и аллегорических персонажей. Брейгель изучает своих героев пристально и строго, тщательно передавая их силу, грубоватость, простоту и решительность.

Питер Брейгель Старший. Крестьянский танец

Благодаря Брейгелю мы хорошо представляем людей, с ножами и топорами в руках отстаивавших независимость своей родины от иноземных захватчиков.

Все мрачнее и пессимистичнее становится искусство художника к концу 1560-х годов, когда испанцы пытались жестокостью сломить дух свободолюбивого народа. Солдаты короля Филиппа II врываются в деревни, пылает Антверпен — город, где работал мастер. В 1568 г., незадолго до смерти, Брейгель пишет свою самую значительную и мрачную картину «Слепые».

Питер Брейгель Старший. Слепые

Спокоен, ясен и тих скромный деревенский пейзаж, неподвижен влажный воздух. Но вот на окраине села появляется странная процессия: шесть слепцов, держась за посохи друг друга, неотвратимо движутся ко рву с водой. Страшные, незрячие лица, на которых ясно написано непонимание того, что происходит. Все это находится в мучительном противоречии с красотой, разумным порядком и равнодушием природы. Здесь Брейгель выразил свое горькое разочарование в людях, неверие в их осмысленную, плодотворную деятельность.

На такой трагической ноте кончается нидерландское Возрождение. Вклад нидерландцев в историю мирового искусства велик и важен. Мы и сейчас любуемся драгоценными картинами ван Эйков, удивляемся буйной фантазии Босха, восхищаемся пейзажами Брейгеля и его умением так остро выразить свое бурное, героическое и вместе с тем трагическое время.

При использовании данног материала ссылка на блог - обязательна

Что такое изобразительное искусство

В этом сообщении я расскажу вам о живописи, скульптуре, графике и архитектуре. Но прежде чем говорить о каждом из этих видов искусства, мы должны сказать, почему их называют изобразительными, каковы их общие черты, что объединяет их и что отличает от других искусств.

Итак, живопись, графика, скульптура и архитектура называются изобразительными искусствами потому, что их образы существуют в реальных, зримых формах. В отличие от музыки, кино, театра, литературы изобразительные искусства не способны передавать мир во времени, в движении, в развитии. Они ограничены только одним мгновением, — мастер не может показать, что было раньше и что будет после. Образы изобразительного искусства существуют не во времени, а в пространстве, поэтому изобразительные искусства иногда называют пространственными. Этот термин, хотя он и не так широко распространен, более подходит для всех рассматриваемых видов искусства: ведь произведения архитектуры ничего не изображают. Особенно полными и зримыми образы изобразительного искусства бывают тогда, когда живопись, графика, скульптура и архитектура выступают в единстве.

Изобразительное искусство отображает действительность в зримых формах. Но это вовсе не значит, что оно показывает нам только внешнюю сторону жизни, не раскрывая душевный мир людей и внутренний смысл событий. Напротив. Художник, скульптор, график, так же как и композитор и режиссер, кинооператор и писатель, по-своему передают существующий мир во всей его сложности, учат видеть и понимать то, что нас окружает.

Изобразительное искусство существует с древнейших времен (см. сооб. «Первобытное искусство»), и люди бережно собирают и пишут его историю. Искусство различных стран и эпох обладает неким общим языком, общими чертами, и поэтому мы способны понимать не только творчество своих современников и соотечественников, но и искусство других эпох, стран и народов. Узнав тайны языка живописи, скульптуры, архитектуры, вы сможете лучше понять изобразительное искусство Древней Руси, Древней Греции и Древнего Рима, Франции и Голландии, Испании и Германии, искусство наших дней, лучше оценить творчество великих мастеров мира.

При использовании данного материала ссылка на блог обязательна

Средневековое искусство стран Ближнего Востока

К началу VIII в. могущественный Арабский халифат объединил под своей властью огромные территории. Его владения простирались от Северо-Западной Африки и Испании до современной Киргизии и Индии. Многочисленные народы, жившие на этих землях, отличались друг от друга и уровнем общественного развития, и языком, и культурными традициями. Художественная культура их также была различна. Сирийские ткани не спутаешь с египетскими, а керамику Ирака — с изделиями турецких мастеров.

Распространение ислама, запрещавшего изображать людей и животных, наложило определенный отпечаток на развитие средневековой художественной культуры Ближнего Востока. Расцветает искусство орнамента, а скульптура и живопись почти затухают.

Ведущую роль в создании художественной культуры Арабского халифата играли Сирия и Ирак — страны с древними традициями в искусстве. С самого начала существования халифата во всех городах и даже в самых маленьких селениях Ближнего Востока строились здания для ежедневной молитвы — мечети. Здесь сложился тип так называемой дворовой, или колонной, мечети с обширным прямоугольным двором, обнесенным надежными, нередко даже крепостными стенами. Молитвенный зал находился в глубине, и его перекрытия покоились на колоннах или столбах. Внутри мечети отделывались цветным камнем, керамическими изразцами, орнаментом, вырезанным на каменных панелях или штукке — особой облицовочной штукатурке. После полировки штукк приобретал вид мрамора. Особенно богато отделывался михраб — ниша, указывавшая молящимся направление на Мекку.

Соборная мечеть Валида I в Дамаске — одно из знаменитейших сооружений VIII в.— должна была, по замыслу халифа, своим великолепием затмить все другие здания. И действительно, великолепные мозаики мечети вошли в сокровищницу мирового искусства.

Развивается и светская архитектура. Среди множества сооружений выделяются загородные замки — резиденции омейядских халифов, построенные в Сирийской пустыне. До нас дошли настенные росписи одной из таких резиденций — Кусейр-Амры. Сюжеты их разнообразны: здесь и купающиеся женщины, и единоборство атлетов, и сцены охоты. Центральное место занимает изображение халифа, сидящего на троне и окруженного покоренными иноземными царями.

Кусейр-Амра

В 836 г. на Тигре, к северу от Багдада, возникли первые постройки новой резиденции аббасидских халифов — Самарры. Вскоре она превратилась в большой цветущий город, но уже через несколько десятилетий была покинута. При раскопках здесь обнаружены руины дворцов халифа, жилых домов и соборной дворовой мечети с минаретом. На стенах — остатки росписей и орнамента.

Дальнейшее развитие живописи на Ближнем Востоке представлено книжными иллюстрациями — миниатюрами арабо-месопотамской школы XII—XIII вв. Сюжетом миниатюр служили эпизоды макам — новелл. Особенно широкую известность получили миниатюры макамам арабского писателя аль-Харири (1054—1122), рассказывающие о приключениях некоего Абу Зейда, объездившего весь свет и попадавшего в самые различные переделки. Рисунки изображают торжественный прием у халифа, суд и наказание преступника, проповедь в мечети, сцены на рынке, праздничную процессию, отдых каравана в пути и т. п. Несмотря на условную композицию, нарушение пропорций и отсутствие перспективы, эти и другие миниатюры поражают выразительностью не только отдельных деталей, но и характеристик различных персонажей.

Ирак. Миниатюра из рукописи "Макамы" аль-Харири

Средневековая керамика Сирии и Ирака необычайно разнообразна. Наивысшее достижение ее— люстровая керамика. Она изготовлялась особым способом: на глазурованную поверхность, наносили краску специального состава, которая после обжига приобретала характерный металлический отблеск.

Среди изделий из металла выделяются бронзовые сосуды и курильницы в форме птиц — орла, фазана, утки и т. п. (VIII—X вв.). Для последующих веков, особенно XIII—XV, характерны изделия с тонкими кружевными чеканными и гравированными узорами.

XII — XIV века — время расцвета стеклоделия. Главными центрами его были Алеппо и Дамаск; их изделия шли не только в страны Востока, но и в Европу. Стеклянные кубки, чаши, бутыли расписывались аллегорическими и жанровыми сценами, традиционным орнаментом из ветвей и листьев, декоративными надписями.

Немало шедевров оставило нам и средневековое искусство Египта. Самый ранний из дошедших до нас памятников средневековой архитектуры Египта — мечеть Амра в Фустате (Каир). Это — классический пример дворовой мечети. Плоское перекрытие молитвенного зала покоилось на полукруглых арках, опиравшихся на невысокие стройные колонны.

Египет. Мечеть Амра в Фустате (Каир)

В XI в. необычайно разросся и достиг пышного расцвета Каир, ставший с конца X в. столицей Египта. Современники восторженно описывали его базары, караван-сараи, мечети, многоэтажные жилые дома. И над всеми этими зданиями возвышался дворец халифов, обнесенный мощной крепостной стеной. Каменная крепостная стена с монументальными башнями и воротами, украшенными резьбой, окружала также весь город.

Новым в архитектуре X—XV вв. было создание больших архитектурных комплексов и ансамблей. Так, мечеть-мавзолей султана Хасана в Каире (1356— 1363), которая считается одной из вершин средневекового египетского зодчества, включает усыпальницу султана, собственно мечеть, четыре медресе (духовные школы) и четыре минарета, из которых сохранились лишь два. Мозаичные полы здания выложены различными породами камня, стены украшены резным мрамором и алебастровым фризом с декоративными надписями на фоне переплетающихся растений. Бронзовые двери главного входа и усыпальницы султана отделаны резьбой, чеканкой, инкрустированы золотом и серебром.

Египет. Мечеть-мавзолей султана Хасана в Каире

Открытые в последнее время фрагменты стенных росписей и миниатюрной живописи, так же как и изображения на предметах обихода (резное дерево, керамика), говорят о том, что в X—XII вв. в Египте существовала самостоятельная живописная школа.

Среди многочисленных отраслей египетского художественного ремесла особенно славились льняные и шелковые ткани, золотисто-желтые, с пурпуром и небольшими вкраплениями глубокого синего цвета.

Египетские изделия из металла и стекла очень схожи с сирийскими и иракскими. Но египетскую керамику XI—XII вв. от любой другой отличал рисунок: на белом фоне широкими мазками темно-синего цвета наносились обобщенные изображения птиц и зверей.

Своеобразными чертами отличается средневековое искусство Малой Азии. В середине XI в. малоазийские провинции Византии были завоеваны тюрками-сельджуками, которые создали здесь несколько феодальных мусульманских княжеств. Самым значительным из них был Румский султанат (современная Турция) со столицей Конья.

Сельджукское искусство Малой Азии тесно связано и с искусством Византии, и с искусством Сирии, Закавказья, Ирана. Творчески перерабатывая эти подчас разнородные элементы, малоазийские зодчие и мастера прикладного искусства создали к середине XIII в. целостное, яркое и своеобразное искусство. В архитектуре появились новые типы сооружений: зодчие объединили мечеть и медресе в одном здании. Выделялись стройные башни минаретов с высоким шатровым верхом и входные порталы, украшенные орнаментальной резьбой по камню. Особенно замысловатым орнаментом и виртуозностью исполнения отличались порталы Большой мечети в Дивриге (1228) и Индже-минар в Конье (1251 — 1252).

При отделке зданий мастера-камнерезы смело вводили в композицию орнамента изображения фантастических животных, львов, орлов и даже человеческие фигуры. Широко применялись изразцы темно-синего цвета, особенно для внутреннего убранства и облицовки куполов.

К концу XIV в. образовалась обширная Османская империя, и в искусстве Малой Азии начался новый период.

Архитектура османской Турции, в которой были продолжены и развиты основные традиции малоазийского зодчества XIII—XIV вв., тяготеет к монументальности. Наиболее ярко эта тенденция выразилась в творчестве прославленных зодчих XVI в. — Хайр ад-дина, Мехмед-аги и хаджи-Синана.

Из творческого наследия хаджи-Синана особенно замечательны мечеть Сулей-мание в Стамбуле и мечеть Селимие в Адрианополе. Обе они по смелости замысла, совершенству композиции и конструктивного решения не уступают прославленному константинопольскому храму св. Софии. По углам зданий возвышаются четыре стройных минарета. Внутри мечети отделаны мрамором, порфиром, многоцветными изразцами. На окнах — цветные витражи.

Турция. Мечеть Сулей-мание в Стамбуле

мечеть Селимие в Адрианополе

Храм св. Софии

Для светской архитектуры этого времени характерны павильоны-дворцы в садах — кешки. Простые и строгие по внешнему облику, эти здания внутри были богато украшены многоцветными изразцовыми плитами с изображениями кипарисов, тюльпанов, нарциссов и каллиграфическими декоративными надписями.

Турция XVI—XVIII вв. славилась керамикой, тканями, изделиями из металла. Своеобразным мотивом турецкой керамики было стилизованное, но очень выразительное и динамичное изображение лодки с косым парусом. Для турецких тканей типичны очень крупные изображения цветка тюльпана или гвоздики. Излюбленная расцветка тканей— красные тона с золотом и серебром. Турецкие чеканщики и граверы украшали изделия из металла сценами борьбы животных, каллиграфическими надписями с цитатами из Корана и традиционными благопожеланиями.

В XVI—XVII вв. в Турции получает значительное развитие искусство книжной миниатюры.

Богатые художественные традиции к началу средневековья выработали и народы Ирана. Большого расцвета иранское искусство достигло при Сасанидах в III—VII вв.

Завоевание Ирана арабами, враждебное отношение мусульманских богословов к изобразительному искусству тормозили развитие живописи и особенно скульптуры. Но сложившиеся в Иране художественные традиции оказались сильнее этого влияния, и в средние века художественная культура Ирана сохраняла свою самобытность.

Архитекторами X—XI вв. была создана так называемая мечеть с четырьмя айванами, т. е. с четырьмя обширными сводчатыми залами, расположенными по сторонам прямоугольного двора. Эти залы — айваны — открывались во двор входными арками. Вплоть до XIX в. по этому плану строились мечети и здания духовных училищ — медресе. Наиболее ранние дошедшие до нас мечети этого типа — мечеть Хайдерийе в Казвине и мечеть в Ардистане (XI—XII вв.).

Широкое распространение получили также башенные мавзолеи с шатровым или купольным перекрытием.

Впоследствии основным элементом здания в иранской архитектуре становится монументальный портал. Все увеличиваясь в размерах, он заслоняет собой остальные части здания, отчего сооружение становится плоскостным, рассчитанным на обозрение лишь с одной стороны. Пышная орнаментальная отделка подчеркивает главную роль портала в архитектурной композиции.

В отделке здания применялась и фигурная кладка кирпича, и резьба и роспись по ганчу (род алебастровой штукатурки), и многоцветные изразцовые облицовки, и мозаика, особенно распространенные в XIV—XV вв.

В конце XVI — XVII вв. Иран переживает большой экономический и культурный подъем, идет оживленное строительство. Во многих городах страны создаются большие архитектурные ансамбли. В начале XVII в. в столице Исфахане был построен архитектурный ансамбль на площади Майдане-Шах («Площадь шаха»), состоящий из двух величественных мечетей, дворца Али-Капу и крытого рынка. Все эти сооружения расположены по сторонам огромного прямоугольного плаца. Такие ансамбли были шедеврами декоративного искусства и зодчества своего времени.

Иран. Площадь Шаха

Большое развитие получила в Иране книжная миниатюра. Наиболее ранние произведения ее относятся к XII — XIII вв., а наивысшего расцвета она достигла в XVI — XVII вв. При дворе Сефевидов работали многие выдающиеся художники-миниатюристы: Реза Аббаси, Афзаль ал-Хусайни, Реза Мусаввир и другие. Мастера украшали и иллюстрировали рукописи литературных произведений, научных трактатов и исторических сочинений. Затем появляются специальные альбомы, составленные из листов работы известных мастеров. Их сюжетами были эпизоды из «Шахна-ме» великого Фирдоуси, композиции на темы произведений Хафиза, Омар Хайам, Саади и других классиков литературы. Иранские миниатюры отличались виртуозно-тонким исполнением, богатым и звучным цветом.

Керамические изделия иранских ремесленников прославились на весь мир. Особенно интересны сосуды керамистов Рея и Кашана с многоцветными изображениями человеческих фигур и жанровых сцен.

На ярких поливных изразцах, применявшихся для отделки зданий, часто встречаются сцены из эпоса. Наивысшее достижение иранской художественной керамики — расписные люстровые сосуды и изразцы.

Металлические изделия Ирана покрывались тонким кружевом чеканного или гравированного орнамента, лентами надписей с благопожеланиями, которые иногда сочетались с изображениями людей и жанровыми сценами. Широко распространена была инкрустация серебром или красной медью по бронзе.

Парчовые и шелковые ткани, особенно в XVI—XVII вв., наряду с богатым орнаментом украшались изображениями на сюжеты из литературных произведений.

Иранские ковры, издавна славившиеся во всем мире, неповторимы по богатству и разнообразию узора, сочному насыщенному цвету. В их колорите преобладают красные тона. 

* * *

В XVIII—XIX вв. развитие художественной культуры в странах Ближнего и Среднего Востока замирает. Это объясняется общим упадком феодализма и усилением зависимости этих стран от стран Европы. В архитектуре и прикладном искусстве в основном копируются образцы, созданные в предшествующие века. Но богатое наследие мастеров средневековья до сих пор поражает богатством фантазии, изяществом и яркими радостными красками.

При использовании данного материала ссылка на блог - обязательна

Живопись

Живопись — один из древнейших видов искусства. До наших времен дошли изображения животных и людей, сделанные еще в эпоху искусства первобытного общества на стенах пещер. С тех пор прошли многие тысячелетия, но живопись всегда оставалась неизменным спутником духовной жизни человека. В последние века она, бесспорно, самый популярный из всех видов изобразительного искусства. Как и всякая самостоятельная ветвь художественного творчества, живопись обладает целым рядом неповторимых, оригинальных особенностей. Она повествует о жизни, запечатлевает людей, природу, окружающий человека предметный мир посредством зрительных образов. Эти образы создаются при помощи целой системы приемов, разработанных многими поколениями художников.

Как технически пишется картина? До XV—XVI вв. в Европе ее основанием (материалом, на котором пишется картина) чаще всего служило дерево различных пород, а на Востоке — шелк, пергамент, рисовая бумага и т. д. Современные мастера за сравнительно редким исключением используют в качестве основания холст. Для того чтобы холст мог впитать и удержать в себе краску, его сначала обрабатывают раствором клея (проклеивают), затем грунтуют, нанося плотный слой специальной смеси. На загрунтованный холст красками наносится изображение. Современные художники чаще всего используют масляные краски. До конца XIV в. наиболее распространенной техникой живописи была темпера (краска, приготовленная на смеси яйца с водно-клеевым раствором, а также с уксусом, квасом или вином). Сегодня темпера — лишь одна из техник, чаще всего используемая в монументальной живописи. Иногда для создания картин берут водяные краски (акварель, гуашь) или сухие разноцветные мелки (пастель). Однако эти техники чаще употребляются для создания произведений графики.

Прежде чем взяться за кисть, художник обычно рисует в эскизах, а затем и на полотне облик действующих лиц, формы предметов, контуры обстановки, намечает композицию будущей картины.

Если рисунок составляет, так сказать, основу, скелет живописного произведения, то плоть и кровь ее — цвет, колорит, важнейшее и драгоценнейшее из преимуществ живописи по сравнению с другими видами изобразительного искусства. Колорит — это цветовой строй картины, богатство и согласованность цветовых оттенков. Художники используют цвет не только для передачи реальной окраски предметов, но и для создания определенного настроения, для целей поэтического воплощения замысла. Рассмотрите репродукцию картины Серова «Девочка с персиками». Голубовато-серый тон, оттененный розовым пятном платья девочки, пронизывающие каждый миллиметр полотна оттенки и отражения трепетного, мерцающего света — все это создает то впечатление свежести, чистоты, юной радости жизни, которое составляет самую сущность картины. А какую огромную смысловую роль играют контрасты черного и белого в трагическом повествовании В. Сурикова «Боярыня Морозова».

Серов "Девочка с персиками"

В. Суриков "Боярыня морозова"

Живопись бывает двух основных видов: монументальная и станковая. Монументальная живопись так или иначе связана с архитектурой: это роспись стен и потолков зданий, украшение их мозаикой, витражами, фресками.

Станковыми называют картины, которые не составляют неотъемлемой части какого-то архитектурного целого или художественного ансамбля и имеют самостоятельное значение. У станковой живописи есть много разновидностей — жанров. Важнейшие из них — бытовой, исторический, портрет, пейзаж, натюрморт.

К историческому и бытовому жанрам принадлежат такие полотна, в которых есть действие, рассказ, повествование и запечатлены какие-либо современные или исторические общественные события, сцены из повседневной жизни людей. Таковы, например, «Утро стрелецкой казни» Сурикова, «Не ждали» Репина, «Сенокос» Пластова и т. д.

В. Суриков "Утро стрелецкой казни"

Репин "Не ждали"

Пластов "Сенокос"

Сюжет в живописи обладает множеством своеобразных черт. В отличие от писателя художник не может показать цепь событий, происходящих в разных местах, в разное время. Он ограничен пределами одного момента и неизменной обстановки. Стало быть, живописец должен отыскать и рельефно изобразить такую ситуацию, в которой наиболее полно и разносторонне раскрываются и характеры действующих лиц, и их взаимоотношения, и весь смысл запечатленного события.

Достижению этой цели помогает художественный язык живописи. Ведь автор картин рассказывает показывая. В этом зрительном повествовании и цвет — яркий или тусклый, спокойный или пламенеющий, и движение линий — стремительное, напряженное или плавное, замедленное, и многие, многие другие особенности живописного решения обладают большой выразительностью, способствуют раскрытию чувств, мыслей, настроений. Вот почему содержание сюжетной картины в полной мере сможет постигнуть лишь тот зритель, который увидит в ней не только определенный событийный рассказ, но и его живописное воплощение.

Исторический и бытовой жанры предоставляют художнику широкие и разносторонние возможности изображения жизни людей, окружающего их мира.

В произведениях иных жанров словно бы выделяется, отдельно рассматривается лишь какая-то одна из граней бытия. Так, портрет воспроизводит облик человека. В иных случаях герои портретных полотен показаны в привычной для них житейской обстановке, в других мы не встречаем никаких дополнительных деталей (аксессуаров). Но всегда центральная тема портрета — изображение человека.

Первая ступень мастерства портретиста — умение достигнуть точного сходства с моделью. Но это именно только первая ступень. Главная и, конечно, самая трудная задача художника в этом жанре — правдиво, ярко, убедительно раскрыть внутренний мир изображаемого человека, основные черты его характера, психологии.

Тициан Вечеллио. Портрет папы Павла III

Произведения живописи, изображающие картины природы, относятся к жанру пейзажа. Мастера этого жанра передают наиболее характерные, типичные, существенные черты облика природы той или иной страны, края, места. Однако цель подлинного мастера пейзажного искусства — не просто запечатлеть тот или иной вид, но отразить взаимодействие между миром природы и миром человеческих чувств и настроений. А это всегда связано с мировоззрением художника, определенными идеями, переживаниями. Например, пейзаж в знаменитой «Владимирке» Левитана, изображающий дорогу, по которой в царские времена гнали на каторгу арестантов, словно бы сгущает чувства тяжести, скорби, глубокой горечи. В пейзаже Саврасова «Грачи прилетели» зрелище ранней русской весны внушает чувства светлой надежды, легкой, задумчивой грусти.

Левитан "Владимирка"

Саврасов "Грачи прилетели"

Задача жанра, именуемого натюрморт,— изображение различных предметов повседневного обихода, фруктов, цветов, обстановки человеческой жизни. Французское словосочетание «натюрморт» в буквальном переводе означает «мертвая природа». Действительно, в картинах этого жанра показываются только неодушевленные предметы. Однако подлинно художественные натюрморты отнюдь не безжизненные копии натуры. Так же как и в пейзажах, в натюрмортах своеобразно отражаются представления современников о прекрасном, их думы и настроения. Например, натюрморты Машкова «Снедь московская. Хлебы», «Снедь московская. Мясо, дичь». Художник изобразил продукты — сочные, дразнящие в своем пиршественном великолепии. Он воспел обилие даров земли, ее плодородие, щедрость. Такой характер изображения красноречиво говорит о жизнеутверждающем взгляде на мир, полнокровном оптимизме.

Машков "Снедь московская. Хлебы"

Машков "Снедь московская. Мясо, дичь"

Таким образом, все жанры живописи — каждый по-своему — могут выразить большие идеи и чувства, волнующие людей.

При использовании данного материала ссылка на блог - обязательна